Critica personal CD guitar recital ANABEL MONTESINOS First Prize 2010 Michele Pittaluga Guitar Competition, Alessandria

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La acertada selección de obras hacen muy atractivo este cd por reunir diversos e importantes estilos de musica española a veces denostados por algunos intérpretes foráneos quizá ante su incapacidad de comprensión-de orígen humilde es enormemente impulsada por los compositores españoles hasta alcanzar reconocimiento mundial-. Este recital es recomendable a estudiantes de guitarra, profesionales ó público en general, aparte del valor intrínseco de la interpretación y bello sonido de la siempre en alza, Montesinos. La joven pero ya experimentada artísta ganadora de cantidad de concursos internacionales y gran concertísta ha paseado el nombre de España por Francia, Italia, Polonia, Austria, Suecia, Estados Unidos y ha sido acompañada por orquestas como las Filarmónicas de Moscú, Monterrey y Madrid e invitada a nivel mundial en homenajes y festivales, culminando su exitosa carrera el año pasado con su concierto en el Carnagie Hall donde recibió la ovación del publico puesto en pie.

La primera impresión que sorprende en la escucha del cd. en los primeros compases es la extrema habilidad técnica de la intérprete en el comienzo (vivace molto) sensación atenuada en los siguientes Valses poéticos de E.Granados en favor de la expresividad anotada por el compositor (nostalgia, elegancia, humor) hasta el regreso como final a la serena coda, aunque es una pena hallan quedado valses en el tintero de la transcripción de Montesinos.
En la Tonadilla de la Maja de Goya en la que alcanza una interpretación notable, Montesinos está inspirada y alcanza una gran cota de musicalidad y mesura en una igualmente feliz transcripción propia.

La preciosa Danza del Corregidor de M. de Falla es posiblemente la mejor versión que he escuchado hasta la fecha en el magnífico arreglo de S.Behrend, arriesgado compositor para su interpretación en guitarra. En cuanto a las Tres canciones catalanas podemos decir que Montesinos saca su “añoranza catalana” y notamos que verdaderamente las siente, expresa profundamente la música de M.Llobet.

En las siguientes Tres piezas españolas impecablemente facturadas, tras el bien ritmado Fandango, la intérprete sorprende en el Passacaglia nuevamente con unas rapidísimas y virtuosísticas escalas. El también acertado tempo del Zapateado nos permite deleitarnos en la musica de Rodrigo sin temor al sobresalto. Quizá se eche en falta en algún momento un sonido algo mas contundente para esta música bravía, si bien esto queda compensado por algún precioso y sorprendente matiz.

Si bien como todas las piezas de este cd están perfectamente pergeñadas, las coplas de M.L.Quiroga en los preciosos arreglos de C.Trepat quizá sean las menos logradas estilísticamente, no producen la debida sensación de arrebato, ímpetu, vehemencia, pasión, aunque en Ojos verdes, bellamente matizada en sotto vocce -efecto realmente difícil de conseguir en guitarra- ofrece una sugerente nueva visión.

Las Variaciones OP.9 de F.Sor ofrecen un nueva versión destacable dentro de la enorme articulación y cuidada pulcritud de Montesinos, tal vez sea cuestionable la elección de los tempi.
Y algo siempre digno de agradecer: que lo mejor esté al final de la grabación de este magnífico recital. Las Tres piezas españolas de Emilio Pujol son la gran joya de este CD- la inteligencia musical de Montesinos vuelve a conectar con lo mejor de el sentir de su origen, transmitiendo con auténtica maestría las enormemente gráciles piezas mencionadas de las que obtiene un partido magnífico.

Como conclusión y a modo de postdata, decir que ésta opinión intenta despertar el entusiamo en el público y encauzar al auténtico “escuchante” (en una sociedad de oyentes) hacia una búsqueda de objetividad, intentando colaborar con la artísta en la reflexion de su arte con el mayor respeto y desde mi experiencia como músico y melómano asistente a multitud de conciertos.
Carlokapuscinski 5/2/2012

FERNANDO SOR, su vida en orden cronológico (por Carlokapuscinski)

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Todos los guitarrístas actuales estudian a Fernando Sor, pero pocos conocen con detalle su vida y época. Este artículo pretende ser un sentido homenaje al considerado hoy compositor principal de su tiempo para guitarra, con una visión auténticamente sinfónica del instrumento gracias a su condición de compositor de óperas y ballets, dentro una Europa convulsa. Al ser así mismo un consumado intérprete, (tal vez solo pudiendo ser comparado con los mayores virtuosos de su época) y por su exahustivo conocimiento del instrumento, supo trasladar magistralmente su música legándonos un maravilloso repertorio enmarcado en el período y estilo clásico que aún continúa escuchándose y admirándose en las salas de conciertos -fué apodado el Beethoven de la guitarra-.
Se relacionan también algunos hechos relevantes para establecer nexos de unión con las diversas épocas.

Fernando Sor nació el 13 de Febrero de 1778 en Barcelona y falleció en París el 10 de Julio de 1839. (Según la biografía de Domingo Prat está inscrito en los libros de registro bautismal de la catedral de dicha ciudad como José Fernando Macario Sors, pero el firmó durante toda su vida, pues así fué su voluntad, como Fernando Sor.)

Alrededor de 1790 ingresa en el Monasterio de Montserrat -tiene 12 años- donde inicia sus estudios de piano, violín y armonía, bajo la tutela de Anselmo Viola. Saldoni afirma ya en esa fecha: “Sor hace cosas tan prodigiosas con la guitarra que admiran a sus condiscípulos y cuantos le escuchan”
/Goethe escribe su Torcuato Tasso. Mozart estrena Cossi fan tutte en Viena -1790-/


1796- Fallece su padre -tiene 18 años- y tiene que abandonar los estudios por desear su madre que emprenda la carrera militar (si bien estudia la guitarra a nivel autodidácta, al ser considerada esta todavía un instrumento acompañante de canciones y danzas sin demasiado refinamiento) Posteriormente reconocerá la influencia de F.Moretti.
/España se alía con el Reino de Francia -con un joven general al mando llamado Napoleón Bonaparte- venciendo a Inglaterra en 1797 con la firma Tratado de Campo Formio./

1797- Estrena su ópera TELÉMACO EN LA ISLA DE CALIPSO en el Teatro Santa Cruz de Barcelona y es quince veces mas representada.

1799- En Madrid se pone al servicio de la Duquesa de Alba y posteriormente del Duque de Medinaceli como músico y administrador de bienes.
/Nacen H.de Balzac y A.Puskhin. Fallece G.Washington, primer presidente de Estados Unidos de América.
Napoleón proclama el Consulado./

1808-Las tropas francesas invaden la España de Carlos IV entrando por Cataluña. Sor compone música nacionalista para guitarra y escribe líricas patrióticas.Después de la batalla de Bailén Sor forma parte del regimiento como capitán de los voluntarios cordobéses pero estando toda España ocupada salvo Cádiz decide como muchos españoles aceptar la ocupación con la esperanza de ver una España reformada. Ya bajo la monarquía de Jose Bonaparte -llamado por el pueblo español Pepe Botella- acepta un puesto en el gobierno de ocupación.
/Napoleón declara la anexión de los estados romanos por el Imperio francés en Viena./

1810- Nace F.Chopin (1849)

1813- Tras la expulsión de los franceses tiene que abandonar España. Pone rumbo a París donde coincidirá y convivirá con otros músicos. Conoce a Dionisio Aguado en el Hotel Favart y compone la obra “Les deux amis” op. 41
/L.CHERUBINI triufa en París/
/José Bonaparte abandona definitivamente Madrid siendo obligado por su hermano Napoleón a abdicar de la Corona de España. Las tropas francesas capitulan en Pamplona.
Nacen R.Wagner y G.Verdi./


1815- Es reconocido con gran éxito en Inglaterra como compositor de óperas y ballets. Debuta como el primer guitarrísta invitado con la Sociedad Filarmónica de Londres.
/Batalla de Waterloo, Napoleón es recluido en la isla de Santa Helena por los británicos./

1817- Interpreta su propio concertante para guitarra y trío de cuerda (hasta hoy desaparecido)
/Nacen J.Zorrilla y R. de Campoamor-/

1821- Compone LA FERIA DE ESMIRNA -ballet-
/Perú, Panamá y Méjico se independizan de España, el territorio de Florida pasa de soberanía española a estadounidense.
Napoleón muere en su reclusión de Santa Helena.
Nacen C.Baudelaire, G.Flaubert y A.Dostoievski./

1822- Es nombrado Miembro honorario de la Royal Academy of music. Compone su ballet CENDRILLÓN -Cenicienta-
/Ecuador se independiza de España. Brasil igualmente de Portugal.

Debuta al piano en Viena Franz Listz./

1823-Paso por Berlín y Varsovia donde da un concierto acompañando a su hija Carolina fruto de su anterior matrimonio, camino de Rusia donde presenta su ballet HERCULES Y ONFALIA con motivo de la coronación del Zar NICOLAS I.
Compone las opus 16 al 29 y el “Souvenir de Rusie” op. 63 y EL AMANTE PINTOR -ballet-
/Los Cien mil hijos de San Luis (Francia) restauran el absolutismo en España en la figura de Fernando VII.
Nace el tenor J. Gayarre y L.V.Beethoven publica su 9ª sinfonía./

1825- Estancia en Rusia. Inagura el BOLSHOI con su ballet Cendrillón en el que su esposa francesa Felicité Hullin, primera coreógrafa mujer, baila el papel principal.
Aguado edita su ESCUELA DE LA GUITARRA.

/Se interpreta por vez primera la 9ª sinfonia de Beethoven en Frankfurt-ALEM. Nace Johann Strauss(hijo). Fallece A.Salieri.
Fallece el Zar de Rusia Alejandro I.
Bolivia declara su independencia de España./

1826- Compone la Marcha Fúnebre para piano a la muerte del Emperador Alejandro, también el ballet HERCULES Y ONFALIA. Retorna a París.
/Fallecen J.C.de Arriaga(n.1801) y C.M.Von Weber(n.1786)/

1827- Se retira definitivamente a París donde compone sus mejores obras y su Método para guitarra. Composición de EL SICILIANO -ballet-
/Se estrena en La Scala de Milán la ópera El pirata de V.Bellini. Muere L.V.Beethoven en Viena.
Simón Bolívar es depuesto como dictador en Perú./

1828- Primera edición de L´Encouragement y Fantasía a deux guitares en la Casa Pacini de París, además de el ballet HASSAN Y EL CALIFA.
/Nacen J.Verne, H.Ibsen y L.Tolstoi, mueren F.Goya (n.1746) y F.Schubert (n.1797)/

1829- Fallece el compositor y virtuóso Mauro Giuliani (conciertos op 30, op 36 y op 70 para guitarra y orquesta, Rossinianas y sonatas para violín y guitarra) en Nápoles (1781-1829)
/Se estrena Fausto de J.W.Goethe.F.Mendelsshon dirige la Pasión segun San Mateo de J.S.Bach por primera vez después de la muerte del compositor. Se estrena la ópera Guillermo Tell última ópera de G.Rossini en París(basada en la obra Whilelm de F.Schiller.)
Fernando VII se casa con María Cristina de Borbón-Dos Sicilias./

1830- Se publica y traduce a varios idiomas su Methode pour le guitare.
/Se estrena Hernani de V.Hugo en París. H.Berlioz estrena su Sinfonía Fantástica.
Francia invade Argelia. Fallece S.Bolívar militar y líder revolucionario.

1831- Dedica su op. 46 “Souvenir de amitié -Fantasia-” a Giulio Regondi -que sólo contaba con 9 años de edad-
Nace Mussorsky.
/Bellini estrena sus óperas La Sonámbula y Norma. Fallece R.Kreutzer (n.1766) violinísta y conpositor francés.

1832- Llega a Londres.
/Muere M.Clementi (n.1732) pianísta y compositor italiano./

1833- Muere Fernando VII y comienza la regencia de Maria Cristina -Iª guerra carlista-
/Nacen Brahms y Borodin./

1835- Compone la Mazurka para piano (the fortepiano works)
/Se estrenan Il Puritani en París y poco después V.Bellini(n.1801) fallece. Maria Stuarda de G.Donizzeti se estrena en Milán.
Primera guerra Carlista por la sucesión en España entre los partidarios de Carlos María de Borbón y los llamados isabelinos-partidarios de M.Cristina de Borbón-Dos Sicilias./

1836- /Se produce en España la desamortización de Mendizábal-Ministro de la regente M.Cristina (expropiación de los bienes de las órdenes religiosas.)/

1837- Fallece su hija Carolina gran arpista y pintora, fruto de su primer matrimonio. Compone una misa en su honor y su última obra para guitarra(Fantasía Elegíaca)
/La reina Victoria accede al trono de Inglaterra. C.Dickens escribe Oliver Twist.
Muere Paganini (1782)/

1839- Fallece mísero y deprimido por un cáncer de lengua y es enterrado en Montmatre.

Otros datos de interés:
Durante su vida Sor sólo tuvo tres editores:
Castro 1810-1813
Meissoner 1813-1828
Pacini 1828-1838

Otros músicos coetáneos:
Federico Moretti (1765-1838)
Vicente Martín y Soler (1754-1806)
Luigi Boquerini (1754-1806)

Visita al Monasterio de la Encarnación en la ciudad del silencio/ Sobre el silencio/ Organología musical del Convento/ Historia musical/ Santa Teresa (por Carlokapuscinski)

vista lateral del monasterio de la Encarnación

frontal monasterio de la Encarnación

Los músicos amamos el silencio como parte de la música que es, por eso para nosotros y para los amantes de la música, la visita al Monasterio de la Encarnación debería ser inexcusable. La tranquilidad y paz es reconfortante en ese lugar, por eso no nos debe resultar extraño que Teresa de Jesús mantuviera allí altas experiencias espirituales.
Etímologicamente hablando, Silere en latín significa estar callado, y es estando callado cuando solo es posible atender a lo que usualmente se nos “escapa” en este mundo de ruidos, si bien es cierto que el silencio absoluto no existe. Recordemos la experiencia del revoltoso compositor John Cage -urdidor de diabluras según Alex Ross- cuando se introdujo en la cámara anecóica (caja diseñada especialmente para absorver el sonido anulando los efectos de eco y reverberación del sonido) de la Universidad de Harvard. Al entrar escuchó dos sonidos, uno grave y otro agudo. Ya fuera, intrigado, preguntó al ingeniero responsable que qué eran siendo una cámara tan silenciosa, a lo que el ingeniero respondió: “el grave es la circulación de su sangre y el agudo su sistema nervioso”. Otro ejemplo de mas fácil comprobación es sencillamente taponarnos los oídos, si bebemos un vaso de agua oiremos el transcurrir de ésta hacia nuestro interior e incluso podemos escuchar el ritmo del latir de nuestro corazón ó nuestra respiración. El sonido siempre existe, el concepto de silencio podemos decir que es una sensación subjetiva.

detalle de un fresco sobre Sta. Teresa

El silencio en música es importantísimo; equivale a respirar sobre todo para separar frases musicales, ya sea una pausa cargada de intención para crear expectativas, interrumpir, una respiración para reclamar nuestra atención… a este recurso, junto a otros creadores de emociones en el período barroco, se les llamó teoría de los afectos -iniciados en la parte vocal, luego pasaron a la instrumental para dotar a la música de mayor expresividad- e incluso en la tradición musical francesa del S.XVIII el silencio fué llamado suspiro.

En las antípodas del silencio está el ruido, que como curiosidad y recordándo a Napoleón (discreto entusiasta de la música) dijo que esta “es el menos molesto de los ruidos”. También en el otro extremo, Shopenhauer por su parte afirmó: “la sensibilidad de una persona hacia la música varia de forma inversamente proporcional a la cantidad de ruido que puede soportar”. El cultivo de la recepción auditiva en ocasiones podría llegar a ser un problema. Los sonidos confusos, con interferencias, inarticulados,o producidos por los demás, son lo opuesto a calma, paz, sosiego y tranquilidad. Una ilustrativa anécdota musical relativa a Manuel de Falla y el ruido, es la de que trabajando D.Manuel en la idea de la Suite Homenajes (en la que aprovecharía la fanfarria en homenaje a Arbós, orquestaría los homenajes a Debussy-guitarra- y a Dukás-piano- y añadiría un movimiento totalmente nuevo en homenaje a su maestro a Felipe Pedrell) y habiéndose retirado a una finca cercana a Granada en la que el ambiente era aparentemente perfecto y los suyos le atendían con esmero… pero a pesar de todo el estado nervioso de D.Manuel crecía, las ranas lo martirizaban con su croar, y la charca, ¡tuvo que ser desecada! -reconozcamos que un ruido continuo no deseado puede llegar a ser realmente insoportable-.

Continuando nuestra visita, pasemos a examinar la interesante vitrina donde se encuentran instrumentos de la época de Sta. Teresa y alguno posterior que coinciden en el tiempo con el reinado de Felipe II en el llamado renacimiento musical.
Podemos ver un Salterio, una Guitarra de cinco órdenes dobles, un Bajón, dos Arpas dobles, un Pandero y una Vihuela de arco que a continuación pasaremos a describir. (Ampliar imágenes pulsando sobre las mismas)


El SALTERIO es un instrumento de cuerdas pulsadas, heredero de una cítara, que consistía en una caja de resonancia plana-con uno o varios oídos de roseta- sobre la que se extendían las cuerdas. La cítara, o santir o santur, es de origen caldeo de la civilización Persa. El músico lo toca apoyado contra el pecho, a la manera occidental, ya que por influencia árabe se tocaba ocasionalmente sobre las rodillas. En El Quijote, II, 19, Miguel de Cervantes(1547-1616) escribió: “Oyeron asimismo confusos y suaves sonidos de diversos instrumentos, como de flautas, tamborinos, salterios, albogues, panderos y sonajas”.

La GUITARRA de cinco órdenes dobles también llamada “española” compuesta nueve órdenes siendo la primera de una sola cuerda llamada prima y las demás dobles según el médico catalán Joan Carles Amat (1596) que continúa: “Hallánse no mas de cuatro trastes de necessidad, porque los puntos que se pueden hazer en los demas, tienen la mesma consonancia que tienen los puntos que se hazen con en el segundo, tercero y cuarto”. La obra de Amat trata sobre todo de la utilización como instrumento acompañante y la sencilla técnica fundamental: la música “golpeada” como era llamada por Fray Bermudo, hacer acordes con la mano izquierda y rasguearlos con la derecha en forma no muy distinta a la actual música popular.

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El BAJÓN -imagen de arriba- es un instrumento de viento-madera creado en el Renacimiento. Consiste en un largo tubo de madera y de sección cónica que en uno de sus extremos se inserta un tudel de cobre de forma curva en el que ha su vez se inserta una lengueta doble o una caña por la que se hace sonar el instrumento.
Posee agujeros y una par de llaves para facilitar la digitación. El modelo mas común reforzaba la línea del bajo (de ahí su nombre) en la texitura de la polifonía de las capillas renacentistas y acompañando a los salmistas en los oficios eclesiásticos, llegando a su apogeo sobre el año 1600. En el siglo XVII sus funciones fueron asumidas por el fagot aunque mantuvo una larga permanencia y convivió durante siglos con este.

El ARPA DOBLE -arpa doppia- es un instrumento que consta de dos hileras de cuerdas dispuestas paralelamente, de cuyo conocimiento tenemos noticia apartir del siglo XIV. Una de las hileras citadas es para las notas diatónicas y otras para las cromáticas aunque se le atribuyeron ciertos inconvenientes como menor manejabilidad con respecto al modelo de una sola hilera. Vicenzo Galilei (1520-1591) Claudio Monteverdi (1567-1643) la mencionaron e incluyeron en sus composiciones(Orfeo) e incluso es nombrada en un pasaje de La Dorotea de Lope de Vega (1562-1635). Este instrumento doble desaparecerá en favor del arpa de ganchos y el posterior modelo evolucionado de pedales.

TAMBOR
Es posiblemente el mas popular de los menbráfonos. Las formas antiguas castellanas son las de atambor y atamor cuya primera documentación se sitúa en el Poema de mio Cid (s.XII), el Libro de buen amor (1330) del Arcipreste de Hita, El Quijote de Miguel de Cervantes-alternando la voz tambor con la de atambor. En italiano “tamburo” surge a partir del s.XIII y en occitano medieval “tabor” en el XII.

Hecho de madera o metal, hueco, generalmente de forma cilíndrica y cubierto en sus extremos por dos membranas o parches, siendo mas delgada la de la parte inferior. Probablemente de todo el instrumentario musical sea el tambor uno de los elementos de mayor contenido místico-recordemos su protagonismo en las procesiones de Semana Santa-. En Roma fué utilizado en ceremonias civiles y paradas militares en las dos forma de tambor (symphonia el de mayor tamaño y el plano o tympanum). Ya en los albores medievales San Isidoro nos habla también de un tympanum y un pandero. El rey castellano Sancho IV llegó a contar con quince “atamboreros” y fueron pocas las cortes y casas señoriales que no tenían musicos de tambor. Obtuvo una acción preemimente en las acciones bélicas y a partir del siglo XV su presencia se incrementó en los desfiles de infantería para marcar el ritmo mientras que timbales y trompetas eran casi siempre patrimonio de la caballería.
VIHUELA DE ARCO

También llamada fídula desde el S.XVI, probablemente tenga sus orígenes en la viola de arco medieval, genuinamente española, es un instrumento anterior al Renacimiento. Instrumento cordófono provisto de mango y resonador tañido con arco o punteado. Denominado así -de arco- cuando fué adaptado para tocarse con un arquillo y que desde el S.XVI fué llamada viola da gamba. Aparece nombrada en textos de tema pastoril y ambientes distinguidos (Jorge Manrique 1440-1479). Sebastián de Covarrubias (1611) se lamentará de que se haya perdido su empleo en favor de la guitarra y señala que “son las que se tañen con arquillo y tiene trastes”.

AL LADO DE ESTA VITRINA HAY OTRA EN LA QUE TAMBIEN VEMOS DIVERSAS PARTITURAS Y MANUALES SEGÚN DETALLE:

Libro de los responsorios de tinieblas.
Oficio de la Asunción.
Oficio de la Ascensión.
Oficio de S.Juan Bautista.
Manual para las procesiones de difuntos y sepultura.

-UN POCO DE HISTORIA-

La música renacentista es la música culta europea escrita durante el período del Renacimiento entre los años 1400 al 1600 aproximadamente siendo sus características mas notables la textura polifónica que sigue las leyes del contrapunto y que está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Las forma musicales mas notorias son en el campo religioso el motete y la misa. En el género profano la chanson, el madrigal y villancico, destancando también el ricercare y la canzona en el capítulo instrumental. Algunos de los compositores mas importantes son Josquin Desprez, G. Piereluigi da Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.
La música litúrgica o sacra (en un contexto moderno pero con origen ancestral) para entender grosso modo su función, posee cuatro facetas principales que deben distinguirse porque cada una tiene su función propia. La primera es la asamblea -participación activa de los fieles-, la segunda los cantores o schola -y que forman parte de la asamblea-, la tercera los solístas y cuarta los instrumentos musicales -que facilitan y sostienen la interpretación del canto dando mayor unidad a la asamblea.
Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la música polifónica, estando perfectamente documentada la presencia de ministriles en las catedrales ibéricas del siglo XVI. Mucha música polifónica se ejecuta de forma únicamente instrumental ya fuera en conjuntos homogéneos-llamados consorts- o sobre instrumentos polifónicos como el órgano, laud, virginal, arpa, ó vihuela en España.
Libro de los responsorios de tinieblas -detalle-

El invento de la imprenta produjo una nueva y rápida difusión difusión de la música culta también por el ascenso de la burguesía como clase social, la música llegó a ocupar un lugar en el ocio en las clases medias que consumieron literatura musical profana para uso casero de aficionados, e incluso Maquiavelo en su obra El Príncipe aconseja tocar un instrumento musical así como lo hace Diego Pisador a Felipe II en su libro de música para tañer vihuela, en sus recomendaciones para descansar de sus trabajos de gobierno.



TERESA SANCHEZ DE CEPEDA DÁVILA Y AHUMADA(1515-1582)

Por último, hablar del Monasterio de la Encarnación y de Ávila es hablar de Santa Teresa. De la Teresa Sánchez de Cepeda lectora de novelas caballerescas y preocupada por la moda y las vanidades a la reformista de la orden del Carmelo hay todo un camino. Enviada por su preocupado padre por su comportamiento a las monjas agustinas tras una enfermedad se produjo la transformación, aunque debemos pensar que era una mujer de carácter pues tras sopesar los pros y contras de la vida monacal, decidió que esa era su vocación. No así lo estimó su padre que le puso como condición que esperase a su defunción. Teresa, a pesar de la amargura por contrariar la voluntad de su padre visitó a una amiga íntima, Juana Suárez religiosa en el convento de la Encarnación resuelta en quedarse si era admitida. Su padre ante semejante determinación no tuvo mas remedio que ceder.
Prudencia, amabilidad y encanto personal le hicieron ganarse la simpatía de cuantos la rodeaban, pero poco a poco se fué alejando de las entretenidas charlas del recibidor y dándose cuenta que aquello era improductivo. Es entonces cuando toma el camino de la oración y la espiritualidad.
Fué acusada de hipocresía y presunción por sus experiencias místicas, perseguida durante tres años.
El mejor comentario que podemos destacar como escritora espiritual es la paciencia como sobrellevó sus horribles padecimientos físicos, las persecuciones y desengaños en la consecución de su obra, su gran industriosidad, vigor y capacidad de recogimiento.
Sus obras mas importantes: Camino de perfección(para dirigir a sus religiosas) Fundaciones(como alentarlas y edificarlas) y Castillo interior ó Las Moradas(introducción a los cristianos a su vida espiritual)

Agradecimientos a:
FILOMUSICA /FALLA(J.L.GCIA DEL BUSTO)/ CORAZONES.ORG/ CARMEN PARDO SALGADO(LAS FORMAS DEL SILENCIO)/ DICCIONARIO DE INSTRUMENTOS MUSICALES(RAMON ANDRÉS)/ MUSICA LITÚRGICA.COM

LA MUSICA DE LAS ESTRELLAS (por Antonio Hdez.-Gil, Decano del Colegio de Abogados de Madrid)

noche-estrellada
El alma del universo está ensamblada con el número y la armonía, decía Platón en el Timeo. Durante la Edad Media el quadrivium se organizaba en cuatro disciplinas que giraban sobre la cantidad: la aritmética, que estudiaba la cantidad discreta en sí misma; la música, la cantidad comparada con otras, como proporción; la geometría, la cantidad continua fija; y la astronomía, la magnitud en movimiento. El papel nuclear de la música se reforzó en el Renacimiento con el neoplatonismo y la tradición hermética. La armonía no era solo el nombre de la consonancia, sino expresión del orden de los cuerpos celestes, las esferas, y por extensión, del universo. Todavía escribe Descartes en el siglo XVII un compendio de música, que, al poco de morir, se publicaría en un volumen junto a su Discurso del Método y los tratados sobre la Mecánica y la Dióptrica y los Meteoros. Para Descartes la teoría de la música no se agotaba en el estudio de las proporciones entre los sonidos y sus combinaciones, sino que debía considerar sus efectos sobre el oyente y la capacidad de suscitar compasión ó dolor. Un siglo después Rousseau compone algunas óperas y la mayor parte de los artículos sobre música de la Enciclopedia, que supervisa D´Alembert, matemático. No debe ser casual que provenga de un músico la idea del contrato social como convenio implícito para la convivencia, ¿Qué otra cosa son los conciertos, la música de los conjuntos?

rousseau geneve Si trazamos una flecha en una dirección arbitraria del tiempo y vemos que avanza a través de una serie de sucesos cada vez mas aleatorios, su dirección es la del futuro, enunciaba Eddington en The nature of physical world (1929). De donde se deduce que la información recibida de nuestro entorno es cada vez mayor y que la unidad del universo se desmiembra, se pierden de vista los horizontes y la estructura compleja que los une en nuestra mirada. Ya no quedan personajes del Renacimiento que puedan absorver la practica totalidad del saber, o música o ingeniería industrial, por ejemplo. Ni tendría público la teoría de los fundamentos de Armonía que en la Ilustración protagonizaron Rousseau, D`Alembert, Rameau y Tartini.
El conocimiento del lenguaje musical se ha convertido en algo marginal para especialistas formados en los guetos de los conservatorios. Sin embargo hay que conocer sus leyes para seguirlas, como hace la música popular, o para transformarlas, como no hace tanto hicieron en la Viena de Wittgenstein, conscientes del fin de una época, Schoenberg, padre de la música dodecafónica, y sus discípulos Webern y Berg. Ahi mas o menos seguimos, entre la música aleatoria y las recaídas en la tonalidad, con y sin leyes a la vez, eclécticos en época de incertidumbres, libres de ataduras. Antes que comprenderse, la música hoy se consume, igual que casi todo, y se consume en su formas mas digestivas, por no decir predigeridas, en cápsulas aparentemente inocuas que se venden por miles en los supermercados o se bajan de la red. A nadie parece ocurrírsele en estos años tan dados a vaivenes pedagógicos que la música sustituya a alguna hora de geografía local en la educación de nuestros jovenes. Ni siquiera hemos oído la propuesta de complementar la denostada educación para la ciudadanía cantándola a coro, con unas cuantas nociones de formación de acordes, al modo que alguna autonomía a intentado impartirla en inglés con la mediación de profesores intérpretes (¡buen destino la salmodia constitucional para músicos en paro!)

En este mundo orientado a la productividad, el aprendizaje y la práctica de la música no sólo aumentarían nuestra capacidad íntima de disfrute estético, por lo que valga, sino que tendrían gran utilidad, incluso ciudadana. Para empezar, el músico tiene que mirar hacia dentro de sí, ejercicio insólito en estos tiempos de contemplación nada mística de las pantallas que podría descoyuntar a más de uno, pero a cambio de una flexibilidad y una penetración útiles para menesteres menos líricos. Y buscar allí, despacio, el mapa cifrado de cada partitura donde las notas son sólo una pauta: la música surge de las más leves inflexiones de intensidad, timbre o pronunciación de frases, el anticipo o retardo de milésimas de segundo o de milímetro, el ritmo, los acentos, la dinámica de un pasaje o el equilibrio de un movimiento. Después, en la música de cámara, en la obras sinfónicas o corales, orientarse en los laberintos interiores de los demás, pactar un resultado que es mucho más que la agregación de cada voz, y que, de algún modo, hay que anticipar, traerlo a la memoria del futuro desde ese “topos uranios” de las ideas donde tal vez preexisten la Pasión según San Mateo de Bach o los últimos cuartetos de Beethoven. Un ejercicio de buceo en las profundidades del alma y en esa suerte de espacio comprimido de solidaridad que son el concieierto o un rato de práctica alrededor de la mesa familiar, la Tafelmusik de Telemann que todavía tenía sentido a mediados del siglo XVIII, antes de que el romanticismo sacralizara la reproducción de la música, divinizara a los grandes intérpretes y esclerosara sus performances, sacándolas del ámbito de lo cotidiano para elevarlas a un Olimpo del que aún no han bajado y donde probablemente se pudran de soledad, repetición y aburrimiento.

duotafurdiaz
Pocas veces he disfrutado más de la compañía y de mí mismo que en las horas de ensayo, las mañanas de vuelta de la Universidad, cuando el sol entraba a rayas por el desorden de la cocina, calentando el mejor lugar para esparcir sin prisas las partituras y dos amigos (compañera del alma, Rocío) jugabamos a compartir un mismo pulso y casi las mismas ideas, con el pretexto de las fantasías para dos guitarras compuestas por un catalán de principios del XIX, afrancesado, español y universal que también cultivó la seguidilla, fusión de músicas y crítica: “no tocarán campanas cuando yo muera, que la muerte de un triste muy poco suena”. Otro siglo; otra sensibilidad. Fernando Sor, de lo mejor que los guitarrístas podemos llevarnos a los dedos. Música doméstica.

Hoy que tanto se habla de competencias, destrezas y habilidades como objetivos de la formación según Bolonia, hay pocas actividades tan cargadas de virtudes propedéuticas para otros ámbitos de la vida, tan ilustrativas de lo que hay de relacional en el mundo que nos rodea, de control microscópico sobre nuestra experiencia personal y colectiva, del músculo de la laringe al eco de los aplausos; con la potencia de explicar la sintonía, base de la convivencia, y la proporción base de la justicia. Y un lenguaje universal capaz de proyectarnos hacia una globalidad sin fronteras. Para que esa olvidada función formativa se cumpla será preciso conocer la música de un modo más riguroso y metódico que por la indiscriminada percepción de millones de señales acústicas apenas moduladas que nos agreden cada día y su atolondrada imitación. Habría que enseñarla como Dios (probablemente) manda. A comienzo del siglo VI Boecio (De institutione musicae) proclamaba que la música está asociada al hombre de forma tan natural que no podríamos prescindir de ella aunque quisiéramos y que la fuerza de la mente debe ser dirigida de modo que lo innato por naturaleza pueda también ser dominado por el conocimiento. Quince siglos de distancia sin auriculares no separan, ¿Qué son esos años en la historia de nuestra evolución como bípedos implumes o primates músicos, que viene a ser lo mismo y casa mejor con la idea ancestral de la armonía de las esferas? El argumento es sencillo. Prepararse para volver a lo esencial: el consuelo de la filosofía, los clásicos, la música entendida, la noche estrellada. Lentamente.

Carta a un guitarrísta joven (por Carlos Díaz)

Si buscas respuestas para plantearte una carrera musical seria y ver reconocido tu trabajo, o simplemente sientes ésa llamada vocacional, permíteme ayudarte a resolver tus inquietudes desde mi privilegiada percepción como diletante, a aclarar ideas, a ampliar tu campo de miras. Debes tener en cuenta la gran dificultad del instrumento, dominar este instrumento polifónico no es tarea baladí, de alguna manera te conviertes en director de una pequeña orquesta. Si estás dispuesto a dar el paso ¡adelante! tienes que poner todo tu empeño en ello pues aunque no te dés cuenta el tiempo vuela. Ser guitarrísta profesional es una carrera de fondo tal vez no aconsejable para todos, pero conviene saber y tener como aliciente también que un buen intérprete puede ser un buen pedagogo que enseñe a sus alumnos a comprender la música, disfrutarla, transmitir su visión del arte y pasión por la guitarra (recuerda la máxima “quién enseña aprende dos veces”). Existen alternativas asequibles al complicado camino solístico.

En absoluto puede existir la premura; trabajo, tenacidad, empeño e ilusión, tienes que ser paciente, no hay misterios… aceradas horas de trabajo y grandes dosis de espiritu perfeccionista, sin que esto te asegure nada. Pero no desesperes y confía en esa fuerza interior que te hace perseverar en tu esfuerzo: es eso llamado talento.

Tan necesaria como la práctica y disciplina también, es que “bebas de la fuente de la vida”, que conozcas los gozos y sufrimientos, las marcas que esta va dejando, saber de las pasiones humanas. A cambio de todo ello adquirirás recompensas muy valiosas en otras aptitudes anexas a las musicales, como capacidad de estudio y generosidad, consecución de objetivos a largo plazo, desarrollo de la inteligencia, memoria y sensibilidad artística, capacidad de análisis e imaginación (Antonio Hernández-Gil las denomina cualidades propedéuticas -ver el artículo La música de las estrellas-)

Tu mayor reto será encontrar un buen maestro, un capítulo esencial. Es una relación importante que posiblemente pueda durar muchos años. Tienes que seguir sus indicaciones rigurosamente y confiar en él absolutamente, el buen maestro será siempre exigente; pero si no te convence, si no te transmite entusiasmo, mejor continúa rebuscando.

Es necesario que te fijes en un gran intérprete para seguirlo, que sea un modelo, un ideal, profundizar en su musicalidad y técnica (sin menoscabo de otros) hasta que vayas adquiriendo tu propia personalidad. Por otro lado, no dejes de asistir a recitales de otros guitarrístas para aprender(apropiarte) de lo bueno y deshechar lo negativo, no solo musicalmente sino también sobre su actitud sobre el escenario y comportamiento fuera de el.

Piensa mas en la música que en la guitarra, sintiéndo siempre el máximo respeto por la música que vayas a interpretar y pregúntate que te dice esa música y que le puede decir a los demás. Deberías llegar a lograr disfrutar en el escenario -un gran concertísta dijo que tocaba para ganar corazones- a convertir tu actuación en un momento realmente especial. Aprende a vivir con la música y no de la música, a disfrutar sin la presión de ser profesional.

Recuerda que la formación artística, cómo otras actividades, no termina nunca y debemos irnos actualizando (cursos de verano, master class, perfeccionamiento…) Siempre reconoce que puedes mejorar como profesional sin que te tengas que sentir mal por ello. Escucha a los demás para observar posibles defectos, dentro de opiniones acreditadas.

También sería enriquecedor crear o formar parte de una agrupación musical, para intercambiar experiencias, para liberarte deL aislamiento de la práctica diaria.
Celebra siempre tus éxitos y logros, restando importancia a los resultados menores. Pero ¡tampoco te sobreestimes! deberás aprender a ser tu crítico mas profundo. Aprende igualmente a afrontar las opiniones y juicios, a agradecer de corazón los cumplidos.

Y como complemento “déjate deslumbrar por el sol de la cultura” y asiste también al mayor número de conciertos sinfónicos y de cámara para familiarizarte con el estilo de los compositores y épocas, pero también a exposiciones de pintura y escultura para adquirir apreciación del valor artístico y de la disciplina. Recuerda que la interpretación es una síntesis y luego se traslucirá en tus interpretaciones.

Evita siempre ser cándido, fanfarrón o necio e incluso mas, si cabe, conforme vayas consiguiendo mayor altura musical. Tampoco seas indeciso e influenciable, ten personalidad. Intenta ser persuasivo en vez de impulsivo, sé reflexivo sin llevarlo al extremo.

Recuerda el carácter genuinamente español de la guitarra y ahonda en la música española para luego extenderlo a otras sensibilidades.

Conoce e investiga los orígenes de la guitarra en la vihuela -instrumento de la corte española- y la guitarra barroca -más popular- que gracias a su tamaño fué llevada a través de los confines del imperio español acompañando a los mandatarios para “desocupar de los travajos de gobernación” -según escribió Diego Pisador en la dedicatoria de su libro de vihuela a Felipe II-. También fué exportada a América Latina en las posesiones del Imperio. Otra vertiente de la guitarra es el flamenco que procede del s. XIX, de raíces griegas, bizantinas e incluso moriscas con influencias gitanas mas recientes.

No dejes de estudiar el repertorio básico de guitarra: los vihuelistas -Fuenllana, Valderrábano, Mylán, Mudarra- nuestros grandes Aguado y Sor, y por supuesto, (nunca lo desdeñes) el padre de la guitarra moderna: Francisco Tárrega. La música española suena maravillosamente en el instrumento mas español por antonomasia, así Álbeniz, Granados y Falla gozan de magníficas transcripciones de la mano de Tárrega y de la escuela catalana (Pujol, LLobet). A Andrés Segovia debemos grandísimo reconocimiento por su labor de llamamiento a grandísimos compositores: Moreno Torroba, Turina, Villalobos, Mompou, Ponce, Tansman entre decenas de ellos y también a sus numerosas transcripciones basadas en su profundo conocimiento del instrumento de compositores como Mendelssohn, Haydn, Albéniz, Granados, Purcell, Schubert, Frank, Brahms, de Viseé, Weiss, Bach y otros.

De los contemporáneos son destacables quizá por obras que sobresalen en cada caso y para las que hay que llegar a ser un auténtico especialista para su ejecución: Ginastera (Sonata), Berio (Sequencia XI), Britten (Nocturnal), Maderna(Y después) y por supuesto todas las de Joaquín Rodrígo. Probablemente la obra guitarrística contemporánea mas coherente y como escuela de aprendizaje sea la del cubano Leo Brouwer, sin olvidar al gran Castelnuovo Tedesco y Abel Carlevaro. Son renombrables también Stephen Doghson y Reginald Smith Brindle.

30/01/2012