XIV CICLO DE CONCIERTOS ÁUREO HERRERO en El BARRACO-Ávila (2009)

Carlokapuscinski's Blog

MARIA ELISA MARTIN (notas al concierto conmemorativo de Albéniz)    Brillante presentación del concierto de homenaje y enumeración de datos poco conocidos sobre la vida de Albéniz. http://www.aureoherrero.org/centenarioalbeniz.htm …………………………………. Rodolfo José Rodríguez……………………………………… El buen hacer de Rodolfo José Rodríguez con la música de Albéniz y su saber estar en el escenario, además de su simpatía, hizo las delicias del público.

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Jose Maria Bailo homenajeó a L.Brouwer en su 70 cumpleaños con su Suite nº 2 y los 30 estudios sencillos. Se despidió con dos preciosos arreglos de emotivas canciones escocesas.Jose Maria Bailo
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Presentación del dúo KETTARAH
ANTONIO DOMINGUEZ presenta el concierto de KETTARAH <RAYMOND VAUTERIN (Compositor-Suiza-) ANTONIO DOMINGUEZ
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KETTARAH presenta sus “Variaciones a través del mundo” como tema vertebrador del concierto, entre las obras interpretadas se incluyen el estreno mundial absoluto de la obra AU FILL DES SAISONS de R. VAUTERIN y la espectacular “Tangos Suite” de Piazzola.

KARIM SAMAH (del dúo KETTARAH)

KETTARAH interpretando TANGOS SUITE de PIAZZOLA
Raymond Vauterin felicita a KETTARAH en su estreno mundial de su composición Au fil des saisons

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PIERO BONAGURI (Integral de Villalobos para guitarra)PIERO BONAGURI interpreta la obra completa para guitarra de H. Villalobos en el 50 aniversario de su fallecimiento.

PIERO BONAGURI interpretando el Valse-Choro, nuevo descubrimiento por Fr. Zigante) de VillalobosP.BONAGURI interpretando…

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CARLOS DIAZ. ¡Apoteósico XVII Ciclo de conciertos Áureo Herrero 2012!

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Carlos Díaz   “dejó a la música para guitarra, por su dedicación y buen hacer,  a  gran altura”  según  palabras de la escritora,  poeta,  filósofa,  dibujante  y  pintora  Alicia López Vega, dejando constancia de quien fue su gran maestro nacido en esta bella localidad de El Barraco  que  tanto amó.

XVI CICLO 2011 BARRACO GERSHWIN 247

 

Con la Iª Pavana de Luis de Mylán comenzó el recital, pieza original para  vihuela  incluida  por  el compositor   valenciano en su libro El Maestro de un total de seis y dedicada a Juan III de Portugal -es una danza lenta de origen italiano.  Las Diferencias sobre Guárdame las Vacas de Luys de Narváez, creador de las primeras variaciones de  la historia  de  la  música,   fue  la   siguiente   pieza   del   Renacimiento  español, muestra  que a continuación  concluyó  con  la  Fantasía  X  de   Alonso   de  Mudarra   “que   contrahaze  el  arpa  a  la  manera …

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(Recordando un concierto memorable) ROBERTO MORONN PEREZ en RECITAL desde la ESCUELA SUPERIOR DE CANTO de MADRID (4 Marzo 2011) por Carlokapuscinski





En colaboración con la Escuela Superior de Canto, la S.E.G (Sdad.Española de la Guit.) organizó el magnífico concierto del joven y brillantísimo guitarrísta Roberto Morón el pasado 4 de Marzo en la propia Sede de la mencionada Escuela en Madrid, precioso y antiguo Palacio de Bauer, diversas veces restaurado por la Comunidad de Madrid desde el año 2003 y que muestra el arte y los gustos del S.XIX.



En la primera planta se encuentra una interesante colección de fotografías de momentos memorables en lahistoria de la Escuela Superior de Canto.

                                                 

Sustituida por el salón de actos, lugar donde se celebró el concierto, la gran sala de bailes fué reformada por el Estado en 1940 tras su adquisición a la familia Bauer.

detalle lateral salon actos


El concierto suscitó gran expectación, prueba de ello fué la asistencia de un público que colmó el magnífico salón de actos.


Con los preludios nº 1, 3 y 4 de Villalobos comenzó su recital, con la concentración y claridad que nos tiene acostumbrados, con el indiscutible sello Breamniano.

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Llegado el momento de la interpretación de las obras de Stephen Dodgson, explicó brevemente su reciente y ardua colaboración con el compositor asi cómo la interesante y profunda poética que le sugiere su música.

Tocó las piezas breves de Ode to the guitar (num.1) y que da nombre a la serie, Ragged Robin n.2) Hornets Nets n.9) y Villanelle n. 10) diez miniaturas que son la última colaboración del compositor con el pedagogo Hector Quine, para pasar a la mas extensa Merlín, obra en un movimiento en homenaje al poeta escocés Edwin Muir, de marcado carácter nostálgico, como su poema del mismo nombre y que Dodgson describe como forma de “doble rondó” y en la que dos temas contrastantes aparecen variados en la reexposición.

Terminó la primera parte del recital con el Tango María de Tárrega, muy celebrado por el público.

 

 

——– II PARTE –——-

 

Roberto Morón inició la segunda sección del recital con el Fandango variado op 16 de Dionisio Aguado volviéndo a demostrar la gran categoría del compositor madrileño gracias a su acrisolada versión.
La versión que ha llevado a replantearse nuevamente la obra al mísmisimo John Williams, una increíblemente sutil Asturias y los Rumores de la Caleta de Albéniz fueron las siguientes obras, dando muestras una vez mas de la perfecta conjunción del pensamiento musical del compositor catalán y la guitarra.

Continuaron las bonitas y animadas obras de Quintín Esquembre, Valsbrillante y Zapateado en las que agradeció a un amigo el habérselas dado a conocer y con las que terminó de “caldear” el ambiente.

 

 

 

 

 

 

 

Los estudios nums. 11 y 12 de Villalobos, que le acreditaron como ganador del premio Juliam Bream en su día, fueron las dos últimas obras interpretadas.

 

Dos preciosas propinas, Alborada de Tárrega y María Luisa de Sagreras redondearon el estupendo recital que sin duda, tras su impecable trayectoria ascendente, pone a Roberto Morón a la cabeza de los guitarrístas de su generación.

Visita el artículo del Maestro Angelo Gilardino sobre Roberto Moronn en el enlace siguiente:

https://carlokapuscinski.wordpress.com/2011/07/25/roberto-vuela-lejos-de-espana-por-angelo-gilardino-publicado-en-sei-corde/

 

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También puedes visitar la pagina web de Roberto y descubrir su magnífica discografía y eventos;

http://robertomoronnperez.com/

EL PINTOR AMABLE (a Luis Sobrino in memoriam)

Un importante pintor actual afirma que ser pintor en sus comienzos fué “diabólico” por sentirse vocacionalmente obligado a estar ocho horas inspirado, comprobar que solo lo estaba una o ninguna y resultándole esto insufrible, ponerse “al borde del suicidio”. Otro pintor coetáneo, igualmente, dice que pintar para él es angustioso: empezar un cuadro es como disputar una batalla que tiene la sensación de perder casi siempre.

(paisaje en verano)

El pintor Luis Sobrino Pérez, persona de espíritu sereno y perspicaz muy estimada en la zona de El Burguillo, no conoce de estos “tormentos”. En su pintura de colores poco saturados, casi puros, encontramos sencillez,coherencia, equilibrio y tranquilidad, demostrando así una vez más que el arte siempre es posible dentro de la tradición. Su estilo se puede definir como genuinamente realista español, como hombre que ama las cosas en su pureza natural que gusta percibir las cosas tal y como son (como la generalidad de los españoles, que poseemos esa peculiaridad artística). Podemos decir que es un sentimiento cósmico-psíquico, el goce estético con lo natural. La captación del instante, de la imagen, en la pintura de Luis Sobrino, produce en nuestra percepción una reacción subjetiva, íntima, el cuadro no termina en el lienzo.

Marina


De los 14 a los 18 años estudia litografía y grabado en la Escuela de Artes Gráficas de Madrid y dibujo lineal en la Escuela de Artes y Oficios de la capital igualmente,  compaginándolo con otras actividades.

EN LA DEHESA

Luis Sobrino ha asistido al Círculo de Bellas Artes de Madrid realizando apuntes del natural sobre modelos y afirma disfrutar realizando la figura humana.
Nunca ha abandonado su auténtica vocación, de hecho no cree en las vocaciones tardías, pero su actividad laboral ha sido muy distinta.

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ERMITA
Entrada del pueblo
Rincón de la calle Las Matas

Su formación como pintor en las distintas técnicas (tinta, pastel, acrílicos, óleos, mixtos) se la debe a la excelente pintora y amiga Arancha Levenfeld, junto con la que ha participado en cursos monográficos al aire libre en parques y jardines de Madrid, además de otras temáticas.

(paisaje en primavera)

También ha realizado multitud de exposiciones individuales y colectivas con gran éxito de crítica y público que le proporcionan energías renovadas para la consecución de nuevas obras.


Luis Sobrino asegura encontrarse en un momento ideal de su vida entregado a su vocación, que complementa con la audición de buena música y la observación de la naturaleza.

Podemos decir con certeza que su pintura está cargada de humanidad fuera de todo patetismo y en la que no existe ningún tipo de agresividad, sordidez ó dureza, en definitiva: El arte de Luis Sobrino es un arte formal y reflexivamente amable!

Cerro Castrejón
Román

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Cuidémos el Español (escrito enviado por una señora a una emisora de radio)

Lunch-españolDesde que las insignias se llaman pins, los maricones gays, las comidas frías lunchs, y los repartos de cine castings, este país no es el mismo: ahora es mucho, muchísimo más moderno.

Antaño los niños leían tebeos en vez de comics, los estudiantes pegaban posters creyendo que eran carteles, los empresarios hacían negocios en vez de business y los obreros, tan ordinarios ellos, sacaban la fiambrera al mediodía en vez del tupper-ware.

Yo, en el colegio, hice aerobic muchas veces, pero, tonta de mí, creía que hacía gimnasia. Nadie es realmente moderno si no dice cada día cien palabras en inglés. Las cosas, en otro idioma, nos suenan mucho mejor. Evidentemente, no es lo mismo decir bacon que panceta, aunque tengan la misma grasa, ni vestíbulo que hall, ni inconveniente que handicap

Desde ese punto de vista los españoles somos modernísimos. Ya no decimos bizcocho, sino plum-cake, ni tenemos sentimientos, sino feelings.

Sacamos tickets, compramos compacs, comemos sandwiches, vamos al pub, praticamos el rappel y el rafting, en lugar de acampar hacemos camping, y cuando viene el frío nos limpiamos los mocos con kleenex.

Esos cambios del lenguaje han influido en nuestras costumbres y han mejorado mucho nuestro aspecto. Las mujeres no usan medias, sino pantys y los hombres no utilizan calzoncillos sino slips, y después de afeitarse se echan after-shave, que deja la cara mucho mas fresca que el tónico.Self sevice

El español moderno ya no corre, porque correr es de cobardes, pero hace footing, no estudia, pero hace masters y nunca consigue aparcar pero siempre encuentra un parking.

El mercado ahora es el marketing, el autoservicio, el self-service; el escalafón es el ranking y el representante, el manager. Los importantes son vips, los auriculares walkman, los puestos de venta stands, los ejecutivos yuppies; las niñeras baby-sitters, y hasta nannies, cuando el hablante moderno es, además, un pijo irredento.

En la oficina, el jefe esta siempre en meetings o brain storms, casi siempre con la public-relations, mientras la assistant envía mailings y organiza trainings: luego se irá al gimnasio a hacer gin-jazz y se encontrará con todas las de la jet, que vienen de hacerse liftings, y con alguna top-model amante del yoghurt light y el body-fitness.

aparcamiento-minusvalidos-4105-1-zoomEl arcaico aperitivo ha dado paso a los cocktails, donde se hartan a bitter y a roast-beef que, aunque parezca lo mismo, engorda mucho menos que la carne.

Ustedes, sin ir más lejos trabajan en un magazine, no en un programa. En la televisión cuando el presentador dice varias veces la palabra O.K. y baila como un trompo por el escenario la cosa se llama show, bien distinto, como saben ustedes, del anticuado espectáculo, si el show es heavy es que contiene carnaza y si es reality parece el difunto diario El Caso, pero en moderno.

Entre medias, por supuesto, ya no ponen anuncios, sino spots, que aparte de ser mejores te permiten hacer zapping.

Estas cosas enriquecen mucho.

Para ser ricos del todo, y quitarnos el complejo tercermundista que tuvimos en otros tiempos, solo nos queda decir con acento americano la única palabra que el español ha exportado al mundo: la palabra SIESTA.

historia-de-los-comicsEspero que os haya gustado… yo antes de leerlo no sabía si tenía stress o es que estaba hasta los cojones!

 

Veintiséis espectáculos en el IX festival Suma Flamenca

 

Veintiséis espectáculos en el IX Festival Suma Flamenca

Día 21/05/2014 – 10.47h

El festival dedicado al arte jondo se celebrará del 4 de junio al 3 de julio en 22 escenarios de Madrid

Dirigido por el flamencólogo Juan Verdú, del 4 de junio al 3 de julio tendrá lugar el IX Festival Suma Flamenca, comprendiendo la celebración de 26 espectáculos, repartidos en 22 escenarios de Madrid, uno en San Lorenzo de El Escorial y otros en La Cabrera. El primero de ellos, es un estreno absoluto, titulado «El Jardín del Temblor», creado y dirigido por Mateo Feijóo, para la cantaora María Toledo, en la Sala San Juan de la Cruz del Teatro de la Abadía.

Otros espacios para el festival, que llega a su once edición, serán el Real Coliseo Carlos II de El Escorial, los Teatros del Canal, la Sala Roja del coliseo madrileño, Teatro Español, Centro Cultural Paco Rabal, Centro cultural Pilar Miró, Casa Sefarad Israel, Teatro Guindalera y Centro Cardenal Gonzaga, a los que se unirán con programaciones especiales los tablaos Corral de la Morería, Casa Patas, Cardamomo, Cantares, Café de Chinitas, Las Carboneras, Las Tablas, Torres Bermejas y Villa Rosa.

A lo largo de tan importante acontecimiento flamenco, actuaran un amplio número de artistas, entre ellos La Tremendita, Rocío Márquez, Eduardo Guerrero, Tomatito, Carmen Linares, La Moneta, José Mercé, Arcángel, Diego Carrasco, El Mistela, José Maya, José Menese, Rancapino, Fernando de la Morena, José Enrique Morente, Jesús Carmona, Karime Amaya, Paloma Fantova, Montse Cortés, Rocío Bazán, Ursula López, La Yiya, José Maldonado, Leileh Broukhim, Loreto de Diego y Ricardo Fernández del Moral.

Y cabe destacar en programación tan extraordinaria, el homenaje que tributarán a Paco de Lucía, los guitarristas Gerardo Núñez, Diego del Morao y Dani de Morón, bajo el título «La Cuarta Dimensión», concretamente el domingo 29 en el Teatro Español. El IX Festival Suma Flamenca, se complementa con cursos de flamenco para docentes por Silvia Marín y la Fundación Antonio Gades, y con la proyección de documentales en la Cineteca Madrid del Matadero.

Soleá Morente y Carmen Linares

Soleá Morente y Carmen Linares

Antonio Carmona y Pepote (Artesano de cajón flamenco)

Antonio Carmona y Pepote (Artesano de cajón flamenco)

 
Blanca del Rey (bailaora) y Alejandro Jaén (Chef del Corral de la Morería

Blanca del Rey (bailaora) y Alejandro Jaén (Chef del Corral de la Morería)

Gerardo Nuñez y Rafael Moreno (guitarrero)

Gerardo Nuñez (guitarrísta) y Rafael Moreno (guitarrero)

Estrella Morente y la Abuela Rosario

Estrella Morente y la Abuela Rosario

Gerardo Trotti (escenógrafo) y Antonio Márquez (bailarín)

Gerardo Trotti (escenógrafo) y Antonio Márquez (bailarín)

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Rosa Torres-Pardo y Rocío Márquez (cantante)

Rosa Torres-Pardo (pianísta) y Rocío Márquez (cantante)

Mariano Conde (guitarrero) y Amós Lora.

Mariano Conde (guitarrero) y Amós Lora (guitarrísta)

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Lola Greco (bailarina) y Agustín Carbonell, Bola (guitarrísta)

Lola Greco (bailarina) y Agustín Carbonell, el Bola (guitarrísta)

Rafaela Carrasco (bailaora) y Pablo Suárez (pianísta)

Rafaela Carrasco (bailaora) y Pablo Suárez (pianísta)

José Peris (compositor) y José Menese (cantaor)

José Peris (compositor) y José Menese (cantaor)

Olga Pericet (bailaora) y Antonia Jiménez (guitarrísta)

Olga Pericet (bailaora) y Antonia Jiménez (guitarrísta)

José Mercé (cantaor) y Diego del Morao (guitarrísta)

José Mercé (cantaor) y Diego del Morao (guitarrísta)

Aida Gómez (bailarina) y Nicolás Fichtel (diseñador de iluminación)

Aida Gómez (bailarina) y Nicolás Fichtel (diseñador de iluminación)

Juan Pardo (músico) y Miguel Pardo (percusionista)

Jorge Pardo (músico) y Miguel Pardo (percusionista)

Juan Carmona (guitarrista) y Pitingo (cantaor)

Juan Carmona (guitarrista) y Pitingo (cantaor)

Fuensanta, la moneta (bailaora) y Ricardo Fernández (artesano zapatero)

Fuensanta, la Moneta (bailaora) y Ricardo Fernández (artesano zapatero)

Sergio Gutierrez (Maitre de tablao)y Belén López (Bailaora)

Sergio Gutierrez (Maitre de tablao)y Belén López (Bailaora)

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O T R A S     P E R S P E C T I V A S:

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suma flamenca madrid 2013SUMA FLAMENCA MADRID 2013

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En el año 2007 la Comunidad de Madrid creó el Festival Suma Flamenca. Con  ello se ha querido que esta manifestación artística tuviera el máximo reconocimiento con un festival propio.  Prueba de su valor universal, en 2010, la Unesco declaró a el Flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Desde su inicio Suma Flamenca presenta a los grandes maestros del cante, baile y el toque, junto a las nuevas generaciones. Cada año en el Festival se conjuga la exhibición del flamenco mas clásico y ortodoxo con el mas innovador que dialogan y se funden con otras músicas y otras artes.                                                                                                                                                                                                               Con esta exposición, el Festival quiere rendir homenaje a todos los artístas y a todos los profesionales que desde su oficios contribuyen a hacer del flamenco una expresión artística única. El fotógrafo CHEMA CONESA plasma en estos retratos el duende que inspira a las personas que hacen del flamenco algo mágico. Sus imágenes captan la complicidad que existe entre oficio y arte, entre lo instrumental y lo etéreo, entre el trabajo y la inspiración.                    

 

                                                                                                                                                                                                      

Una entrevista mas que interesante! a SANJA PLOHL por Música Viva

MÚSICA VIVA en Madrid
Iniciativas para la Difusión Musical
Inicio
Ciclo “Música de Cerca” en Alcalá
Clase Magistral de Guitarra por SANJA PLOHL
 
Entrevista a SANJA PLOHL

La eslovena Sanja Plohl (pronunciado Sania Plógel) es una de las guitarristas clásicas más destacadas de su generación. Sus interpretaciones han sido recibidas con excelentes críticas y reconocimientos del público y prensa especializada. En los últimos años ha obtenido más de 20 galardones internacionales, incluyendo los primeros premios en el Festival de guitarra de Córdoba, Concurso internacional de guitarra de Sevilla y el “Ivor Mairants Award” de Londres. Ha dado recitales en importantes escenarios y festivales de Londres, Atenas, Madrid, Lisboa, Estambul, Barcelona, La Haya, Bournemouth…, y ha actuado como solista con orquestas españolas, alemanas y neerlandesas. En octubre de 2012 lanzó su primer disco “Danseuse dans Grenade” con el sello Iberia Classical.Su continua labor pedagógica la ha llevado a dar diversos cursos y clases magistrales en Eslovenia, Turquía y España. La hemos invitado a esta breve entrevista con motivo de su próximo taller en Alcalá de Henares.
Música Viva: Para un estudiante es particularmente interesante la perspectiva que puede ofrecerle una concertista con una trayectoria como la tuya. A tu juicio, ¿cuáles son las características que debería tener un estudiante ideal?

Sanja Plohl:  En primer lugar querría decir que se puede estudiar música sin querer necesariamente ser profesional y tocar en grandes festivales o teatros. La música se puede disfrutar desde todos los niveles, y todos tenemos siempre algo nuevo que aprender. Por lo tanto, para mí el estudiante ideal es aquél que reconoce con humildad el camino que tiene por delante, todas las posibilidades de mejorar que existen, al tiempo que es consciente de que se necesita un trabajo constante y consciente para avanzar. Para poder disfrutar de la música uno tiene que estar dispuesto a invertir cierto tiempo al estudio, que nadie se engañe.

Tengo muchos alumnos que tienen otras profesiones, pero que encuentran en la música una forma de expresar su lado más creativo, artístico y emocional, y que quizás en sus trabajos no pueden desarrollar. Otros alumnos, en cambio, sí son aspirantes a dedicarse profesionalmente a la guitarra, o incluso ya viven de ella pero buscan mejorar y adquirir nuevos conocimientos. También yo misma continúo mi formación musical, asistiendo a cursos especializados de grandes músicos y compositores, también de otros estilos musicales.

Creo que todos tenemos en común mucha curiosidad y ganas de aprender.


MV: El camino es largo y lleno de altibajos, pero, ¿puede ser divertido recorrerlo?

SP:  Claro que sí, la música es ante todo creatividad, alegría y constante novedad. Siempre descubres algo nuevo: nuevas piezas, nuevas técnicas, nuevas sonoridades, nuevos viajes a países desconocidos, nuevas personas… La música es un arte muy completo que involucra varias facetas importantes para una vida plena y satisfactoria: la intelectual, la espiritual, la física y la emocional. Cuando vas a un buen concierto sales de forma diferente de como entraste, con mejor estado de ánimo. Ésa es la magia de la música, que hipnotiza al que la escucha y fascina al que la interpreta. Para mí el trabajo de un músico es tan importante como el de otras muchas profesiones, porque no hay cultura humana sin música.

Respecto a los altibajos, es cierto que los hay. A veces uno se estanca y se desanima, pero siempre hay una salida a esos momentos bajos. Las recompensas no siempre llegan de un día para otro, hace falta paciencia para saber que los buenos momentos llegan y terminan por compensar.
MV: ¿Es la guitarra un instrumento particularmente difícil? ¿A qué dificultades se enfrentan los estudiantes de guitarra?

SP:  La guitarra es un instrumento muy engañoso. Adquirir los rudimentos básicos es algo relativamente fácil. Muchas personas aprenden unos pocos acordes y rasgueos que les permiten acompañar canciones sencillas. Sin embargo, tocar la guitarra a nivel profesional e interpretar las grandes obras de la música clásica es otra historia bien diferente. Para tocar a este nivel entran en juego dificultades a las que hay que dedicar muchos años de estudio y trabajo para superar. Por ejemplo, la técnica de mano derecha y mano izquierda, y la coordinación entre ambas. Son particularmente difíciles la precisión de la pulsación, los arpegios y escalas a alta velocidad, el dominio del trémolo, los vibratos, la agilidad para saltos por el mástil y acordes “raros” que exigen mucha flexibilidad y precisión. Pero la técnica en sí misma no es la única dificultad. La interpretación musical requiere adicionalmente de un trabajo muy detallado y riguroso para sacar el máximo partido del instrumento, del conocimiento de la obra, del género musical, del contexto histórico y del compositor.  El desarrollo de un buen sonido, fraseo y control dinámico requieren mucho trabajo y dedicación, para que las melodías “canten”. Esto último es para mí una de las dificultades más comunes que veo entre alumnos y estudiantes.

Finalmente, es muy distinto ser capaz de dominar todas estas dificultades en un obra de un minuto, que en un recital largo de una hora. Para mantener la concentración y aguantar físicamente todo este tiempo es además necesario trabajar mucho el control corporal. Se busca la naturalidad con el mínimo esfuerzo.

MV: ¿Con qué planteamiento general vas a estructurar estas clases en Juventudes Musicales de Alcalá de Henares?

SP: Cada clase o curso me lo planteo siempre con estas dos preguntas: ¿cómo puedo ser útil?¿De qué manera puedo ayudar a mejorar a este alumno?

En concreto para estas clases en Alcalá, mi plan consiste en  primer lugar en conocer cuál es el nivel de los alumnos e identificar áreas generales de mejora.

En función de este análisis, tendremos sesiones individualizadas y una sesión en grupo.

En la sesión conjunta, revisaremos los principios básicos de técnica y musicalidad, que he desarrollado durante los últimos años y que según mi experiencia funcionan muy bien. Veremos algunos trucos sencillos de aplicación inmediata, que servirán a los estudiantes para darles un empujón en su estudio.

Durante las sesiones individualizadas, trabajaremos de forma personalizada las obras que ellos quieran, mientras el resto de alumnos escuchan activamente. Esto es muy importante para todos, porque fuerza a mantener la concentración del que toca en una situación de cierta presión, y enriquece mucho a los oyentes el poder escuchar tocar a otros, y aplicar a sus propias obras otras ideas. En cualquier caso el clima será de confianza y con un enfoque muy positivo, donde cada alumno descubrirá qué está ya haciendo bien, y cómo específicamente trabajar aquellos aspectos que le resultan difíciles.

La clase magistral de Sanja Plohl se celebrará el 21 de junio en Juventudes Musicales de Alcalá de Henares. Información e inscripciones en el teléfono de la Escuela (91 881 6179) o en reservas@musicavivaenmadrid.com

Más información acerca de Sanja Plohl en www.sanjaplohl.com.  Ver también vídeos en su canal de youtube

 

PIERO BONAGURI en el XVII ciclo de conciertos ÁUREO HERRERO 2012 (conferencia y concierto)

  Tras  sus  cinco  actuaciones  anuales  consecutivas anteriores,  el  eminente  concertista  Piero  Bonaguri,  amigo  ya  de  este  Festival-Ciclo  de  Conciertos  Homenaje   a  Áureo Herrero,    ofreció  un  recital  de   amplio   recorrido    por       diversas   épocas   y  estilos  musicales,  demostrando   una   vez   mas   que    no   todo   debe   ser  efímero, ocurrente, y  divertido como  en  el  reino  de  los frikis (inevitable  neologismo) actual,  sino  que  existen  unos  valores  universales  que  son  reconocibles  y  alcanzables.

Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: "Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento."
Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: “Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento.”

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Abordó primeramente (con una preciosa timbrica producida en su magnífica guitarra Julián Gómez Ramírez) el período  renacentista  español  con la  Canción  del  Emperador  y  las famosas  Diferencias  sobre  Guárdame  las Vacas de  Luys de Narváez,  compositor que se dedicó sobre todo a la polifonia vocal y  a la  música de vihuela  por la que es mas recordado en la actualidad,  en  la corte  de  Carlos I  y  posteriormente de su hijo  Felipe II.

A  continuación   cinco  maravillosas  transcripciones   de   Andrés  Segovia  efectuadas sobre  la obra de  J.S.Bach:  Prelude,  Courante,  Fugue,  Siciliana  y  Gavotte.

Siguiendo   con   música    de   auténtica   altura,   de   nuestro   gran  Fernando  Sor interpretó  las Variaciones  Op. 9  sobre un tema de la  Flauta Mágica de Mozart,  obra de primer orden  guitarristico, o en metáfora de J.Bream “con la que dió en el blanco”.

P.Bonaguri XVII CICLO A.HERRERO

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Del Turolense y ganador del premio, entre otros innumerables,  Iberoamericano Tomás Luis de Victoria,  Antón   García   Abril,   el   Planto   (en el día de la muerte de Andrés Segovia)  dió paso a la serie de piezas inspiradas  y escritas en  homenaje  a  A.  Segovia por compositores  actuales italianos . 

Interpretó,  como estreno en España, la obra   “Homenaje  a Segovia” del  genovés  Roberto  Tagliamacco . Igualmente,  hizo lo propio con   Fughetta sulle corde vuote  de   Marco Reghezza  (San Remo)   -como estreno  en  España-    obra  en  la  que  las  entradas  de  cada  voz  son realizadas sobre cuerdas al aire.   Del milanés  David Anzzaghi   (otra obra  de estreno en España)   su preciosa  Segoviana,  dividida en dos partes,  mostrando en la 1ª  al Segovia de fuerte personalidad  para en la 2ª recrear  al Segovia mas sensible. 

Para  terminar la primera sección,  el estreno mundial de Pippo Molino (Milán), su Frammento  F (da Peguy)  nel  25simo  della  morte  di  A. Segovia,  pieza que evoca con acierto   la  música  compuesta  por  los vihuelistas españoles.

                                                                                .Piero Bonaguri/XVII ciclo A.HERRERO 2012

Los   Mayos,    Albada   y   Fandanguillo  de   Moreno   Torroba  de   tan  grato  recuerdo,  y  del  gran Castelnuovo-Tedesco  (que  cobra  doble  valor  al  ser  uno  de  los  mejores  intérpretes de este compositor) su Tonadilla sobre el nombre de Andrés Segovia y su briosa  Tarantella,  en  una   ya  mas  concisa  segunda   parte,   fueron  interpretadas por Piero Bonaguri.

Para finalizar este admirable recital,   una no menos espléndida versión de la Sevilla de Albéniz.

Recital P.BONAGURI - XVII CICLO ÁUREO HERRERO

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Conferencia por PIERO BONAGURI: “25 años del fallecimiento de ANDRÉS SEGOVIA”

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25 años del fallecimiento de Andrés Segovia

En  el  encantador   Museo  de  la  Naturaleza  Valle  del  Alberche  se  celebró  esta   conferencia   el   día   17   de agosto   de   2012   con  esta  reflexión  introductoria de Oscar Ghiglia sobre Segovia:   

                                                              ” Su  visión  estética   y profunda  poética  de   la  música   siempre   tiene   que   ser   nuevamente   descubierta,   especialmente   en    un  mundo  de  degradación  artística  como  es  el  actual”

Una  lectura  atenta  de  su  biografía   puede  ayudarnos   a   fijar  los  aspectos  fundamentales  y  siempre actuales de sus  concepciones artísticas  y  humanas. La crítica mundial ha considerado a Andrés Segovia como un músico de auténtico talento, pero si examinamos su figura en profundidad,  debemos darnos cuenta de que su  mérito  va  mucho  mas  allá…   originario  de  un  sencillo   pueblo (Linares,  año  1893)  un   muchacho  que  llega  a  alcanzar   la   cima   musical  interpretativa  solamente  con  su voluntad  e  intuición;  consigue superar todos los obstáculos musicales,  culturales  y  sociales   con  su  atrayente  personalidad,  ingenio  y  perseverancia  -teniendo en cuenta además que  no pertenecía a una  familia hacendada-   para  situarse  a  la  cabeza  de  los solistas   internacionales    mas renombrados.

Andrés  Segovia  cuando  era   niño  fue  abandonado  en  la  casa  de  sus tíos  por  lo  que  lloraba desconsoladamente y  su  tío para distraerlo, recitó  un  poema  en  el  que  imita  con  la  boca  el  sonido  de  una guitarra,  hecho  que capta enormemente su atención.

A  los  10  años  lee  el  libro   Granada  de  Angel  Ganivet,   algo  poco habitual en un niño y que demuestra su precoz inquietud cultural.

Una vez  escuchó  a  un  profesor  de  flamenco  y quedó  deslumbrado  por  el  sonido  de  la  guitarra.   Mas  tarde escuchó  un  preludio  de  Tárrega   -aunque  no  excesivamente  bien  interpretado-  y  fue entonces  cuando decidió  dedicar  sus  energías  a  aprender  a  tocar  el  instrumento

Descubre el  libro de armonía de  Hilarión Eslava,  que  estudia con fruición.  Simultáneamente  estudia  guitarra   con enorme  coraje,  convirtiéndose,  según sus palabras,  en “su propio maestro”.

Debuta  en  Granada  a  los  16 años  con  éxito  de  la  crítica.

Para él es fácil hacer amigos,  conoce  y admira a  Miguel Llobet,  y también a Gaspar Cassadó, que le presentará a varios empresarios.

Lección magistral antes de la conferencia/ P.Bonaguri

Sus  amigos  le ayudan muchísimo y  le  hacen  ver  la  posibilidad de  ganarse la vida como concertista.

Se da cuenta de la necesidad de ampliar el  repertorio guitarristico al tomar  consciencia  del  maravilloso y extenso repertorio  pianístico,  y  posteriormente  instará  a   reconocidos   compositores  (Moreno-Torroba, Ponce, Villalobos,  etc.)  a  componer  para  guitarra.

 

Cartas de Andrés Segovia a Salvador de Madariaga

Piero  Bonaguri  lanzó  un  reto,  desde  su  extrañeza,   hacia  los musicólogos  presentes  en la sala  sobre  porqué  todavía  no  se  habían realizado  investigaciones de las interesantes cartas de Andrés Segovia al escritor y diplomático Salvador de Madariaga.

  Dos frases de  Andrés Segovia, para  concluir,  citadas por  Piero Bonaguri  durante  la conferencia:

“La música es un mensajero veloz de pensamientos hondos”

“Me hubiera gustado vivir hasta el fin de siglo para conocer la nueva música para guitarra”

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Ray Bradbury: La mañana verde (de Crónicas marcianas)

Cuando el sol se puso, el hombre se acuclilló junto al sendero y preparó una cena frugal y escuchó el crepitar de las llamas mientras se llevaba la comida a la boca y masticaba con aire pensativo. Había sido un día no muy distinto de otros treinta, con muchos hoyos cuidadosamente cavados en las horas del alba, semillas echadas en los hoyos, y agua traída de los brillantes canales. Ahora, con un cansancio de hierro en el cuerpo delgado, yacía de espaldas y observaba cómo el color del cielo pasaba de una oscuridad a otra.

Se llamaba Benjamín Driscoll, tenía treinta y un años, y quería que Marte creciera verde y alto con árboles y follajes, produciendo aire, mucho aire, aire que aumentaría en cada temporada. Los árboles refrescarían las ciudades abrasadas por el verano, los árboles pararían los vientos del invierno. Un árbol podía hacer muchas cosas: dar color, dar sombra, fruta, o convertirse en paraíso para los niños; un universo aéreo de escalas y columpios, una arquitectura de alimento y de placer, eso era un árbol. Pero los árboles, ante todo, destilaban un aire helado para los pulmones y un gentil susurro para los oídos, cuando uno está acostado de noche en lechos de nieve y el sonido invita dulcemente a dormir.

Benjamin DriscollBenjamín Driscoll escuchaba cómo la tierra oscura se recogía en sí misma, en espera del sol y las lluvias que aún no habían llegado. Acercaba la oreja al suelo y escuchaba a lo lejos las pisadas de los años e imaginaba los verdes brotes de las semillas sembradas ese día; los brotes buscaban apoyo en el cielo, y echaban rama tras rama hasta que Marte era un bosque vespertino, un huerto brillante.

En las primeras horas de la mañana, cuando el pálido sol se elevase débilmente entre las apretadas colinas, Benjamín Driscoll se levantaría y acabaría en unos pocos minutos con un desayuno ahumado, aplastaría las cenizas de la hoguera y empezaría a trabajar con los sacos a la espalda, probando, cavando, sembrando semillas y bulbos, apisonando levemente la tierra, regando, siguiendo adelante, silbando mirando el cielo claro cada vez más brillante a medida que pasaba la mañana.

-Necesitas aire- le dijo al fuego nocturno. El fuego era un rubicundo y vivaz compañero que respondía con un chasquido, y en la noche helada dormía allí cerca, entornando los ojos, sonrosados, soñolientos y tibios.

-Todos necesitamos aire. Hay un aire enrarecido aquí en Marte. Se cansa uno tan pronto… Es como vivir en la cima de los Andes. Uno aspira y no consigue nada. No satisface.

Se palpó la caja del tórax. En treinta días, cómo había crecido. Para que entrara más aire había que desarrollar los pulmones. O plantar más árboles.

-Para eso estoy aquí- se dijo. El fuego le respondió con un chasquido-. En las escuelas nos contaban la historia de Johnny Appleseed, que anduvo por toda América plantando semillas de manzanos. Bueno, pues yo hago más. Yo planto robles, olmos, arces y toda clase de árboles; álamos, cedros y castaños. No pienso sólo en alimentar el estómago con fruta, fabrico aire para los pulmones. Cuando estos árboles crezcan alguno de estos años, ¡cuánto oxigeno darán!

Recordó su llegada a Marte. Como otros mil paseó los ojos por la apacible mañana y se dijo: -¿Qué haré yo en este mundo? ¿Habrá trabajo para mí? Luego se había desmayado.

Volvió en sí, tosiendo. Alguien le apretaba contra la nariz un frasco de amoníaco. -Se sentirá bien en seguida- dijo el médico. -¿Qué me ha pasado? – El aire enrarecido. Algunos no pueden adaptarse. Me parece que tendrá que volver a la Tierra. -¡No!

mañana verde

Se sentó y casi inmediatamente se le oscurecieron los ojos y Marte giró dos veces debajo de él. Respiró con fuerza y obligó a los pulmones a que bebieran en el profundo vacío. -Ya me estoy acostumbrando. ¡Tengo que quedarme!

Lo dejaron allí, acostado, boqueando horriblemente, como un pez. Aire, aire, aire, pensaba. Me mandan de vuelta a causa del aire. Y volvió la cabeza hacia los campos y colinas marcianos. Y cuando se le aclararon los ojos vio en seguida que no había árboles, ningún árbol, ni cerca ni lejos. Era una tierra desnuda, negra, desolada, sin ni siquiera hierbas. Aire, pensó mientras una sustancia enrarecida le silbaba en la nariz. Aire, aire. Y en la cima de las colinas, en la sombra de las laderas y aun a orillas de los arroyos, ni un árbol, ni una solitaria brizna de hierba. ¡Por supuesto! Sintió que la respuesta no le venía del cerebro, sino de los pulmones y la garganta. Y el pensamiento fue como una repentina ráfaga de oxígeno puro y lo puso de pie. Hierba y árboles. Se miró las manos, el dorso, las palmas. Sembraría hierba y árboles. Ésa sería su tarea, luchar contra la cosa que le impedía qudarse en Marte. Libraría una privada guerra hortícola contra Marte. Ahí estaba el viejo suelo, y las plantas que había crecido en él era tan antiguas que al fin había desaparecido.

Pero, ¿y si trajera nuevas especies? Árboles terrestres, grandes mimosas, sauces llorones, magnolias, majestuosos eucaliptos. ¿Qué ocurriría entonces? Quién sabe qué riqueza mineral no ocultaba el suelo, y que no asomaba a la superficie porque los helechos, las flores, los arbustos y los árboles viejos habían muerto de cansancio.

-¡Permítanme levantarme! – gritó-. ¡Quiero ver al Coordinador! Habló con el Coordinador de cosas que crecían y eran verdes, toda una mañana. Pasarían meses, o años, antes de que se organizasen las plantaciones. Hasta ahora, los alimentos se traían congelados desde la Tierra, en carámbanos volantes, y unos pocos jardines públicos verdeaban en instalaciones hidropónicas.

-Entretanto, ésta será tu tarea- dijo  el Coordinador-. Le entregaremos todas nuestras semillas; no son muchas. No sobra espacio en los cohetes por ahora. Además, estas primeras ciudades son colectividades mineras, y me temo que sus plantaciones no contarán con muchas simpatías. -¿Pero, me dejarán trabajar?-

Lo dejaron. En una simple motocicleta, con la caja llena de semillas y retoños, llegó a este valle solitario, y echó pie a tierra.

Eso había ocurrido hacía treinta días, y nunca había mirado atrás. Mirar atrás hubiera sido descorazonarse para siempre. El tiempo era excesivamente seco; parecía poco probable que las semillas hubiesen germinado. Sr DriscollQuizá toda su campaña, esas cuatro semanas en que había cavado encorvado sobre la tierra, estaba perdida. Clavaba los ojos adelante, avanzando poco a poco por el inmenso valle soleado, alejándose de la primera ciudad, aguardando la llegada de las lluvias.

Mientras se cubría los hombros con la manta, vio que las nubes se acumulaban sobre las montañas secas. Todo en Marte era tan imprevisible como el curso del tiempo. Sintió alrededor las calcinadas colinas, que la escarcha de la noche iba empapando, y pensó en la tierra del valle, negra como la tinta, tan negra y lustrosa que parecía arrastrarse y vivir en el hueco de la mano, una tierra fecunda en donde podrían brotar unas habas de larguísimos tallos de donde caerían quizás unos gigantes de voz enorme, dándose unos golpes que le sacudirían los huesos.

El fuego tembló sobre las cenizas soñolientas. El distante rodar de un carro estremeció el aire tranquilo. Un trueno. Y en seguida un olor a agua. Esta noche, pensó. Y extendió la mano para sentir la lluvia. Esta noche.

Lo despertó un golpe muy leve en la frente. El agua le corrió por la nariz hasta los labios. Una gota le cayó en un ojo, nublándolo. Otra le estalló en la barbilla. La lluvia.

Fresca, dulce y tranquila, caía desde lo alto del cielo como un elixir mágico que sabía a encantamientos, estrellas y aire, arrastraba un polvo de especias, y se le movía en la lengua como un raro jerez liviano. Se incorporó. Dejó caer la manta y la camisa azul. La lluvia arreciaba en gotas más sólidas. Un animal invisible danzó sobre el fuego y lo pisoteó hasta convertirlo en un humo airado. Caía la lluvia. La gran tapa negra del cielo se dividió en seis trozos de azul pulverizado, como un agrietado y maravilloso esmalte, y se precipitó a tierra. Diez billones de diamantes titubearon un momento y la descarga eléctrica se adelantó a fotografiarlos. Luego oscuridad y agua.

Calado hasta los huesos, Benjamín Driscoll se reía y se reía mientras el agua le golpeaba los párpados. Aplaudió y se incorporó, y dió una vuelta por el pequeño campamento, y era la una de la mañana. Llovió sin cesar durante dos horas. Luego aparecieron las estrellas, recién lavadas y más brillantes que nunca. Sacó una muda de ropa de una bolsa de celofán, se cambió, y se durmió con una sonrisa en los labios.

El sol asomó lentamente entre las colinas. Se extendió pacíficamente sobre la tierra y despertó al Señor Driscoll. No se levantó enseguida. Había esperado es momento durante todo un interminable y caluroso mes de trabajo, y ahora al fin se incorporó y miró hacia atrás. Era una mañana verde.

Los árboles se erguían contra el cielo, uno tras otro. hasta el horizonte. No un árbol, ni dos, ni una docena, sino todos los que había plantado en semillas y retoños. Y no árboles pequeños, no, ni brotes tiernos, sino árboles grandes, enormes y altos como diez hombres, verdes y verdes, vigorosos y redondos y macizos, árboles de resplandecientos hojas metálicas, árboles susurrantes, árboles alineados sobre las colinas, limoneros, tilos, pinos mimosas, robles olmos,álamos, cerezos, arces, fresnos, manzanos, naranjos, eucaliptos, estimulados por la lluvia tumultuosa, alimentados por el suelo mágico y extraño, árboles que ante sus propios ojos echaban nuevas ramas, nuevos brotes.

-¡Imposible!- exclamó el señor Driscoll. Pero el valle y la mañana eran verdes. ¡Y el aire!

De todas partes, como una corriente móvil, como un río de las montañas, llegaba el aire nuevo, el oxígeno que brotaba de los árboles verdes. Se lo podía ver, brillando en las alturas, en oleadas de cristal. El oxígeno, fresco, puro y verde, el oxígeno frío que transformaba el valle en un delta frondoso. Un instante después las puertas de las casas se abrirían de para en par y la gente se precipitaría en el milagro nuevo del oxígeno, aspirándolo en bocanadas, con mejillas rojas, narices frías, pulmones revividos, corazones agitados, y cuerpos rendidos animados ahora en pasos de baile.

Benjamín Driscoll aspiró profundamente una bocanada de aire verde y húmedo, y se desmayó.

Antes que despertara de nuevo, otros cinco mil árboles habían subido hacia el sol amarillo.

Mañana verdeMañana verdeLa mañana verdeMañana verdeROMANCE DE LOS PINOS por Andrés Segovia

IDEOSINCRASIA PARA LA REFLEXION MUSICAL Y ARTISTICA por Carlos Díaz

La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu.

(Miguel de Cervantes)

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Si quieres hacer algo en la vida, no creas en la palabra imposible. 

Nada hay imposible para una voluntad enérgica.

( Pío Baroja)

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Las grandes elevaciones del alma son solo posibles en la calma y el silencio.

(Arturo Graf) 

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Nunca consideres el estudio como una obligación, sino como una oportunidad para penetrar en el bello y maravilloso mundo del saber.

(Albert Einstein)

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En estos tiempos de contemplación nada mística, el músico tiene que mirar dentro de sí y cargarse de las propiedades propedéuticas de la música para otros ámbitos de la vida.

(Antonio Hernandez-Gil )

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No hace falta renunciar al pasado para entrar en el porvenir. Al cambiar las cosas no es necesario perderlas.

(John Cage)

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Los espejos se emplean para verse la cara; El arte para verse el alma.

(George Bernard Shaw.)

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No suelo mirar atrás y mi reto futuro es el próximo concierto: el que voy a hacer hoy mismo.

(Anne Sophie Mutter.)Anne Sophie Mutter
 
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Nada me distrae, nada me divierte. Y lo que no me apasiona, me aburre.

(Sacha Gutry)

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Danzar es sentir, sentir es sufrir, sufrir es amar; usted ama, sufre y siente. ¡ Usted danza!

(Isadora Duncan)

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El arte no es una profesión. Es una actitud.

(David Escalona)

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No se sabe todo lo que encierra un minueto. 

(Wanda Landowska)

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Somos lo que hacemos día a día. De modo que la excelencia no es un acto sino un hábito.

(Aristóteles)

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El cerebro es el jefe, el oído el empleado y la mano la herramienta.

(Alicia de Larrocha)

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La originalidad no consiste en decir cosas nuevas sino en decirlas como si no  hubieran sido dichas por otro.

(J.W.von Goethe)

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La habilidad y la constancia son las armas de la debilidad.

(Nicolás Maquiavelo. ) 

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La humildad es la antecámara de todas las perfecciones.

(Marcel Aymé.)

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miguel-de-unamunoHay que sentir el pensamiento y pensar el sentimiento.

(Miguel de Unamuno)

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Inscribe los agravios en el polvo,  las palabras de bien inscríbelas en el mármol.

is(Benjamín Franklin)

 

 

 

 

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Haciendo el bien nutrimos la planta divina de la humanidad; formando la belleza, esparcimos las semillas de lo divino.//

Cuanto mas alto coloque el hombre su meta, tanto más creecerá.friedrich-schiller-7-thumb

(Friedrich Schiller)

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Una de las mayores pruebas de mediocreidad es no aceptar la superioridad de otros. jean-baptiste-say-4-thumb

(Jean Baptiste Say)

 

 

 

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La claridad es el barniz de los maestros. marques-de-vauvenargues-4-thumb

(Marqués de Vauvenargues)

 


 

Carta a una guitarrísta joven (con cariño para Sara)

Si buscas respuestas para plantearte una carrera musical seria y ver reconocido tu trabajo, o simplemente sientes ésa llamada vocacional, permíteme ayudarte a resolver tus inquietudes desde mi privilegiada percepción como diletante, a aclarar ideas, a ampliar tu campo de miras. Debes tener en cuenta la gran dificultad del instrumento, dominar este instrumento polifónico no es tarea baladí, de alguna manera te conviertes en director de una pequeña orquesta. Si estás dispuesto a dar el paso tienes que poner todo tu empeño en ello pues aunque no te dés cuenta el tiempo vuela. Ser guitarrísta profesional es una carrera de fondo tal vez no aconsejable para todos, pero conviene saber y tener como aliciente también que un buen intérprete puede ser un buen pedagogo que enseñe a sus alumnos a comprender la música, disfrutarla, transmitir su visión del arte y pasión por la guitarra (recuerda la máxima “quién enseña aprende dos veces”). Existen alternativas asequibles al complicado camino solístico.

En absoluto puede existir la premura; trabajo, tenacidad, empeño e ilusión, tienes que ser paciente, no hay misterios… aceradas horas de trabajo y grandes dosis de espiritu perfeccionista, sin que esto te asegure nada. Pero no desesperes y confía en esa fuerza interior que te hace perseverar en tu esfuerzo: es eso llamado talento.

Tan necesaria como la práctica y disciplina también, es que “bebas de la fuente de la vida”, que conozcas los gozos y sufrimientos, las marcas que esta va dejando, saber de las pasiones humanas. A cambio de todo ello adquirirás recompensas muy valiosas en otras aptitudes anexas a las musicales, como capacidad de estudio y generosidad, consecución de objetivos a largo plazo, desarrollo de la inteligencia, memoria y sensibilidad artística, capacidad de análisis e imaginación (Antonio Hernández-Gil las denomina cualidades propedéuticas -ver el artículo La música de las estrellas-)

Tu mayor reto será encontrar un buen maestro, un capítulo esencial. Es una relación importante que posiblemente pueda durar muchos años. Tienes que seguir sus indicaciones rigurosamente y confiar en él absolutamente, el buen maestro será siempre exigente; pero si no te convence, si no te transmite entusiasmo, mejor continúa rebuscando.

Es necesario que te fijes en un gran intérprete para seguirlo, que sea un modelo, un ideal, profundizar en su musicalidad y técnica (sin menoscabo de otros) hasta que vayas adquiriendo tu propia personalidad. Por otro lado, no dejes de asistir a recitales de otros guitarrístas para aprender(apropiarte) de lo bueno y deshechar lo negativo, no solo musicalmente sino también sobre su actitud sobre el escenario y comportamiento fuera de el.

Piensa mas en la música que en la guitarra, sintiéndo siempre el máximo respeto por la música que vayas a interpretar y pregúntate que te dice esa música y que le puede decir a los demás. Deberías llegar a lograr disfrutar en el escenario -un gran concertísta dijo que tocaba para ganar corazones- a convertir tu actuación en un momento realmente especial. Aprende a vivir con la música y no de la música, a disfrutar sin la presión de ser profesional.

Recuerda que la formación artística, cómo otras actividades, no termina nunca y debemos irnos actualizando (cursos de verano, master class, perfeccionamiento…) Siempre reconoce que puedes mejorar como profesional sin que te tengas que sentir mal por ello. Escucha a los demás para observar posibles defectos, dentro de opiniones acreditadas.

También sería enriquecedor crear o formar parte de una agrupación musical, para intercambiar experiencias, para liberarte del aislamiento de la práctica diaria.
Celebra siempre tus éxitos y logros, restando importancia a los resultados menores. Pero ¡tampoco te sobreestimes! deberás aprender a ser tu crítico mas profundo. Aprende igualmente a afrontar las opiniones y juicios, a agradecer de corazón los cumplidos.

Y como complemento “déjate deslumbrar por el sol de la cultura” y asiste también al mayor número de conciertos sinfónicos y de cámara para familiarizarte con el estilo de los compositores y épocas, pero también a exposiciones de pintura y escultura para adquirir apreciación del valor artístico y de la disciplina. Recuerda que la interpretación es una síntesis y luego se traslucirá en tus interpretaciones.

Evita siempre ser cándido, fanfarrón o necio e incluso mas, si cabe, conforme vayas consiguiendo mayor altura musical. Tampoco seas indeciso e influenciable, ten personalidad. Intenta ser persuasivo en vez de impulsivo, sé reflexivo sin llevarlo al extremo.

Recuerda el carácter genuinamente español de la guitarra y ahonda en la música española para luego extenderlo a otras sensibilidades.

Conoce e investiga los orígenes de la guitarra en la vihuela -instrumento de la corte española- y la guitarra barroca -más popular- que gracias a su tamaño fué llevada a través de los confines del imperio español acompañando a los mandatarios para “desocupar de los travajos de gobernación” -según escribió Diego Pisador en la dedicatoria de su libro de vihuela a Felipe II-. También fué exportada a América Latina en las posesiones del Imperio. Otra vertiente de la guitarra es el flamenco que procede del s. XIX, de raíces griegas, bizantinas e incluso moriscas con influencias gitanas mas recientes.

No dejes de estudiar el repertorio básico de guitarra: los vihuelistas -Fuenllana, Valderrábano, Mylán, Mudarra- nuestros grandes Aguado y Sor, y por supuesto, (nunca lo desdeñes) el padre de la guitarra moderna: Francisco Tárrega. La música española suena maravillosamente en el instrumento mas español por antonomasia, así Álbeniz, Granados y Falla gozan de magníficas transcripciones de la mano de Tárrega y de la escuela catalana (Pujol, LLobet). A Andrés Segovia debemos grandísimo reconocimiento por su labor de llamamiento a grandísimos compositores: Moreno Torroba, Turina, Villalobos, Mompou, Ponce, Tansman entre decenas de ellos y también a sus numerosas transcripciones basadas en su profundo conocimiento del instrumento de compositores como Mendelssohn, Haydn, Albéniz, Granados, Purcell, Schubert, Frank, Brahms, de Viseé, Weiss, Bach y otros.

De los contemporáneos son destacables quizá por obras que sobresalen en cada caso y para las que hay que llegar a ser un auténtico especialista para su ejecución: Ginastera (Sonata), Berio (Sequencia XI), Britten (Nocturnal), Maderna(Y después) y por supuesto todas las de Joaquín Rodrígo. Probablemente la obra guitarrística contemporánea mas coherente y como escuela de aprendizaje sea la del cubano Leo Brouwer, sin olvidar al gran Castelnuovo Tedesco y Abel Carlevaro. Son renombrables también Stephen Doghson y Reginald Smith Brindle.

Es un camino precioso por recorrer ¡adelante!

Carlos Díaz

30/01/2012

Una storia incredibile-Anthology of Contemporary Music for Guitar-HOMENAJE A SEGOVIA(Gener.Edit.Piero Bonaguri)

Amalia RamIrez presenta el nuevo volumen de la Antologiade Música Contemporánea antes del magnífico recital de Piero Bonaguri

Amalia RamIrez presenta el nuevo volumen de la Antologia de Música Contemporánea antes del magnífico recital de Piero Bonaguri

Bonaguri en Tienda Ramirez Una característica destacada de la actividad artística de Andrés Segovia fue la manera sistemática en que se encargó  de solicitar nuevas obras a los compositores mas importantes que no eran guitarrístas.

Esta iniciativa resultó tener consecuencias históricas para la guitarra, y así emergió en la  escena  musical  internacional  como  una  importante protagonista .

 

Con motivo del 25 aniversario de la muerte del maestro(1987-2012) le pedí a varios compositores italianos escribir una pieza en homenaje a Andrés Segovia.

La mayoría respondió con estusiasmo y así tuve la oportunidad de realizar sus “homenajes a Segovia” en los conciertos que realicé en varios países durante el 2012 en honor a la memoria del maestro – en lugares como el Festival de Ravenna, el Ateneo de Madrid, la Royal Academy of Music de Londres y el Meeting de Rimini, así como muchos otros. Este volumen contiene una selección de estas piezas dedicadas a la memoria del maestro.  Sin lugar a dudas, el volumen se ve reforzado por la inclusión de otros dos homenajes a Segovia: un poema de Davide Rondoni y un retrato de Segovia por Roberto Casadio.AntologiaContempMusicyDEDICATORpiero 055– Madrid, Viernes 11 de abril de 2014- Piero Bonaguri

 

La mia anima

ha una corda, mille corde ma se suona

chi la suona?

Come si perde nel silenzio polline di suono

dopo che e toccata la corda

dopo che e bruciata l¨anima-

chi la suona, chi la arde

la vita nelle nostre

segrete corde?

Dolce nome di maestro di chitarra, Andrés

Segovia, mano che ha cercato

al sesto continente della musica

toccando corde, fermando note-

sei uno dei guardiani della nostra anima

che trema sempre, e sempre suona

nelle sue mille corde mentre il mondo

la frastuona

e cerca chi la tocca, chi la inventa

in nuovi esordi, in antichi

accordi

(Davide Rondoni, 2012)

Bonaguri en Tienda Ramirez

ANDRÉS SEGOVIA “A guisa de dedicatoria” por SALVADOR DE MADARIAGA

              Nace el hombre libre y apenas madura, viene a arrodillarse y ofrecerle su libertad virgen a la Divinidad. Y ora: ¡Oh, Señor, hállame un buen amo para vivir de mi esclavitud!  Los hay a quien Dios escucha con creces, y de ellos, uno de los más favorecidos fue Andrés Segovia, a quien eligió para esclavo de la guitarra. Desde aquel día, Dios y él saben cuando, se iluminó su alma, y Segovia ha sido un hombre libremente esclavo de la guitarra. La halló saladísima y traviesa en las ágiles manos del barbero de Sevilla, y en una vida modelo de fidelidad, la elevó hasta convertirla en la voz más auténtica de Juan Sebastián Bach que jamás oímos los hombres.

 Esta voz es tan auténtica de Bach que, por serlo de él, es la voz de Europa: que Europa es la síntesis más perfecta de serenidad de pensamiento y de pasión del ser que el mundo de los hombres ha conocido desde aquellas inolvidables esculturas del gran Egipto clásico; y esta doble vibración del alma humana, la serenidad del pensar y la pasión del sentir se encarnan en los tres europeos más grandes que jamás ha habido, que son Leonardo, Shakespeare y Bach. A esta trinidad, el esclavo libre de la guitarra por la gracia de Dios contribuyó descubriendo en un humilde instrumento de música popular la voz auténtica de Juan Sebastián Bach.

     Esto lo percibió pronto la juventud del mundo entero. El descubrimiento de Segovia llegó a florecer en la historia cuando todos los jóvenes del mundo arden de entusiasmo por la guitarra; y a ella entregaban su libertad en imitación, cada uno la suya, lograda o no, aceptada o no, por el Señor; por, cualquiera que fuese la intuición, el gusto, la devoción del alma, los jóvenes todos supieron de instinto que en cuando salía a escena aquel hombre sencillo, fuerte, roble humano de abundante flor, era imperioso callar todos y escuchar con toda el alma esperanzada aquella voz divina. Lo exigía en silencia el ser escogido por la Providencia para hacer sonar la pura voz del gran poeta de la música europea.

      Revolución universal, arrolladora, inaudita: todos los espacios abiertos a las audiciones de la guitarra de Segovia, abarrotados de gente: todos aquellos, jóvenes y viejos, vibrantes de la emoción más pura que darse puede, ávidos de pasar por aquella vivencia única: el goce de una imaginación espiritual sin reproche. Y aquella asombrosa sensación de libertad que los millones y millones exultaban de gozar, sentían surgir en su ánimo aquella libertad de vivir alto y puro que aquel robre español derrochaba en las almas de los cinco continentes, ¿qué era si no el fruto y la flor de toda una vida de esclavitud a su arte, el sacrificio de todos los goces menos el único y supremo goce de oír perfecto lo que en el fondo de su corazón creador habría oído Juan Sebastián Bach? ¿Quién en Nueva York o en Tokio, en Berlín o en Córdoba, vibraba de emoción inefable, se sentía por unos instantes vivir en la cúspide de su ser, pensaba en las horas de humilde trabajo del esclavo libre de aquella guitarra que día tras día y noche tras noche consumía el aceite vital de su voluntad en asegurar la perfección de la voz divina de Bach para que la oyeran las multitudes?

Segovia-Andres-23[1]

  Este es, sin embargo, el fondo de la gran revolución lanzada al mundo entero por Andrés Segovia. De la labor tenaz de aquel esclavo de la guitarra prolongada año tras año, mes, día hora, durante toda una vida nutrida de su libertad, han brotado para la humanidad enteros siglo de la más resplandeciente y pura libertad espiritual.

                                ¿Libertad?, pregunta algún dubitativo. Pues sí. Libertad es poder de selección, capacidad de escoger esto o lo otro, lo cual supone que aumenta con el área del mundo que conocemos. El mayor libertador es aquel que abre al espíritu humano continentes nuevos, el Colón del espíritu que descubre a todo hombre nuevos Perúes y Méjicos donde acampar. Esto es lo que ha sido toda su vida nuestro gran compatriota. Andrés Segovia: es descubridor para miles y millones de hombres de nuevos continentes del espíritu donde ejercer su libertad. Y lo punzante y hondo de su obra está precisamente en que por la magia de su arte, la libertad que ha regalado a las multitudes está amasada de su propia esclavitud. Que ser esclavo no es incompatible con ser libre; antes bien, no es fácil que un hombre sea del todo libre si Dios no le ha concedido un amo grande de veras a quien sacrificar su libertad.

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(Andrés Segovia, el liberal cosmopolita por Carlos Andrés Segovia) (Enlace)

http://guitarra.artepulsado.com/guitarra/reflexiones_segovia.htm

SUMA FLAMENCA (Exposición fotográfica realizada en la calle Fuencarral de Madrid en el mes de junio de 2013 y selección de videos)

 
sumaflamenca Madrid2013
En el año 2007 la Comunidad de Madrid creó el Festival Suma Flamenca. Con  ello se ha querido que esta manifestación artística tuviera el máximo reconocimiento con un festival propio.  Prueba de su valor universal, en 2010, la Unesco declaró a el Flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Desde su inicio Suma Flamenca presenta a los grandes maestros del cante, baile y el toque, junto a las nuevas generaciones. Cada año en el Festival se conjuga la exhibición del flamenco mas clásico y ortodoxo con el mas innovador que dialogan y se funden con otras músicas y otras artes.                                                                                                                                                                                                               Con esta exposición, el Festival quiere rendir homenaje a todos los artístas y a todos los profesionales que desde su oficios contribuyen a hacer del flamenco una expresión artística única. El fotógrafo CHEMA CONESA plasma en estos retratos el duende que inspira a las personas que hacen del flamenco algo mágico. Sus imágenes captan la complicidad que existe entre oficio y arte, entre lo instrumental y lo etéreo, entre el trabajo y la inspiración.                    

Soleá Morente y Carmen Linares

Soleá Morente y Carmen Linares

Antonio Carmona y Pepote (Artesano de cajón flamenco)

Antonio Carmona y Pepote (Artesano de cajón flamenco)

 
Blanca del Rey (bailaora) y Alejandro Jaén (Chef del Corral de la Morería

Blanca del Rey (bailaora) y Alejandro Jaén (Chef del Corral de la Morería)

Gerardo Nuñez y Rafael Moreno (guitarrero)

Gerardo Nuñez (guitarrísta) y Rafael Moreno (guitarrero)

Estrella Morente y la Abuela Rosario

Estrella Morente y la Abuela Rosario

Gerardo Trotti (escenógrafo) y Antonio Márquez (bailarín)

Gerardo Trotti (escenógrafo) y Antonio Márquez (bailarín)

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Rosa Torres-Pardo y Rocío Márquez (cantante)

Rosa Torres-Pardo (pianísta) y Rocío Márquez (cantante)

Mariano Conde (guitarrero) y Amós Lora.

Mariano Conde (guitarrero) y Amós Lora (guitarrísta)

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Lola Greco (bailarina) y Agustín Carbonell, Bola (guitarrísta)

Lola Greco (bailarina) y Agustín Carbonell, el Bola (guitarrísta)

Rafaela Carrasco (bailaora) y Pablo Suárez (pianísta)

Rafaela Carrasco (bailaora) y Pablo Suárez (pianísta)

José Peris (compositor) y José Menese (cantaor)

José Peris (compositor) y José Menese (cantaor)

Olga Pericet (bailaora) y Antonia Jiménez (guitarrísta)

Olga Pericet (bailaora) y Antonia Jiménez (guitarrísta)

José Mercé (cantaor) y Diego del Morao (guitarrísta)

José Mercé (cantaor) y Diego del Morao (guitarrísta)

Aida Gómez (bailarina) y Nicolás Fichtel (diseñador de iluminación)

Aida Gómez (bailarina) y Nicolás Fichtel (diseñador de iluminación)

Juan Pardo (músico) y Miguel Pardo (percusionista)

Jorge Pardo (músico) y Miguel Pardo (percusionista)

Juan Carmona (guitarrista) y Pitingo (cantaor)

Juan Carmona (guitarrista) y Pitingo (cantaor)

Fuensanta, la moneta (bailaora) y Ricardo Fernández (artesano zapatero)

Fuensanta, la Moneta (bailaora) y Ricardo Fernández (artesano zapatero)

Sergio Gutierrez (Maitre de tablao)y Belén López (Bailaora)

Sergio Gutierrez (Maitre de tablao)y Belén López (Bailaora)

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O T R A S     P E R S P E C T I V A S:

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suma flamenca madrid 2013SUMA FLAMENCA MADRID 2013

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FRASES PARA LA REFLEXION ARTISTICA Y MUSICAL.

La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu.

(Miguel de Cervantes)

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Si quieres hacer algo en la vida, no creas en la palabra imposible. 

Nada hay imposible para una voluntad enérgica.

( Pío Baroja)

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Las grandes elevaciones del alma son solo posibles en la calma y el silencio.

(Arturo Graf) 

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Nunca consideres el estudio como una obligación, sino como una oportunidad para penetrar en el bello y maravilloso mundo del saber.

(Albert Einstein)

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En estos tiempos de contemplación nada mística, el músico tiene que mirar dentro de sí y cargarse de las propiedades propedéuticas de la música para otros ámbitos de la vida.

(Antonio Hernandez-Gil )

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No hace falta renunciar al pasado para entrar en el porvenir. Al cambiar las cosas no es necesario perderlas.

(John Cage)

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Los espejos se emplean para verse la cara; El arte para verse el alma.

(George Bernard Shaw.)

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No suelo mirar atrás y mi reto futuro es el próximo concierto: el que voy a hacer hoy mismo.

(Anne Sophie Mutter.)Anne Sophie Mutter
 
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Nada me distrae, nada me divierte. Y lo que no me apasiona, me aburre.

(Sacha Gutry)

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Danzar es sentir, sentir es sufrir, sufrir es amar; usted ama, sufre y siente. ¡ Usted danza!

(Isadora Duncan)

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El arte no es una profesión. Es una actitud.

(David Escalona)

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No se sabe todo lo que encierra un minueto. 

(Wanda Landowska)

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Somos lo que hacemos día a día. De modo que la excelencia no es un acto sino un hábito.

(Aristóteles)

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El cerebro es el jefe, el oído el empleado y la mano la herramienta.

(Alicia de Larrocha)

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La originalidad no consiste en decir cosas nuevas sino en decirlas como si no  hubieran sido dichas por otro.

(J.W.von Goethe)

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La habilidad y la constancia son las armas de la debilidad.

(Nicolás Maquiavelo. ) 

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La humildad es la antecámara de todas las perfecciones.

(Marcel Aymé.)

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miguel-de-unamunoHay que sentir el pensamiento y pensar el sentimiento.

(Miguel de Unamuno)

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Inscribe los agravios en el polvo,  las palabras de bien inscríbelas en el mármol.

(Benjamín Franklin)

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Haciendo el bien nutrimos la planta divina de la humanidad; formando la belleza, esparcimos las semillas de lo divino.//

Cuanto mas alto coloque el hombre su meta, tanto más creecerá.friedrich-schiller-7-thumb

(Friedrich Schiller)

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Una de las mayores pruebas de mediocreidad es no aceptar la superioridad de otros. jean-baptiste-say-4-thumb

(Jean Baptiste Say)

 

 

 

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La claridad es el barniz de los maestros. marques-de-vauvenargues-4-thumb

(Marqués de Vauvenargues)

 


EL PINTOR AMABLE (a Luis Sobrino in memoriam)

Un importante pintor actual afirma que ser pintor en sus comienzos fué “diabólico” por sentirse vocacionalmente obligado a estar ocho horas inspirado, comprobar que solo lo estaba una o ninguna y resultándole esto insufrible, ponerse “al borde del suicidio”. Otro pintor coetáneo, igualmente, dice que pintar para él es angustioso: empezar un cuadro es como disputar una batalla que tiene la sensación de perder casi siempre.

(paisaje en verano)

El pintor Luis Sobrino Pérez, persona de espíritu sereno y perspicaz muy estimada en la zona de El Burguillo, no conoce de estos “tormentos”. En su pintura de colores poco saturados, casi puros, encontramos sencillez,coherencia, equilibrio y tranquilidad, demostrando así una vez más que el arte siempre es posible dentro de la tradición. Su estilo se puede definir como genuinamente realista español, como hombre que ama las cosas en su pureza natural que gusta percibir las cosas tal y como son (como la generalidad de los españoles, que poseemos esa peculiaridad artística). Podemos decir que es un sentimiento cósmico-psíquico, el goce estético con lo natural. La captación del instante, de la imagen, en la pintura de Luis Sobrino, produce en nuestra percepción una reacción subjetiva, íntima, el cuadro no termina en el lienzo.

Marina


De los 14 a los 18 años estudia litografía y grabado en la Escuela de Artes Gráficas de Madrid y dibujo lineal en la Escuela de Artes y Oficios de la capital igualmente,  compaginándolo con otras actividades.

EN LA DEHESA

Luis Sobrino ha asistido al Círculo de Bellas Artes de Madrid realizando apuntes del natural sobre modelos y afirma disfrutar realizando la figura humana.
Nunca ha abandonado su auténtica vocación, de hecho no cree en las vocaciones tardías, pero su actividad laboral ha sido muy distinta.

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ERMITA
Entrada del pueblo
Rincón de la calle Las Matas

Su formación como pintor en las distintas técnicas (tinta, pastel, acrílicos, óleos, mixtos) se la debe a la excelente pintora y amiga Arancha Levenfeld, junto con la que ha participado en cursos monográficos al aire libre en parques y jardines de Madrid, además de otras temáticas.

(paisaje en primavera)

También ha realizado multitud de exposiciones individuales y colectivas con gran éxito de crítica y público que le proporcionan energías renovadas para la consecución de nuevas obras.


Luis Sobrino asegura encontrarse en un momento ideal de su vida entregado a su vocación, que complementa con la audición de buena música y la observación de la naturaleza.

Podemos decir con certeza que su pintura está cargada de humanidad fuera de todo patetismo y en la que no existe ningún tipo de agresividad, sordidez ó dureza, en definitiva: El arte de Luis Sobrino es un arte formal y reflexivamente amable!

Cerro Castrejón
Román
(contacto a través de la sección about carlokapuscinski ó aureo herrero.org)

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LA MÚSICA DE LAS ESTRELLAS -buscando en nuestro interior- (por Antonio Hernández-Gil)

noche-estrelladaEl alma del universo está ensamblada con el número y la armonía, decía Platón en el Timeo. Durante la Edad Media el quadrivium se organizaba en cuatro disciplinas que giraban sobre la cantidad: la aritmética, que estudiaba la cantidad discreta en sí misma; la música, la cantidad comparada con otras, como proporción; la geometría, la cantidad continua fija; y la astronomía, la magnitud en movimiento. El papel nuclear de la música se reforzó en el Renacimiento con el neoplatonismo y la tradición hermética. La armonía no era solo el nombre de la consonancia, sino expresión del orden de los cuerpos celestes, las esferas, y por extensión, del universo. Todavía escribe Descartes en el siglo XVII un compendio de música, que, al poco de morir, se publicaría en un volumen junto a su Discurso del Método y los tratados sobre la Mecánica y la Dióptrica y los Meteoros. Para Descartes la teoría de la música no se agotaba en el estudio de las proporciones entre los sonidos y sus combinaciones, sino que debía considerar sus efectos sobre el oyente y la capacidad de suscitar compasión ó dolor. Un siglo después Rousseau compone algunas óperas y la mayor parte de los artículos sobre música de la Enciclopedia, que supervisa D´Alembert, matemático. No debe ser casual que provenga de un músico la idea del contrato social como convenio implícito para la convivencia, ¿Qué otra cosa son los conciertos, la música de los conjuntos?

rousseau geneveSi trazamos una flecha en una dirección arbitraria del tiempo y vemos que avanza a través de una serie de sucesos cada vez mas aleatorios, su dirección es la del futuro, enunciaba Eddington en The nature of physical world (1929). De donde se deduce que la información recibida de nuestro entorno es cada vez mayor y que la unidad del universo se desmiembra, se pierden de vista los horizontes y la estructura compleja que los une en nuestra mirada. Ya no quedan personajes del Renacimiento que puedan absorver la practica totalidad del saber, o música o ingeniería industrial, por ejemplo. Ni tendría público la teoría de los fundamentos de Armonía que en la Ilustración protagonizaron Rousseau, D`Alembert, Rameau y Tartini.

XVII CICLO 2012 A.H./David O´DohertyEl conocimiento del lenguaje musical se ha convertido en algo marginal para especialistas formados en los guetos de los conservatorios. Sin embargo hay que conocer sus leyes para seguirlas, como hace la música popular, o para transformarlas, como no hace tanto hicieron en la Viena de Wittgenstein, conscientes del fin de una época, Schoenberg, padre de la música dodecafónica, y sus discípulos Webern y Berg. Ahi mas o menos seguimos, entre la música aleatoria y las recaídas en la tonalidad, con y sin leyes a la vez, eclécticos en época de incertidumbres, libres de ataduras. Antes que comprenderse, la música hoy se consume, igual que casi todo, y se consume en su formas mas digestivas, por no decir predigeridas, en cápsulas aparentemente inocuas que se venden por miles en los supermercados o se bajan de la red. A nadie parece ocurrírsele en estos años tan dados a vaivenes pedagógicos que la música sustituya a alguna hora de geografía local en la educación de nuestros jovenes. Ni siquiera hemos oído la propuesta de complementar la denostada educación para la ciudadanía cantándola a coro, con unas cuantas nociones de formación de acordes, al modo que alguna autonomía a intentado impartirla en inglés con la mediación de profesores intérpretes (¡buen destino la salmodia constitucional para músicos en paro!)

En este mundo orientado a la productividad, el aprendizaje y la práctica de la música no sólo aumentarían nuestra capacidad íntima de disfrute estético, por lo que valga, sino que tendrían gran utilidad, incluso ciudadana. Para empezar, el músico tiene que mirar hacia dentro de sí, ejercicio insólito en estos tiempos de contemplación nada mística de las pantallas que podría descoyuntar a más de uno, pero a cambio de una flexibilidad y una penetración útiles para menesteres menos líricos. Y buscar allí, despacio, el mapa cifrado de cada partitura donde las notas son sólo una pauta: la música surge de las más leves inflexiones de intensidad, timbre o pronunciación de frases, el anticipo o retardo de milésimas de segundo o de milímetro, el ritmo, los acentos, la dinámica de un pasaje o el equilibrio de un movimiento. Después, en la música de cámara, en la obras sinfónicas o corales, orientarse en los laberintos interiores de los demás, pactar un resultado que es mucho más que la agregación de cada voz, y que, de algún modo, hay que anticipar, traerlo a la memoria del futuro desde ese “topos uranios” de las ideas donde tal vez preexisten la Pasión según San Mateo de Bach o los últimos cuartetos de Beethoven. Un ejercicio de buceo en las profundidades del alma y en esa suerte de espacio comprimido de solidaridad que son el concierto o un rato de práctica alrededor de la mesa familiar, la Tafelmusik de Telemann que todavía tenía sentido a mediados del siglo XVIII, antes de que el romanticismo sacralizara la reproducción de la música, divinizara a los grandes intérpretes y esclerosara sus performances, sacándolas del ámbito de lo cotidiano para elevarlas a un Olimpo del que aún no han bajado y donde probablemente se pudran de soledad, repetición y aburrimiento.

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Pocas veces he disfrutado más de la compañía y de mí mismo que en las horas de ensayo, las mañanas de vuelta de la Universidad, cuando el sol entraba a rayas por el desorden de la cocina, calentando el mejor lugar para esparcir sin prisas las partituras y dos amigos (compañera del alma, Rocío) jugabamos a compartir un mismo pulso y casi las mismas ideas, con el pretexto de las fantasías para dos guitarras compuestas por un catalán de principios del XIX, afrancesado, español y universal que también cultivó la seguidilla, fusión de músicas y crítica: “no tocarán campanas cuando yo muera, que la muerte de un triste muy poco suena”. Otro siglo; otra sensibilidad. Fernando Sor, de lo mejor que los guitarrístas podemos llevarnos a los dedos. Música doméstica.

Hoy que tanto se habla de competencias, destrezas y habilidades como objetivos de la formación según Bolonia, hay pocas actividades tan cargadas de virtudes propedéuticas para otros ámbitos de la vida, tan ilustrativas de lo que hay de relacional en el mundo que nos rodea, de control microscópico sobre nuestra experiencia personal y colectiva, del músculo de la laringe al eco de los aplausos; con la potencia de explicar la sintonía, base de la convivencia, y la proporción base de la justicia. Y un lenguaje universal capaz de proyectarnos hacia una globalidad sin fronteras. Para que esa olvidada función formativa se cumpla será preciso conocer la música de un modo más riguroso y metódico que por la indiscriminada percepción de millones de señales acústicas apenas moduladas que nos agreden cada día y su atolondrada imitación. Habría que enseñarla como Dios (probablemente) manda. A comienzo del siglo VI Boecio (De institutione musicae) proclamaba que la música está asociada al hombre de forma tan natural que no podríamos prescindir de ella aunque quisiéramos y que la fuerza de la mente debe ser dirigida de modo que lo innato por naturaleza pueda también ser dominado por el conocimiento. Quince siglos de distancia sin auriculares no separan, ¿Qué son esos años en la historia de nuestra evolución como bípedos implumes o primates músicos, que viene a ser lo mismo y casa mejor con la idea ancestral de la armonía de las esferas? El argumento es sencillo. Prepararse para volver a lo esencial: el consuelo de la filosofía, los clásicos, la música entendida, la noche estrellada. Lentamente.

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PIERO BONAGURI en el XVII ciclo de conciertos ÁUREO HERRERO 2012 (conferencia y concierto)

  Tras  sus  cinco  actuaciones  anuales  consecutivas,  el  eminente  concertista  Piero  Bonaguri,  amigo  ya  de  este  Festival-Ciclo  de  Conciertos  Homenaje   a  Áureo Herrero,    ofreció  un  recital  de   amplio   recorrido    por       diversas   épocas   y  estilos  musicales,  demostrando   una   vez   mas   que    no   todo   debe   ser  efímero, ocurrente, y  divertido como  en  el  reino  de  los frikis (inevitable  neologismo) actual,  sino  que  existen  unos  valores  universales  que  son  reconocibles  y  alcanzables.

Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: "Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento."
Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: “Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento.”

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Abordó primeramente (con una preciosa timbrica producida en su magnífica guitarra Julián Gómez Ramírez) el período  renacentista  español  con la  Canción  del  Emperador  y  las famosas  Diferencias  sobre  Guárdame  las Vacas de  Luys de Narváez,  compositor que se dedicó sobre todo a la polifonia vocal y  a la  música de vihuela  por la que es mas recordado en la actualidad,  en  la corte  de  Carlos I  y  posteriormente de su hijo  Felipe II.

A  continuación   cinco  maravillosas  transcripciones   de   Andrés  Segovia  efectuadas sobre  la obra de  J.S.Bach:  Prelude,  Courante,  Fugue,  Siciliana  y  Gavotte.

Siguiendo   con   música    de   auténtica   altura,   de   nuestro   gran  Fernando  Sor interpretó  las Variaciones  Op. 9  sobre un tema de la  Flauta Mágica de Mozart,  obra de primer orden  guitarristico.

P.Bonaguri XVII CICLO A.HERRERO

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Del Turolense y ganador del premio, entre otros innumerables,  Iberoamericano Tomás Luis de Victoria,  Antón   García   Abril,   el   Planto   (en el día de la muerte de Andrés Segovia)  dió paso a la serie de piezas inspiradas  y escritas en  homenaje  a  A.  Segovia por compositores  actuales italianos . 

Interpretó,  como estreno en España, la obra   “Homenaje  a Segovia” del  genovés  Roberto  Tagliamacco . Igualmente,  hizo lo propio con   Fughetta sulle corde vuote  de   Marco Reghezza  (San Remo)   -como estreno  en  España-    obra  en  la  que  las  entradas  de  cada  voz  son realizadas sobre cuerdas al aire.   Del milanés  David Anzzaghi   (otra obra  de estreno en España)   su preciosa  Segoviana,  dividida en dos partes,  mostrando en la 1ª  al Segovia de fuerte personalidad  para en la 2ª recrear  al Segovia mas sensible. 

Para  terminar la primera sección,  el estreno mundial de Pippo Molino (Milán), su Frammento  F (da Peguy)  nel  25simo  della  morte  di  A. Segovia,  pieza que evoca con acierto   la  música  compuesta  por  los vihuelistas españoles.

                                                                                .Piero Bonaguri/XVII ciclo A.HERRERO 2012

Los   Mayos,    Albada   y   Fandanguillo  de   Moreno   Torroba  de   tan  grato  recuerdo,  y  del  gran Castelnuovo-Tedesco  (que  cobra  doble  valor  al  ser  uno  de  los  mejores  intérpretes de este compositor) su Tonadilla sobre el nombre de Andrés Segovia y su briosa  Tarantella,  en  una   ya  mas  concisa  segunda   parte,   fueron  interpretadas por Piero Bonaguri.

Para finalizar este admirable recital,   una no menos espléndida versión de la Sevilla de Albéniz.

Recital P.BONAGURI - XVII CICLO ÁUREO HERRERO

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Conferencia por PIERO BONAGURI: “25 años del fallecimiento de ANDRÉS SEGOVIA”

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25 años del fallecimiento de Andrés Segovia

En  el  encantador   Museo  de  la  Naturaleza  Valle  del  Alberche  se  celebró  esta   conferencia   el   día   17   de agosto   de   2012   con  esta  reflexión  introductoria de Oscar Ghiglia sobre Segovia:   

                                                              ” Su  visión  estética   y profunda  poética  de   la  música   siempre   tiene   que   ser   nuevamente   descubierta,   especialmente   en    un  mundo  de  degradación  artística  como  es  el  actual”

Una  lectura  atenta  de  su  biografía   puede  ayudarnos   a   fijar  los  aspectos  fundamentales  y  siempre actuales de sus  concepciones artísticas  y  humanas. La crítica mundial ha considerado a Andrés Segovia como un músico de auténtico talento, pero si examinamos su figura en profundidad,  debemos darnos cuenta de que su  mérito  va  mucho  mas  allá…   originario  de  un  sencillo   pueblo (Linares,  año  1893)  un   muchacho  que  llega  a  alcanzar   la   cima   musical  interpretativa  solamente  con  su voluntad  e  intuición;  consigue superar todos los obstáculos musicales,  culturales  y  sociales   con  su  atrayente  personalidad,  ingenio  y  perseverancia  -teniendo en cuenta además que  no pertenecía a una  familia hacendada-   para  situarse  a  la  cabeza  de  los solistas   internacionales    mas renombrados.

Andrés  Segovia  cuando  era   niño  fue  abandonado  en  la  casa  de  sus tíos  por  lo  que  lloraba desconsoladamente y  su  tío para distraerlo, recitó  un  poema  en  el  que  imita  con  la  boca  el  sonido  de  una guitarra,  hecho  que capta enormemente su atención.

A  los  10  años  lee  el  libro   Granada  de  Angel  Ganivet,   algo  poco habitual en un niño y que demuestra su precoz inquietud cultural.

Una vez  escuchó  a  un  profesor  de  flamenco  y quedó  deslumbrado  por  el  sonido  de  la  guitarra.   Mas  tarde escuchó  un  preludio  de  Tárrega   -aunque  no  excesivamente  bien  interpretado-  y  fue entonces  cuando decidió  dedicar  sus  energías  a  aprender  a  tocar  el  instrumento

Descubre el  libro de armonía de  Hilarión Eslava,  que  estudia con fruición.  Simultáneamente  estudia  guitarra   con enorme  coraje,  convirtiéndose,  según sus palabras,  en “su propio maestro”.

Debuta  en  Granada  a  los  16 años  con  éxito  de  la  crítica.

Para él es fácil hacer amigos,  conoce  y admira a  Miguel Llobet,  y también a Gaspar Cassadó, que le presentará a varios empresarios.

Lección magistral antes de la conferencia/ P.Bonaguri

Sus  amigos  le ayudan muchísimo y  le  hacen  ver  la  posibilidad de  ganarse la vida como concertista.

Se da cuenta de la necesidad de ampliar el  repertorio guitarristico al tomar  consciencia  del  maravilloso y extenso repertorio  pianístico,  y  posteriormente  instará  a   reconocidos   compositores  (Moreno-Torroba, Ponce, Villalobos,  etc.)  a  componer  para  guitarra.

 

Cartas de Andrés Segovia a Salvador de Madariaga

Piero  Bonaguri  lanzó  un  reto,  desde  su  extrañeza,   hacia  los musicólogos  presentes  en la sala  sobre  porqué  todavía  no  se  habían realizado  investigaciones de las interesantes cartas de Andrés Segovia al escritor y diplomático Salvador de Madariaga.

  Dos frases de  Andrés Segovia, para  concluir,  citadas por  Piero Bonaguri  durante  la conferencia:

“La música es un mensajero veloz de pensamientos hondos”

“Me hubiera gustado vivir hasta el fin de siglo para conocer la nueva música para guitarra”

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TRIO PADEREWSKI. Apoteósica XVII edición Ciclo de Conciertos ÁUREO HERRERO 2012

El Trío Paderewski, que ofrecerá un nuevo concierto el 25 de agosto de este año 2013 dentro de la ya próxima  XVIII edición del Ciclo de Conciertos Áureo Herrero, está  formado por  Catherina Lemoni -piano-, Francesco Bartoletti -violoncello-, y David O´Doherty -violín- , ofreció un espléndido concierto en el   Salón Áureo Herrero que se inició con el precioso Trío Círculo  (Amanecer-Mediodía-Crepúsculo) de Joaquín Turina, compositor que posee mas y mejor música de cámara de su generación y que contribuyó enormemente al despegue de la música española a nivel internacional.

El Trío Paderewski en el XVII ciclo Áureo Herrero
El Trío Paderewski en el XVII ciclo Áureo Herrero

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Del compositor checo Leos Janacek, Catherina Lemoni acompañó a Francesco Bartoletti en  Pohadka, una obra  a caballo entre la tradición clásico-romántica y la vanguardia musical de la época.

Francesco Bartoletti en Prohadka
Francesco Bartoletti en Pohadka

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Caterina Lemoni,  premiadísima solista internacional,  interpretó después una pieza de las posiblemente mas difíciles e importantes escritas para piano en el siglo XX:  Triana de Isaac Albéniz.

XVII CICLO 2012 A.H./ Catherina Lemoni

El  fabuloso violinísta  David  O´Doherty  también ofreció otra gran obra virtuosística española y  no escuchada antes en este auditorio: Aires Gitanos de Pablo Sarasate, con la que arrancó a su finalización una gran ovación de los asistentes.

David O´Doherty interpreta Aires Gitanos de P.Sarasate
David O´Doherty interpreta Aires Gitanos de P.Sarasate

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En la  segunda  parte  del  programa el  Trío  Paderewski  tocó el Trío en Re menor con piano de Félix  Mendelssohn calificado   por   Robert  Schumann   como   “el  trío  magistral  de  nuestra  época”.  Es una obra  alegre,  exhuberante y exquisita en la que predomina la parte del piano, pero siempre manteniendo el equilibrio instrumental. (Ante el gran reconocimiento del público el Trío Paderewski interpretó nuevamente a modo de cierre el Scherzo.) Se divide en los siguientes movimientos: l) Molto Allegro e agitato. II) Andante con moto tranquilo. III) Scherzo.Leggiero e vivace. IV) Finale. Allegro assai appasionato.

Trío en Re menor-Mendelssohn por el Trío Paderewski
Trío en Re menor-Mendelssohn por el Trío Paderewski

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