CARLOS DIAZ. ¡Apoteósico XVII Ciclo de conciertos Áureo Herrero 2012!

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

 

Carlos Díaz   “dejó a la música para guitarra, por su dedicación y buen hacer,  a  gran altura”  según  palabras de la escritora,  poeta,  filósofa,  dibujante  y  pintora  Alicia López Vega, dejando constancia de quien fue su gran maestro nacido en esta bella localidad de El Barraco  que  tanto amó.

XVI CICLO 2011 BARRACO GERSHWIN 247

 

Con la Iª Pavana de Luis de Mylán comenzó el recital, pieza original para  vihuela  incluida  por  el compositor   valenciano en su libro El Maestro de un total de seis y dedicada a Juan III de Portugal -es una danza lenta de origen italiano.  Las Diferencias sobre Guárdame las Vacas de Luys de Narváez, creador de las primeras variaciones de  la historia  de  la  música,   fue  la   siguiente   pieza   del   Renacimiento  español, muestra  que a continuación  concluyó  con  la  Fantasía  X  de   Alonso   de  Mudarra   “que   contrahaze  el  arpa  a  la  manera  de Ludovico”  en  la  elaborada  versión  de  Áureo  Herrero, es  la  pieza   mas   famosa   de   este  autor  e   imita  polifónicamente   en   el  efecto   de  variolaje con   espectaculares  disonancias  el  sonido  del citado instrumento  tras   una  preciosa  introducción.

XVII CICLO 2012 A.H. CARLOS DIAZ

 

Del  período  barroco interpretó Preludio y Bourre  de la  suite  nº1   para  laúd  de  J. S. Bach,  y de Francois Couperin,  ecuánime músico de la corte de Luis XIV apodado  “el grande”  para distinguirlo de  otros miembros,  músicos  también,  de  su familia  y  que  mantuvo correspondencia con  el mismo  J. S. Bach,  la elegante danza cortesana -estilo galante- originaria del mismo sitio que su nombre,  Les  Canaries.    

               Le  Cou-Cou, memorable pieza  de Claude Daquin, fue el último ejemplo del barroco galante  -en la que se imita  el esperado canto de  un ave  que  anuncia  la  primavera:  el cuco-   siempre  en  las  magníficas transcripciones  de  Áureo Herrero.

Las Variaciones  “sobre un tema de la Flauta Mágica de  Mozart  Op.9”, probablemente las mas perfectamente rematadas y famosas de sus variaciones sobre  temas  de  otros compositores, conformaron la última obra de la primera parte.

  Entreacto, Canción y Seguidilla de la Fantasía de Carmen de G.Bizet fueron las piezas con las que Carlos Díaz abrió la segunda parte de su recital y  que combinan belleza y virtuosísmo, en la transcripción de Wolfgang Lendle.

 Del compositor de origen belga  César Frank  las primorosas  4 Piezas breves   -prácticamente coetáneo del  malogrado   Bizet  –   fueron interpretadas según  pautas “segovianas” en una mas de las siempre acertadas transcripciones de Andrés Segovia.

 

 Prosiguió  Carlos Díaz  con  la realización de  El álbum de Cecilia,  de Joaquín  Rodrigo,  probablemente el compositor mas importante en España del siglo XX ,  que  agradó mucho  a los presentes.  Transcrita   para   guitarra  – en   una   aparente   pero   engañosa   sencillez  por  su  cercano  colaborador   Pepe  Romero-   es compuesta   originalmente   por   el  maestro  en el piano  para su hija y que ésta interpretó a los 11 años en el Círculo Cultural Medina en 1952, incluye polifonía a dos voces y ritmos muy vivos de gran exigencia técnica.   Se divide en  las siguientes piezas:   -María de los Reyes (sevillana) recreación de la danza flamenca sobre las primeras notas de la escala de Do mayor contrapuestas a una delicada melodía secuencial.  -A la jota (jota de las palomas) otra forma de danza que se caracteriza por un animado ritmo antes de una sentida copla.   -Canción  del  hada  rubia   y -Canción  del  hada  morena, que son dos números contrastantes con una atmósfera lírica lenta la primera para seguir con una pieza de ritmo vigoroso y melodías en staccato y punteadas.  -El negrito Pepo que hace referencia a un animal doméstico de la familia, ofrece un bajo rítmico y una intrincada melodía con una sección central de agitados ritmos, y -Borriquillos  a  Belén (finale) presenta diseños de filigrana y punzantes armonías frente a una imprevisible y caprichosa melodía.

Carlos Díaz interpreta a Joaquín Rodrigo

El animado Fandango titulado graciosamente  ¡Qué buen caminíto!  que   J. Rodrigo   dedicó  a  la  gran  profesora  e   intérprete  América   Martínez   y   que  combina  la técnica  del rasgueado  con efectos de rápidas escalas y acordes,  dió fin  al  recital.

Ofreció de propina la renombrada canción de cuna “Summertime” de G.Gerswhin como agradecimiento al público.    

Carlos Díaz/XVII Festival Áureo Herrero      

&&&&&&&&&&&&

ADALBERTO MARIA RIVA. ¡Apoteósico XVII Ciclo de conciertos Áureo Herrero 2012!

La gran concentración y elegante estilo de Adalberto María Riva.
La gran concentración y elegante estilo de Adalberto María Riva.

El maravilloso pianista Adalberto María Riva brindó a  la rebosante audiencia de  la sala Áureo Herrero una de esas inolvidables veladas que nos lleva acostumbrando ya desde hace cinco temporadas consecutivas,  cuando tuvimos  el  honor  de  conocerlo.   Comenzó  con  la  Villanella -di anonimo- y Gagliarda -di Vicenzo Galilei-  Da “Antiche danze e arie per liuto” de Ottorino Respighi.

Isoldes Liebes-Tod -Wagner-Liszt

El  Preludio  y  fuga  in si menore (Bach-Liszt)  fué  una nueva muestra del recogimiento gestual pero a la vez refinado estilo de Adalberto María Riva calificado por la crítica especializada de “aristocrático”. En el sin duda culminante momento del romanticismo, la pieza Isoldes Liebestod (muerte de amor de Isolda) se pudo apreciar la gran inspiración de la obra de Wagner tamizada a través del piano de F.Listz, en una de sus transcripciones mas musicales . La animada Marcia militar no. 3 de F.Schubert (Tausig) estimuló a la audiencia de ese momento de ensoñación, para concluir con las grandiosas Variazioni su di un tema de Haendel OP 35 de J.Brahms -24 variaciones y fuga-

  Momento   de  bises  tras   la   gran  ovación recibida:  Ave María  de Schubert.   Nueva   ovación   y   nueva  respuesta  del  intérprete:   Estudio   La Campanella  de Liszt. El público  continúa aplaudiendo   con energía y Adalberto María Riva corresponde  a su petición,   ya como punto final,  con el  sublime aria de Bach,“Jesu maine fraude” (“Jesús, la alegría de los hombres”.)  
.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Adalberto María Riva interpreta la monumental Leyenda nº2 de Franz Listz, ” San Francisco de Paula caminando sobre las olas”.

 

AUREO HERRERO 2012 ¡Apoteósica XVIIª edición del ciclo de conciertos homenaje! (resumen final)

Tras  sus  cinco  actuaciones  anuales  consecutivas,  el  eminente  concertista  Piero  Bonaguri,  amigo  ya  de  este  Festival-Ciclo  de  Conciertos  Homenaje   a  Áureo Herrero,    ofreció  un  recital  de   amplio   recorrido    por       diversas   épocas   y  estilos  musicales,  demostrando   una   vez   mas   que    no   todo   debe   ser  efímero, ocurrente, y  divertido como  en  el  reino  de  los frikis (inevitable  neologismo) actual,  sino  que  existen  unos  valores  universales  que  son  reconocibles  y  alcanzables.

Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: "Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento."
Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: “Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento.”

…………………………………………………………………………………………………………………………..

Abordó primeramente (con una preciosa timbrica producida en su magnífica guitarra Julián Gómez Ramírez) el período  renacentista  español  con la  Canción  del  Emperador  y  las famosas  Diferencias  sobre  Guárdame  las Vacas de  Luys de Narváez,  compositor que se dedicó sobre todo a la polifonia vocal y  a la  música de vihuela  por la que es mas recordado en la actualidad,  en  la corte  de  Carlos I  y  posteriormente de su hijo  Felipe II.

A  continuación   cinco  maravillosas  transcripciones   de   Andrés  Segovia  efectuadas sobre  la obra de  J.S.Bach:  Prelude,  Courante,  Fugue,  Siciliana  y  Gavotte.

Siguiendo   con   música    de   auténtica   altura,   de   nuestro   gran  Fernando  Sor interpretó  las Variaciones  Op. 9  sobre un tema de la  Flauta Mágica de Mozart,  obra de primer orden  guitarristico.

P.Bonaguri XVII CICLO A.HERRERO

……………………………………………………………………………………………………………………….

Del Turolense y ganador del premio, entre otros innumerables,  Iberoamericano Tomás Luis de Victoria,  Antón   García   Abril,   el   Planto   (en el día de la muerte de Andrés Segovia)  dió paso a la serie de piezas inspiradas  y escritas en  homenaje  a  A.  Segovia por compositores  actuales italianos . 

Interpretó,  como estreno en España, la obra   “Homenaje  a Segovia” del  genovés  Roberto  Tagliamacco . Igualmente,  hizo lo propio con   Fughetta sulle corde vuote  de   Marco Reghezza  (San Remo)   –como estreno  en  España-    obra  en  la  que  las  entradas  de  cada  voz  son realizadas sobre cuerdas al aire.   Del milanés  David Anzzaghi   (otra obra  de estreno en España)   su preciosa  Segoviana,  dividida en dos partes,  mostrando en la 1ª  al Segovia de fuerte personalidad  para en la 2ª recrear  al Segovia mas sensible. (visualizar en el enlace siguiente el estreno absoluto de la obra en Milán.)

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=m_sVi8jNHOc

Para  terminar la primera sección,  el estreno mundial de Pippo Molino (Milán), su Frammento  F (da Peguy)  nel  25simo  della  morte  di  A. Segovia,  pieza que evoca con acierto   la  música  compuesta  por  los vihuelistas españoles.

                                                                                .Piero Bonaguri/XVII ciclo A.HERRERO 2012

Los   Mayos,    Albada   y   Fandanguillo  de   Moreno   Torroba  de   tan  grato  recuerdo,  y  del  gran Castelnuovo-Tedesco  (que  cobra  doble  valor  al  ser  uno  de  los  mejores  intérpretes de este compositor) su Tonadilla sobre el nombre de Andrés Segovia y su briosa  Tarantella,  en  una   ya  mas  concisa  segunda   parte,   fueron  interpretadas por Piero Bonaguri.

Para finalizar este admirable recital,   una no menos espléndida versión de la Sevilla de Albéniz.

Recital P.BONAGURI - XVII CICLO ÁUREO HERRERO

00000000000000000000000000000000000000000000000000000

Conferencia por PIERO BONAGURI: “25 años del fallecimiento de ANDRÉS SEGOVIA”

00000000000000000000000000000000000000000000000000000

25 años del fallecimiento de Andrés Segovia

En  el  encantador   Museo  de  la  Naturaleza  Valle  del  Alberche  se  celebró  esta   conferencia   el   día   17   de agosto   de   2012   con  esta  reflexión  introductoria de Oscar Ghiglia sobre Segovia:   

                                                              ” Su  visión  estética   y profunda  poética  de   la  música   siempre   tiene   que   ser   nuevamente   descubierta,   especialmente   en    un  mundo  de  degradación  artística  como  es  el  actual”

Una  lectura  atenta  de  su  biografía   puede  ayudarnos   a   fijar  los  aspectos  fundamentales  y  siempre actuales de sus  concepciones artísticas  y  humanas. La crítica mundial ha considerado a Andrés Segovia como un músico de auténtico talento, pero si examinamos su figura en profundidad,  debemos darnos cuenta de que su  mérito  va  mucho  mas  allá…   originario  de  un  sencillo   pueblo (Linares,  año  1893)  un   muchacho  que  llega  a  alcanzar   la   cima   musical  interpretativa  solamente  con  su voluntad  e  intuición;  consigue superar todos los obstáculos musicales,  culturales  y  sociales   con  su  atrayente  personalidad,  ingenio  y  perseverancia  -teniendo en cuenta además que  no pertenecía a una  familia hacendada-   para  situarse  a  la  cabeza  de  los solistas   internacionales    mas renombrados.

Andrés  Segovia  cuando  era   niño  fue  abandonado  en  la  casa  de  sus tíos  por  lo  que  lloraba desconsoladamente y  su  tío para distraerlo, recitó  un  poema  en  el  que  imita  con  la  boca  el  sonido  de  una guitarra,  hecho  que capta enormemente su atención.

A  los  10  años  lee  el  libro   Granada  de  Angel  Ganivet,   algo  poco habitual en un niño y que demuestra su precoz inquietud cultural.

Una vez  escuchó  a  un  profesor  de  flamenco  y quedó  deslumbrado  por  el  sonido  de  la  guitarra.   Mas  tarde escuchó  un  preludio  de  Tárrega   -aunque  no  excesivamente  bien  interpretado-  y  fue entonces  cuando decidió  dedicar  sus  energías  a  aprender  a  tocar  el  instrumento

Descubre el  libro de armonía de  Hilarión Eslava,  que  estudia con fruición.  Simultáneamente  estudia  guitarra   con enorme  coraje,  convirtiéndose,  según sus palabras,  en “su propio maestro”.

Debuta  en  Granada  a  los  16 años  con  éxito  de  la  crítica.

Para él es fácil hacer amigos,  conoce  y admira a  Miguel Llobet,  y también a Gaspar Cassadó, que le presentará a varios empresarios.

Lección magistral antes de la conferencia/ P.Bonaguri

Sus  amigos  le ayudan muchísimo y  le  hacen  ver  la  posibilidad de  ganarse la vida como concertista.

Se da cuenta de la necesidad de ampliar el  repertorio guitarristico al tomar  consciencia  del  maravilloso y extenso repertorio  pianístico,  y  posteriormente  instará  a   reconocidos   compositores  (Moreno-Torroba, Ponce, Villalobos,  etc.)  a  componer  para  guitarra.

 

Cartas de Andrés Segovia a Salvador de Madariaga

Piero  Bonaguri  lanzó  un  reto,  desde  su  extrañeza,   hacia  los musicólogos  presentes  en la sala  sobre  porqué  todavía  no  se  habían realizado  investigaciones de las interesantes cartas de Andrés Segovia al escritor y diplomático Salvador de Madariaga.

  Dos frases de  Andrés Segovia, para  concluir,  citadas por  Piero Bonaguri  durante  la conferencia:

“La música es un mensajero veloz de pensamientos hondos”

“Me hubiera gustado vivir hasta el fin de siglo para conocer la nueva música para guitarra”

.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

 

Carlos Díaz   “dejó a la música para guitarra, por su dedicación y buen hacer,  a  gran altura”  según  palabras de la escritora,  poeta,  filósofa,  dibujante  y  pintora  Alicia López Vega, dejando constancia de quien fue su gran maestro nacido en esta bella localidad de El Barraco  que  tanto amó.

XVI CICLO 2011 BARRACO GERSHWIN 247

 

Con la Iª Pavana de Luis de Mylán comenzó el recital, pieza original para  vihuela  incluida  por  el compositor   valenciano en su libro El Maestro de un total de seis y dedicada a Juan III de Portugal -es una danza lenta de origen italiano.  Las Diferencias sobre Guárdame las Vacas de Luys de Narváez, creador de las primeras variaciones de  la historia  de  la  música,   fue  la   siguiente   pieza   del   renacimiento  español, muestra  que a continuación  concluyó  con  la  Fantasía  X  de   Alonso   de  Mudarra   “que   contrahaze  el  arpa  a  la  manera  de Ludovico”  en  la  elaborada  versión  de  Áureo  Herrero, es  la  pieza   mas   famosa   de   este  autor  e   imita  polifónicamente   en   el  efecto   de  variolaje con   espectaculares  disonancias  el  sonido  del citado instrumento  tras   una  preciosa  introducción.

XVII CICLO 2012 A.H. CARLOS DIAZ

 

Del  período  barroco interpretó Preludio y Bourre  de la  suite  nº1   para  laúd  de  J. S. Bach,  y de Francois Couperin,  ecuánime músico de la corte de Luis XIV apodado  “el grande”  para distinguirlo de  otros miembros,  músicos  también,  de  su familia  y  que  mantuvo correspondencia con  el mismo  J. S. Bach,  la elegante danza cortesana -estilo galante- originaria del mismo sitio que su nombre,  Les  Canaries.    

               Le  Cou-Cou, memorable pieza  de Claude Daquin, fue el último ejemplo del barroco galante  -en la que se imita  el esperado canto de  un ave  que  anuncia  la  primavera:  el cuco-   siempre  en  las  magníficas transcripciones  de  Áureo Herrero.

Las Variaciones  “sobre un tema de la Flauta Mágica de  Mozart  Op.9”, probablemente las mas perfectamente rematadas y famosas de sus variaciones sobre  temas  de  otros compositores, conformaron la última obra de la primera parte.

  Entreacto, Canción y Seguidilla de la Fantasía de Carmen de G.Bizet fueron las piezas con las que Carlos Díaz abrió la segunda parte de su recital y  que combinan belleza y virtuosísmo, en la transcripción de Wolfgang Lendle.

 Del compositor de origen belga  César Frank  las primorosas  4 Piezas breves   -prácticamente coetáneo del  malogrado   Bizet  –   fueron interpretadas según  pautas “segovianas” en una mas de las siempre acertadas transcripciones de Andrés Segovia.

Andrés Segovia con Joaquín Rodrigo

 Prosiguió  Carlos Díaz  con  la realización de  El álbum de Cecilia,  de Joaquín  Rodrigo,  probablemente el compositor mas importante en España del siglo XX ,  que  agradó mucho  a los presentes.  Transcrita   para   guitarra  – en   una   aparente   pero   engañosa   sencillez  por  su  cercano  colaborador   Pepe  Romero-   es compuesta   originalmente   por   el  maestro  en el piano  para su hija y que ésta interpretó a los 11 años en el Círculo Cultural Medina en 1952, incluye polifonía a dos voces y ritmos muy vivos de gran exigencia técnica.   Se divide en  las siguientes piezas:   -María de los Reyes (sevillana) recreación de la danza flamenca sobre las primeras notas de la escala de Do mayor contrapuestas a una delicada melodía secuencial.  -A la jota (jota de las palomas) otra forma de danza que se caracteriza por un animado ritmo antes de una sentida copla.   -Canción  del  hada  rubia   y -Canción  del  hada  morena, que son dos números contrastantes con una atmósfera lírica lenta la primera para seguir con una pieza de ritmo vigoroso y melodías en staccato y punteadas.  -El negrito Pepo que hace referencia a un animal doméstico de la familia, ofrece un bajo rítmico y una intrincada melodía con una sección central de agitados ritmos, y -Borriquillos  a  Belén (finale) presenta diseños de filigrana y punzantes armonías frente a una imprevisible y caprichosa melodía.

Carlos Díaz interpreta a Joaquín Rodrigo

El animado Fandango titulado graciosamente  ¡Qué buen caminíto!  que   J. Rodrigo   dedicó  a  la  gran  profesora  e   intérprete  América   Martínez   y   que  combina  la técnica  del rasgueado  con efectos de rápidas escalas y series de stravinskianos acordes,  dio  fin  al  recital.

Ofreció de propina la renombrada canción de cuna “Summertime” de G.Gerswhin como agradecimiento al público.    

Carlos Díaz/XVII Festival Áureo Herrero      

.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El  magnífico   Spiral  Trío,  debe  su  formación  al  encuentro  de  sus  jóvenes  componentes  en  Basilea  por  la    coincidencia  en  realizar  sus estudios de Master en sus respectivas especialidades y Música de Cámara.  Antón Kernjak,  su primer  profesor   de música de cámara,  les anima  a proseguir con esta formación  poco habitual consejo que han seguido con éxito hasta el día de hoy.

Spiral Trío en el XVII CICLO AUREO HERRERO 2012
Spiral Trío en el XVII CICLO AUREO HERRERO 2012

´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´

El  Spiral  Trío   está  formado  por   Federico  Bosco   -piano-   Beatriz  Blanco   -cello-  y   Pablo  Barragán   -clarinete-  (sus  impresionantes  curriculums  pueden  ser  visitados  en  aureoherrero.org)  e intenta  buscar  una atmósfera especial basándose  en  la mezcla de colores y  texturas  con la combinación  de  sus instrumentos  que   poseen  un cálido  y  expresivo timbre. 

El concierto  comenzó con  la seductora obra para  clarinete solo de B.Kovacs titulada “Homenaje a Falla”   en la gran versión  de Pablo Barragán.  Federico  Bosco  tocó  una  de  las   obras  pianísticas  emblemáticas  del  repertorio pianístico español continuación, la Fantasía Bética de M. de Falla. También dió cuenta de   su   portentoso   sonido  Beatriz   Blanco   – con  un  violoncello de Lorenzo Storioni (Cremona  1790)-  en Requiebros, de G.Cassadó,   con un  sobresaliente acompañamiento  pianístico,  de  forma homóloga  que  la  siguiente  obra ejecutada por   Federico Bosco  junto  al vivaz clarinete de  Pablo Barragán:  Vals venezolano para clarinete y piano de P. De Rivera. Otro  fantástico  dúo  con  la  obra   para chelo y piano   (B.Blanco y F.Bosco)  “En  el  estilo  de  Albéniz”  del gran compositor  moscovita  Rodión  Schédrin,   muestra  la  fascinación  que ejerce  la  música  española  sobre  el pueblo ruso,   concluyendo así  la primera sección. (Es posible escuchar la ultima obra mencionada en el enlace de abajo.)

https://soundcloud.com/beablanco/r-shchedrin-imitating-alb-niz?utm_source=soundcloud&utm_campaign=share&utm_medium=twitter&utm_content=https://soundcloud.com/beablanco/r-shchedrin-imitating-alb-niz

XVII CICLO 2012 A.HERRERO/ Spiral Trío

El  gran  Trío   para   clarinete, chelo  y  piano  en  la menor  op. 114  de Johannes Brahms (compuesto gracias al encuentro entre éste y otro músico excepcional, el clarinetista  Richard Mühfeld e interpretado  por el propio compositor  en Meiningen  por vez primera)   denota  un  notable  trabajo  de  elaboración   y  cuidado equilibrio  sonoro entre instrumentos siendo muy dispares el chelo y clarinete por sus timbres hetereogéneos y por la forma de producción del sonido pero quedando de enlace complementario el piano, todo ello evidentemente siempre, bajo el magistral prisma brahmsiano.

Spiral Trío dejó la impronta de la música del período romántico en este magnífico y variado concierto, donde sus componentes hicieron gala de su polivalencia y gran interés musical.

.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

XVII CICLO AUREO HERRERO/Jose María Bailo

El estupendo recital de Jose María Bailo incluyó una densa primera parte  compuesta  en el  inicio  con  la interpretación  de  la  siempre melancólica  Fantasía  num. 6 en  Mi menor  Op. 21  <los adioses> de  Fernando Sor. 

La  segunda  obra,  la   monumental  Chaconne  BWV  1004   de  J.S.Bach   ofrecida  en  una  muy  ortodoxa  versión  por  el concertista  concurrió   en  la  Rossiniana  nº 3   de  Mauro  Giuliani,  una virtuosistica y chispeante  pieza  que evocó  los  grandes  éxitos  del  compositor  italiano  en  los  salones   y   jardines  de  la  corte de María Teresa de Habsburgo en Viena.

La Fantasía sobre un tema escocés  Op.40  de  F.Sor abrió la segunda sección, el bello  tema  fue desarrollado a la manera  “sorsiana”, con  el   eficaz   resultado   acostumbrado.   Sueño   (Mazurka),   Lágrima,  Marieta,  Vals  en  Re  Mayor  de   F.  Tárrega,  seguidamente,  dieron  muestra de la dimensión artística del concertista,  pero quizá fué en los  cuatro  preludios  de  M. D. Pujol  (Preludio tristón,  Tristango en vos,  Curda tangueada, Candombe en Mi) donde   Jose María Bailo se encontró  mas  a  gusto. Con la graciosa  obra  Aires de la Mancha  de  F.M.Torroba  (Jeringonza,  Ya llega el invierno,  Coplilla,  La pastora,  La seguidilla)  dió por concluido este consistente recital.

Como regalo final: tema de Lara de la película  Dr. Zhivago (Maurice Jarre)

J.M.Bailo/Festival Áureo Herrero 2012

00000000000000000000000000000000000000000000000000

Charla-Conferencia “La técnica de la Guitarra”

por JOSE MARIA BAILO

00000000000000000000000000000000000000000000000000

Jose María Bailo  comenzó su disertación resaltando  la necesidad de evitar los vicios técnicos en el estudio e interpretación de la guitarra pues  su corrección entraña gran dificultad.

Recomendó el famoso libro de  Abel Carlevaro “Escuela de guitarra”  y mencionó, entre otros, el  de la Técnica de David Rusell en 165 consejos. Tambien aconsejó huir de las verdades absolutas. Otro gran libro para Bailo de reciente publicación es Pumping Nylon de Scott Tenannt.

 Realizar  ejercicios  prácticos  y específicos  de  ambas  manos  por separado y en conjunto, ejercicios de velocidad, escalas y acordes, a modo  de calentamiento.  Encontrar  el  equilibrio  de  los  hombros  con  la  espalda, realizar  ejercicios  de  manos  de  tensión-relajación  y,  en  general,  huir  de  todo  tipo  de  tensiones,  posturales  sobre   todo.  Al  finalizar la sesión,  también  es aconsejable  realizar  ejercicios  de  estiramientos.   Como   actividad  complementaria  sugirió  la  natación.

Jose María Bailo, por último,  afirmó que después de la práctica  la comprensión de un ejercicio pasa por poderlo realizar lentamente.

.

%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%

La gran concentración y elegante estilo de Adalberto María Riva.
La gran concentración y elegante estilo de Adalberto María Riva.

El maravilloso pianista Adalberto María Riva brindó a  la rebosante audiencia de  la sala Áureo Herrero una de esas inolvidables veladas que nos lleva acostumbrando ya desde hace cinco temporadas consecutivas,  cuando tuvimos  el  honor  de  conocerlo.   Comenzó  con  la  Villanella -di anonimo- y Gagliarda -di Vicenzo Galilei-  Da “Antiche danze e arie per liuto” de Ottorino Respighi.

Isoldes Liebes-Tod -Wagner-Liszt

El  Preludio  y  fuga  in si menore (Bach-Liszt)  fué  una nueva muestra del recogimiento gestual pero a la vez refinado estilo de Adalberto María Riva calificado por la crítica especializada de “aristocrático”. En el sin duda culminante momento del romanticismo, la pieza Isoldes Liebestod (muerte de amor de Isolda) se pudo apreciar la gran inspiración de la obra de Wagner tamizada a través del piano de F.Listz, en una de sus transcripciones mas musicales . La animada Marcia militar no. 3 de F.Schubert (Tausig) estimuló a la audiencia de ese momento de ensoñación, para concluir con las grandiosas Variazioni su di un tema de Haendel OP 35 de J.Brahms -24 variaciones y fuga-

  Momento   de  bises  tras   la   gran  ovación recibida:  Ave María  de Schubert.   Nueva   ovación   y   nueva  respuesta  del  intérprete:   Estudio   La Campanella  de Liszt. El público  continúa aplaudiendo   con energía y Adalberto María Riva corresponde  a su petición,   ya como punto final,  con el  sublime aria de Bach,“Jesu maine fraude” (“Jesús, la alegría de los hombres”.)  
.
&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
Pedro Martín en el XVII Ciclo Áureo Herrero
Pedro Martín en el XVII Ciclo Áureo Herrero
………………………………………………………………………………………………………………………….

El concertista de amplia trayectoria Pedro Martín, destacado alumno de  Áureo Herrero,  que  compagina  a  su vez esta  actividad  con  la  plaza  de  profesor  en  el  Conservatorio  Profesional  de  Ciudad  Real  y  que  impartió  el Curso  Internacional  de  Guitarra 2007  dentro  de  este mismo Ciclo  A.Herrero, ofreció  su  recital basado,  según  explicó,  en diversas  vivencias  de  ese  pasado  curso  internacional  dentro  de  este Ciclo  de  conciertos.

En  recuerdo  de  una  joven  alumna  que  practicaba  estas  obras   y  que por motivos profesionales  tuvo que abandonar el estudio de la guitarra,  ofreció  en  primer  lugar  Serenata,   Elogio de las lágrimas  y  La  Pescadora (3  Lieder  de  Franz   Schubert)   y   las  Variaciones  “sur l´air Malbroug” op.28  de Fernando Sor.

Completó  la  primera  sección  con  el  Fandango  variado  op. 16  de  Dionisio Aguado,  una  de  las  composiciones mas  reconocidas  del  compositor  Fuenlabreño  e  inventor  del tripedisono, una vez mas,  en  una  impecable  versión.

PEDRO MARTIN XVII CICLO A.H. 2012
Tres piezas de los viajes de Marco Polo(A.FDEZ.) por PEDRO MARTIN
XVII CICLO A.HERRERO 2012

………………………………………………………………………………………………………………………..

La interesante segunda parte  ofreció  en primer lugar las efectistas  tres  piezas  de  Los  Viajes de Marco Polo   del compositor sevillano Antonio Fernández:  1)Cuando las dos esencias de la naturaleza son claras y brillantes 2) En un claustro taoísta 3) Habiendo subido a un pabellón de varios pisos.

Después la obra Fasic del compositor castellano-manchego Miguel Herreros creó un  clima de misterio, aderezado con fraseos arabescos cercanos al estilo flamenco.

Pedro Martín terminó oficialmente su notabilísimo programa con tres piezas de Astor Piazzola con su característica pulcritud y control de sonido. 1) Verano Porteño -tango- 2)Milonga del Angel -milonga-  3) Primavera Porteña -tango-

Una deliciosa propina para coronar el recital:  Alfonsina y el mar.

00000000000000000000000000000000000000000000000000000

Charla-Conferencia por PEDRO MARTIN:

<<La técnica de la Guitarra del siglo XXI>>(Museo de la Naturaleza-salón de actos-)

00000000000000000000000000000000000000000000000000000

PEDRO MARTIN-La técnica de la guitara del siglo XXI
Conferencia “La técnica de la guitarra del siglo XXI” por PEDRO MARTIN
XVII CICLO ÁUREO HERRERO

———————————————————————————————————————————–

Pedro Martín  comenzó su exposición  comentando el  rechazo que produce el “montaje” de una pieza de música contemporánea al ser inicialmente   duro  y  mencionó  en  una   comparativa de  épocas la similitud entre el Preludio  de J.S.Bach -de la serie  preludio fuga y allegro- y el estudio nº 1 de Brouwer (enunció la frase de Mozart de que la música está entre las notas)

La repetición va haciendo que la música, si tiene calidad,  nos vaya resultado mas admisible hasta poder llegar a cautivarnos.

El amplísimo abanico de posibilidades tímbricas hace de la guitarra uno  de  los  instrumentos  mas  atractivos para  los  compositores  actuales, que incluso en las manos de diferentes intérpretes cambia su timbre.

Tecnica de la guitarra en el S.XXI por PEDRO MARTIN

Pizzicato,   armónicos  naturales  y  artificiales,   golpes  en  la tapa  y aros,  pizzicato bártok,  vibratos,  rasgueos,  cambios de afinación  de  cuerdas, etc,  son  técnicas  ineludibles  para  la  interpretación  de  la música contemporánea  que se deben conocer.  Puso  como ejemplo  Paisaje Cubano  con Rumba  de Brouwer en  donde se introduce  una cerilla  entre las cuerdas  o  tiras de papel  para simular  el sonido  del  chequeré  o  las  maracas, instrumentos  de  percusión de  origen afrocubano (guitarra  preparada).

Hasta  el  año  1920   no  existían   compositores  no  guitarristas  que   hubieran escrito para guitarra,  la  obra Homenaje  a  Debussy  de  M. de Falla  fue  el primer embrión  -compuesta a petición de Andrés Segovia-  de  la  composición de compositores no guitarristas para guitarra  de nuestros días.

Debemos tener en cuenta que interpretan música contemporánea, e  influyen  decisivamente   en   su  difusión  y  evolución,  todos  los  grandes  guitarrístas.

Pedro  Martín   aconsejó  tocar  música  contemporánea  para  guitarra  aunque  solo  sea  por divertimento.

.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Trío Paderewski formado por  Catherina Lemoni -piano- Francesco Bartoletti -violoncello- y David O´Doherty -violín-  ofreció un espléndido concierto en el   Salón Áureo Herrero que inició con el precioso Trío Círculo  (Amanecer-Mediodía-Crepúsculo) de Joaquín Turina, compositor que posee mas y mejor música de cámara de su generación y que contribuyó enormemente al despegue de la música española a nivel internacional.

El Trío Paderewski en el XVII ciclo Áureo Herrero
El Trío Paderewski en el XVII ciclo Áureo Herrero

.

Del compositor checo Leos Janacek, Catherina Lemoni acompañó a Francesco Bartoletti en  Pohadka, una obra  a caballo entre la tradición clásico-romántica y la vanguardia musical de la época.

Francesco Bartoletti en Prohadka
Francesco Bartoletti en Pohadka

.

Caterina Lemoni,  premiadísima solista internacional,  interpretó después una pieza de las posiblemente mas difíciles e importantes escritas para piano en el siglo XX:  Triana de Isaac Albéniz.

XVII CICLO 2012 A.H./ Catherina Lemoni

El  fabuloso violinísta  David  O´Doherty  también ofreció otra gran obra virtuosística española y  no escuchada antes en este auditorio: Aires Gitanos de Pablo Sarasate, con la que arrancó a su finalización una gran ovación de los asistentes.

David O´Doherty interpreta Aires Gitanos de P.Sarasate
David O´Doherty interpreta Aires Gitanos de P.Sarasate

.

En la  segunda  parte  del  programa el  Trío  Paderewski  tocó el Trío en Re menor con piano de Félix  Mendelssohn calificado   por   Robert  Schumann   como   “el  trío  magistral  de  nuestra  época”.  Es una obra  alegre,  exhuberante y exquisita en la que predomina la parte del piano, pero siempre manteniendo el equilibrio instrumental. (Ante el gran reconocimiento del público el Trío Paderewski interpretó nuevamente a modo de cierre el Scherzo.) Se divide en los siguientes movimientos: l) Molto Allegro e agitato. II) Andante con moto tranquilo. III) Scherzo.Leggiero e vivace. IV) Finale. Allegro assai appasionato.

Trío en Re menor-Mendelssohn por el Trío Paderewski
Trío en Re menor-Mendelssohn por el Trío Paderewski

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En   otra   memorable   jornada   el   gran   guitarrísta   internacional  Antonio  Domínguez Buitrago  interpretó junto al Trío Paderewski obras de su autoría y de otros compositores. La primera obra, el Terzetto en cuatro movimientos   de  N. Paganini  (guitarra-violín-chelo)   fué   muy  aplaudido por el auditorio.  Luego,  los   mismos  intérpretes ejecutaron la  Fantasía  Op. 7  de  Domínguez,   obra  en  un  lenguaje  moderno  que  juega hipnóticamente con nuestro estado de ánimo llevándolo a través de un imaginario de  “nubes y claros.” (Recientemente en su faceta de compositor, Domínguez ha estrenado su concierto para flauta de pan y orquesta en la localidad de San Petesburgo con la State Orchestra St Petesburg  Hermitage  Kamerata con Michel Tirabosco como solísta.

A.Dguez,D.o´Doherty y F.Bartoletti tocan Fantasia Op 7 de A.Domínguez
A.Dguez,D.O´Doherty y F.Bartoletti tocan Fantasia Op 7 de A.Domínguez

.

http://www.youtube.com/watch?v=bhC0w5Qrw6s   (pinchar enlace para visionar la obra)

.

Interpretó Antonio Domínguez seguidamente una soberbia versión del  Capricho  Diabólico  “homenaje  a Paganini”   del  gran   Mario Castelnuovo-Tedesco,  a modo de interludio.

XVII CICLO 2012 A.H./ANTONIO DOMINGUEZ

David O´Doherty  demostró  nuevamente  sus dotes virtuosísticas  e  interpretativas con el  Rondó de N.Paganini  (La Campanella)  del concierto  num. 2  OP 7   acompañado  por Antonio Domínguez y miembros del Trío Paderewski.

XVII CICLO 2012 A.H./ David O´Doherty

Asimismo, Catherina Lemoni interpretó una efectista obra compuesta por su profesor el reconocido pianísta y pedagogo Christian Favre, de difícil memorización al pertenecer a un lenguaje  atonal al estilo  Schoenbergiano.

XVII CICLO 2012 A.H./Catherina Lemoni

La preciosa obra de Raymond Vauterin en estreno mundial,  el Trío  pour guitare,  violon  et violoncello,  dividida en sus tres secciones  (Resoulement  /Sereinement  /Farandole)  cerró esta apasionante jornada.

XVII CICLO 2012 A.H./Trío pour guitare-viiolon-chello de Raymond Vauterin por A.Dguez-D.O´Doherty-F.Bartoletti

Raymond Vauterin felicita a Antonio Dominguez y David O´Doherty en el estreno de su Trío pour guitare,violon et violonchelo.
El compositor Raymond Vauterin felicita a Antonio Dominguez y David O´Doherty en el estreno de su Trío pour guitare,violon et violonchelo.
.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Vista longitudinal de la nave central
Vista longitudinal de la nave central

………………………………………………………………………………………………………….

Por segundo año consecutivo  nos desplazamos a la  arcana localidad de Fontiveros, cuna del poeta místico  S. Juan de la Cruz. La Parroquia  de San Cipriano considerada la mayor iglesia de estilo mudéjar de la zona y monumento declarado bien cultural del patrimonio español,  donde se encuentra el maravilloso órgano castellano del S.XVIII, construido por Pedro Llañeza en 1779 y restaurado por Joaquín Lois en 1991. Tiene una preciosa caja con cinco calles escalonadas para los tubos con motivos rococós dorados y tiene un único teclado de 45 notas con octava corta y un pedal de 8 pistas, con 10 registros en la mano izquierda y 13 en la derecha.

Detalle de la bóveda en crucería.
Detalle de la bóveda en crucería.

  El fagot, instrumento interviniente también de este concierto, es un tubo ligeramente cónico, con una longitud total de 2,60 metros que en la práctica se reduzca a un instrumento de 1,40 metros al utilizar dos tubos. Consta de cinco elementos construidos cuatro de ellos en madera y uno en metal: -cuerpo pequeño(tudelero) -cuerpo grande(tubo bajo) -culata(pieza que une ambos tubos) -pabellón o campana -tudel de cobre con la doble lengüeta.  En ambos cuerpos están los orificios, llaves y anillas. 

La  fagotista  Cristina  García  Casado  junto  al  organista  David  López  Peláez (ver sus curriculums en aureoherrero.org), ofrecieron un precioso concierto barroco acorde con las características de este tipo de órgano de afinación mesotónica (de tonos medios) y con obras transcritas por los propios intérpretes.

Vista oblícua con artesonado y órgano.
Vista oblícua con artesonado y órgano.

.

La luminosa música del veneciano Antonio Vivaldi fue la obra preliminar con la Sonata para violoncello y continuo en Si bemol mayor clasificada por expertos de obra maestra.

Cristina García Casado y David López Peláez/XVII C.AUREO HERRERO interpretan A.Vivaldi y B.Marcello
Cristina García Casado y David López Peláez/XVII C.AUREO HERRERO interpretan A.Vivaldi y B.Marcello

.

De otro veneciano, Benedeto Marcello, ofrecieron su sonata para cello y continuo en Fa mayor  -siempre en transcripción-.  Su música  se caracteriza por la gran imaginación, contrapunto y elementos galantes, además de para resaltar el volumen sonoro de la fagotista.

.

David López Peláez/XVII C.AUREO HERREROComo entreacto David López interpretó dos piezas de Tomás Luis de Victoria.

David López y Cristina García/XVII C.AUREO HERRERO

Con la transcripción de la Sonata para cello y continuo en Sol menor de Benedetto Marcello que cautivó a los asistencias por su dulce sensibilidad y ternura, Cristina García Casado y David López Peláez terminaron este magnífico concierto barroco que el público agradeció con unos largos aplausos. 

Concierto órgano y fagot/XVII C.AUREO HERRERO

                                    Para consultar otras actuaciones e intérpretes visitar aureoherrero.org  sección Ciclo de Conciertos XVII Edición.

 

 

 

ROMANCE por Julián Arribas


 
Yendo para San Bartolo
tenemos nostros un río
llamado de la Gaznata
que divide los baldíos.
  La Gaznata - Valle de Iruelas - El Barraco (Ávila) por Paquito Navandri                  

Unos eran para leña
estaban llenos de pinos
que el señor Mendizábal
puso fin a su destino.
Hoy abundan los enebros
y los pastos nutrítivos,
de vez en cuando encontramos 
los olorosos tomillos
y por lo menos dos veces
cantos con multiples signos
y la cabeza de un asno
que está en el primer pico,
otras cabezas famosas
la Redonda y la Pinillo.
 Los otros para garbanzos
y también para el trigo.
Son Cagulas, Jinojuelo,
el de Cabeza Carrillo 
o baldio de Juncarejo 
su nombre mas conocido. 
Otro justo a su lado
se me quedó en el olvido.
—————————-
 Hubo un gran robledal 
del que queda algún testigo, 
también queda un madroño
entre peñas escondido, 
suya fue la salvación 
estando encima del risco. 
Desemboca en el alberche 
a la altura del Burguillo, 
las tierras que el recorre 
por su nombre las decimos. 
Se pasa de un lado a otro 
por el puente del Visillo, 
además de otros puentes 
mas modernos y mas chicos. 
———————————-
Hubo en otros tiempos 
en sus riveras molinos, 
uno junto a ese puente 
que el nombre ya se ha dicho. 
Su desaparición se debe 
a algunos de sus caprichos, 
de este rio tan corto,
original y sencillo, 
muy discreto de costumbre 
a veces enfurecido, 
buen caudal en Primavera 
y reseco en el Estio. 
 Tiene sitios con leyendas, 
una en Santo Domingo 
que una comida de bodas 
dejó al pueblo sin vecinos, 
pues cayó una salamandra 
en la caldera del guiso, 
envenenandose todos, 
salvo una, según se ha dicho.
——————————–
 Se repartieron sus tierras 
entre varios municipios, 
entre ellos El Barraco 
que se llevó un buen pellizco 
del pueblo La Torrecilla; 
del templo queda un poquito, 
las tumbas desperdigadas 
y peanas sin oficio, 
algunos restos de casas 
del pueblo ya extinguido. 
En el centro un moral 
no muy lejos del camino. 
 Y siguiendo la corriente
a la que se unen hilos 
de agua como el cristal
de arroyos entre cerrillos, 
donde aovan las bogas 
cuando se termina el frio . 
Quedan tan pocas de ellas 
que son ahora vestigio. 
Sirvanos de lección
y no hacer tal desatino 
que introducir fauna ajena 
causa grandes perjuicios.
——————————
Donde abunda el matorral 
de escaramujos y espinos
que protejen y allí crian 
a pájaros y otros bichos, 
discretos como tortugas, 
lagartos y ofidios, … 
bullangueros parlanchines 
como cantarines mirlos, 
rapaces de buen tamaño 
que patrullan con sigilo, 
culebreras, impreriales, …, 
y chicas de vuelo fijo, 
como el gracioso cernícalo 
en el aire suspendido, 
limpiandonos el campo 
de ratones y topillos, 
perdices y codornices 
son su plato favorito. 
Zancudas de patas largas 
y un afilado pico, 
las cigüeñas y las grullas 
o los herones cenizos, 
los jilgueros y palmípedas 
de colores variopintos. 
———————————
 En subsuelo las minas 
con el filón medio rico,
la mina de Maja el Buey 
en un sitio conocido. 
Y ya casi terminando 
ya me acuerdo, ya me vino 
el nombre de Arrelobos 
que es arroyo y es baldío. 
 Entre Arrelobos está 
y el cerro de tio Comino 
el vallejo del Serval 
un barranco muy distinto, 
en el bajo hace calor, 
en el alto mucho frio , 
de herrenes de pan llevar 
y contornos con estilo. 
 Dando para abajo un salto 
caemos en el Ejido, 
despoblado y pocos restos 
pero con recuerdos vivos. 
 Entre riscos y retamas 
termina su recorrido. 
 ¿De donde viene el nombre 
de este original rio? 

J A T 2011

Creéis que existen las “castas” de instrumentos musicales?

cuarteto

Algunos psicólogos afirman que entre los músicos existen categorías dependiendo de su instrumento, aristocracia, nobleza, plebe y proletariado; así por ejemplo y  grosso modo, el órgano sería el Emperador, el piano sería el Rey, los violines y chelos los Príncipes , el viento madera y metal la pleble, los contrabajos y la guitarra el proletariado y así sucesivamente. Tal vez la explicación esté detrás la historia de cada instrumento y los ambientes en los que se ha ido desarrollando. Si eres músico: ¿te sientes involucrado en está división? ¿en qué categoría te encuadrarías? o por el contrario; ¿piensas que no son mas que falsos prejuicios pasados de moda?

Humpback Whale
¡mójate y no te escabúllas!

DECIMOSEXTO CICLO ÁUREO HERRERO 2011: NOTORIO COLOFÓN GUITARRÍSTICO


Javier Maíz deleitó a la muy experta audiencia del precioso pueblo de El Barraco en este final guitarrístico de un intenso XVI Ciclo Áureo Herrero celebrado en las fechas entre el día 15 de agosto de 2011 al 11 de septiembre del mismo año en la citada localidad y Fontiveros, ambas abulenses y en el que participaron insuperables intérpretes no solo de este instrumento, sino de violín, flauta, piano, canto, órgano -(concierto celebrado en el maravilloso órgano barroco de Fontiveros) y percusión, tanto solísticamente como en música de cámara e incluso dos estupendos conjuntos corales.
Dejando a un lado su mejor vena flamenca, el versátil ejecutante interpretó primeramente un  preludio de S.L.Weiss, 3 piezas clásico-románticas de Molino, Giuliani y Carcassi, el  vals Dolores de E.Waldteufel/Fortea, Idilio-la frontera de Dios- de Sáinz de la Maza y Yesterday de McCartney/G.del Rey con el beneplácito de los oyentes.
detalle La Mort/T.Marco por Javier Maíz
A renglón seguido, el bolero “Bésame mucho” de C.Velázquez nos traslado a la música mas popular en una acertada transcripción del propio Maíz para después cruzar al extremo musical opuesto, como muestra de música de vanguardia, con la interesante pieza La Mort de la serie de 22 piezas en las que se exploran los recursos de las seis cuerdas, Tarots de Tomás Marco  (compositor madrileño alumno de Maderna, Ligeti, Stockhausenn y Boulez)  siendo ésta,  el contrapunto a su heterogénea actuación.


En la segunda parte Carlos Manuel Díaz hizo su aparición con seis celebradas piezas de G.Gershwin: Swanee, The man I love, Fascinating rithm, I love you Porgy -de la ópera Porgy and Bess-, la exquisita Summertime -de la ópera igualmente- y I got rithm (auténtico “standard”-patrón- de las piezas de jazz que utiliza cuatro de las cinco notas de la escala pentatónica e inaguró la nueva forma de composición llamada contrafact, que facilita la improvisación.)


A continuación las laboriosas transcripciones de El amor brujo -ballet de D.Manuel de Falla- por Emilio Pujol, Canción del pescador y Canción del fuego fatuo encandilaron a la audiencia dando paso a la rotunda farruca de la Danza del Molinero en transcripción de S.Behrend, que fué muy del gusto del respetable.
La bonita Danza del Corregidor asímismo, de El Sombrero de tres picos (ballet de acertada amalgama de danza, drama y ambientación que triunfó inmediatamente en su estreno en Londres y que refleja con simpatía la burguesía de la Andalucía rural) puso el punto y final como reconocimiento a los ritmos y sofisticación de armonías españolas y andaluzas de nuestro probablemente mas grande compositor del S.XX.




&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Uno de los conciertos mas sorprendentes del XVI CICLO A.HERRERO quizá halla sido el realizado en el maravilloso órgano barroco de la gran iglesia mudéjar de S.Cipriano en el pueblo de Fontiveros. Mereció la pena recorrer los 7O km de distancia entre estas localidades bajo una recia tormenta de verano para que nuestros oídos fueran seducidos con sus maravillosos registros.

El excelente organista David López Peláez alternó obras de reconocidos autores foráneos con otras de compositores españoles menos nombrados pero posiblemente de igual o mayor interés, con enorme éxito. La Estampie II ó danza rápida medieval del Codex Robertsbridge en una lucida versión del propio organista dió paso a las líricas pero de arcaicas armonías ballades III y IV de G.de Machaut. O Vos Omnes fué el tributo a T.L.de Victoria en la conmemoración del cuarto centenario de su fallecimiento. Tiento del primer tono del aragonés Andrés de Sola (S.XVIII) y de J.Ockeghem de la escuela franco-flamenca, D,ung Aultre Mer.

Avanzando en el programa, De Pablo Bruna ofreció el tiento de mano derecha del primer tono, obra de gran profundidad armónica y brillantez notable y Ein Feste Burg obra del menor de los veinte hijos de J.S.Bach, Johann Christian. Prosiguió con el Tiento en tercio a modo de Italia de J.B.Cabanilles, escrito para voz solísta y que comienza con una danza italiana y termina con una improvisación libre y virtuosa. El Kirie de la Misa de L´homme Armé de Ockeghem, última obra interpretada es también una interpretación libre de la obra originalmente escrita para coro a cuatro voces y que tiene un carácter profundo y solemne.



CONCIERTO INAGURAL XVI CICLO AUREO HERRERO

Pero retrotrayéndonos en el tiempo, el XVI CICLO FESTIVAL ÁUREO HERRERO comenzó con un exultante ROBERTO MORÓN PÉREZ en un conmovedor concierto que será largamente recordado. La impecable factura del Aria de la Frescobalda dió paso a las bonitas piezas del compositor inglés S.Dogson de la serie Ode to the guitar en un lenguaje actual pleno. Merlín, siguiente obra interpretada del mismo compositor, dió la medida de hasta dónde puede llegar la heróica y la poética unidas, posiblemente de las mas interesantes de nuestro tiempo. Con tres virtuosísticos Caprichos de L.Legnani cerró la primera parte.

La Fantasía Elegíaca op. 59 de F.Sor que escribió con motivo del triste fallecimiento de su hija, fué la obra con la que comenzó la segunda sección siendo bellísimamente interpretada. Cádiz y Asturias dieron nuevamente cuenta de la inspiración de la música de I.Albéniz posiblemente pensada para la guitarra. Roberto Morón terminó su magnifico recital con La Catedral de A.Barrios Mangoré en sus tres secciones: Preludio/Andante Religioso/Allegro Solemne demostrando nuevamente su prometedor futuro.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Volviéndo a conciertos agradablemente sorprendentes, dentro de este magnífico y extenso XVI ciclo de conciertos AUREO HERRERO, podemos hablar del de percusión dado por Luis Guzmán y Rodrigo de la Calle (dúo de marimbas y percusión) ganadores de multitud de premios y que cuenta con grandes colaboraciones con otros músicos.

Alborada del gracioso de M.Ravel pieza de técnica desafiante sobre motivos españoles, fué la primera obra ejecutada con la especial tímbrica de las marimbas. Del frecuentemente programado compositor y marimbista Serbio N.J.Zivkovic, interpretaron Ultimatum II dando muestras de musica de vanguardia actual de auténtica calidad.

La monumental obra Octabones por dimensión y espectacularidad compuesta por el israelí Adi Morag, nos hizo amar la música de marimba no solo por su dramatismo y virtuosidad sino también por su belleza plástica al recordárnos en algunos momentos una especie de lucha de esgrima entre los ejecutantes.

La Tango suite de Piazzola y las Danzas Rumanas de B.Bartók redondearon esta eminente actuación del Luis Guzmán de los Ríos y Rodrigo de la Calle.

EL Presidente de la Asociac. Cultural A.Herrero, J.Tafur, introduce y presenta la conferencia matinal “Actualidad de Andrés Segovia” dada por Piero Bonaguri.

P. Bonaguri impartió una conferencia sobre la “Actualidad de Andrés de Segovia” que 25 años desde su fallecimiento parece haberse sumido en un extraño olvido en la comunidad guitarrística. El Maestro Bonaguri dió una respuesta personal a la pregunta de si existen razones para reconocer la importancia de su figura y enseñanzas.
Andrés Segovia decía que el buen maestro debe ayudar al alumno a encontrar “el fuego sagrado” de la interpretación; esto quiere decir evitar la crisis de identidad interpretativa por imitación buscando un camino propio.

Resumen de las ideas de A.Segovia:
Proyectos grandes (Chacona,Schumann,etc) -el instrumento mas bello necesita el mejor repertorio.-
Escuchar siempre a otros musicos.
Nunca abandonar la música.
La guitarra es vínculo de cultura.
Tocar para ganar corazones, no alabanzas.
La guitarra necesita musica de compositores universales.
Arriesgar siempre hasta el final. (Existen algunos músicos que evalúan desde sus “tribunas” sin crear experiencias musicales – situándose consiguientemente por encima de los demás-


Por otro lado comentó la necesaria ayuda que se debe dar al público para la difusión de la escucha musical y resaltar igualmente la infinita variedad de colores de la guitarra que debe ser aprovechada mediante la práctica de una técnica determinada, cada sonido puede tener su personalidad.
Por último el Maestro Bonaguri refirió la observación del gran Charles Rosen sobre que sólo dos Sonatas para piano de Beethoven fueron tocadas en un teatro, las otras treinta fueron concebidas en su cabeza. No se puede interpretar igual para pocas que para muchas personas.

CONCIERTO en la SALA ÁUREO HERRERO (21 h.)
Piero Bonaguri nuevamente demostró la increíble coloratura de su guitarra en su concierto intitulado “música escrita por compositores no guitarrístas para guitarrístas”.

En la Barcarola y Danza Pompososa de Tansmann recordámos auténticos ecos “Segovianos” así como obviamente en la Tonadilla sobre el nombre de Segovia de M.C.Tedesco.
Con los dos Fandanguillos de Torroba y Turina, este último interpretado en un inusual tempo tranquilo y el Fandango de Rodrigo nos mantuvo dentro de una atmosfera genuinamente española así como en el impresionista Homenaje a Debussy de D. Manuel de Falla, primera pieza moderna escrita para guitarra por un compositor no guitarrista. Con las preciosas Tres canciones populares mexicanas de M.M.Ponce cerró la primera parte.
La segunda sección constó de obras de compositores italianos del período de 1930-1955: Preludio de Fra Cassio Da Velletri, Trecate: Scherzo-Studio de Luigi Ferrari, Due Preludi da La Serra de Mario Barbieri e Improviso de Ettore Desderi.

Como contribución al repertorio contemporáneo (música dedica al Maestro Bonaguri) interpretó Tres Sudietti de P.Ugoletti, Stay quiet de J.Phelan y Frammento da Memoria de G.Capelli, las tres en primera audición-estreno- en España.

Joaquín Tafur, responsable del CICLO AUREO HERRERO, prologa la conferencia sobre la técnica de la guitarra contemporánea efectuada por Arturo Tallini.

TECNICA DE LA GUITARRA CONTEMPORANEA por A.TALLINI museo de la Naturaleza 12h y CONCIERTO sala A.HERRERO 21H

XVI CICLO A.HERRERO/ La técnica de la guit.contemporánea por ARTURO TALIINI
El Maestro Tallini comenzó resaltando que la interpretación de cualquier estilo de música en el momento presente -barroca, medieval, romántica- la hace contemporánea. Acostumbramos a “etiquetar” la música y esto no es demasiado favorable, nos crea prejuicios, deberíamos ser capaces de escuchar para luego poder emitir opiniones. Por ejemplo los niños siempre están dispuestos a escuchar cualquier música. Buscamos explicarlo todo, tal vez en arte no se pueda.

Las guerras mundiales han cambiado totalmente la concepción de la música, haciendo necesaria la búsqueda de nuevos lenguajes. La obra 4,33 de J.Cage fué pensada sobre la deflagración de Hiroshima, la suma de los 4 minutos mas 33 sg -273 sg en total- traducidos a grados Farenheit simbolizan que la vida no es posible, su silencio trata de la incomunicación humana.
Arturo Tallini afirmó su necesidad personal de trabajar sobre compositores de verdadera altura musical (p.e. Mozart sobre Sor ó Giulani) y refirió la aversión de algunos músicos a intentar comprender la música contemporánea.

CONCIERTO en la Sala AUREO HERRERO 21 h.
Impresionó nuevamente Arturo Tallini a la avezada audiencia de la Sala Aureo Herrero con su particular versión de la guitarra contemporánea.
Con Maknongann de G.Scelsi recreó un ambiente cósmico sobre registros graves en su versión para guitarra sola. Después la cinematográfica Traces para guitarra y audio track de A. Bartezki suscitó una atmósfera fantasmagórica utilizando como curiosos accesorios una tarjeta de crédito y un cepillo de uñas.

Colocando la guitarra a modo de violonchelo, el innovador intérprete glosó Clapping music (musica dando palmas,originalmente para dos palmeros y en la que cada mano del guitarrísta efectúa un ritmo diferente percutiendo con cada mano) del minimalista Steve Reich, en su atípica versión.
La obra original de G. Scelsi Ko-Tha dos danzas de vida y muerte fueron interpretadas sobre una guitarra preparada por el propio Tallini (Scelsiguitar) especialmente para ser tratada íntegramente como instrumento de percusión a la manera hindú (sobre suelo).

En la segunda parte la Serenata per un satellite de Bruno Maderna abrió la sección.A continuación, la polémica y sorprendente 4¨33¨¨ de John Cage creó una gran tensión en contra de lo esperado, pensada por el compositor sobre el tema de la incomunicación humana y en la que el intérprete representó cada uno de los tres movimiento con sendos cambios de posturales y de expresión.


La última obra dentro del programa: Ciaccona en re menor de J.S. resuelta sobre unos preciosos adornos barrocos. Fuera de programa: Estrellita de Ponce, en una preciosa ejecución, “Fuoco” 3er. Moviento de la sonata Libra de R.Dyens de gran virtuosísmo e, Improvisación, del propio A.Tallini que causó un sentimiento de gran admiración en la sala.

Conmemoración Bicentenario nacimiento de Franz Liszt por ADALBERTO MARIA RIVA


Todas las obras interpretadas compuestas por Liszt son una selección en homenaje a Italia que este año 2011 celebra los 150 años de su fundación como estado moderno. Este concierto ha sido deliberadamente inspirado en el arte y la cultura italiana por Adalberto M.Riva sobre los Anneés de Pèlerinage, libros 2 (titulado segundo año:Italia) y 3 (titulado,tercer año)

ALLA CAPELLA SISTINA. Es una composición de gran efecto dramático que mezcla partes del miserere de Antonio Allegri con el AveVerum de Mozart con gran frescura.

APRÈS UNE LECTURE DE DANTE, FANTASIA QUASI SONATA. Esta obra en cinco movimientos comienza en lóbregos acordes menores que se tornan trágicos en su inicio para pasar a una sección ligera de gran virtuosísmo volviéndo a cambiar a enérgica y termina con un trémolo simulando campanas, y en momentos nos ofrece unos bellísimos e imposibles pianísimos como muestra de la multiplicidad y poliedricidad del arte y la personalidad de Liszt.
TRES SONETTI DEL PETRARCA: BENEDETTO SIA´L GIORNO E´L MESE EL ÁNNO- PACE NON TROVO E NON HO A FAR GUERRA- I´VIDI IN TERRA ANGELICI COSTUMI. Piezas inspiradas tras la lectura de textos de Petrarca.

LEGGENDA n.2. S.FRANCESCO DI PAOLA. Esta virtuosística obra adquiere auténtica monumentalidad en las manos de Adalberto María Riva que desde un tranquilo comienzo nos va llevando imaginariamente a ese increíble milagro del caminar sobre las aguas del hermitaño San Francisco de Paula. La energía de la efectísta pieza nos es comunicada in crescendo hasta su romántico declive con auténtica efectividad por el intérprete.
RIGOLETTO, parafrasi da concerto sobre la famosa ópera de G.Verdi.
Con tres maravillosas propinas, Ave María de Gounod, transcripción del 24 de Paganini y una petición, Reverie de Schumann, dió por concluida su sobrecogedora actuación.

;&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Un nuevo registro efectuado en este extenso XVI CICLO DE CONCIERTOS HOMENAJE A.HERRERO fué el efectuado por el Coro AMICUS MEUS bajo la experta batuta de su Director Gustavo Sánchez López, graduado en la clase de Dirección de Orquesta del Conservatorio en Viena con los profesores Reinhard Schwarz y Georg Mark, entre otros logros de su curriculum.

Se interpretaron sin solución de continuidad y en obligado año conmemorativo de los 400 años del nacimiento del músico abulense mas universal, Tomás Luis de Victoria, tres obras:
POPULE MEUS – AMICUS MEUS – GAUDENT IN COELIS / De Pier Luigi da Palestrina, maestro de Victoria durante su estancia en Roma, ECCE QUOMODO / Del poco conocido pero muy interesante J.M.Haydn TENEBRAE FACT EST./ El JUBILATE de Mozart y LOCUS ISTE de Bruckner. Una obra mas de J.M.Haydn, ASPERGES ME./ DONNA NOBIS de Mozart / REGINA COELI de Lotti / ALELUYA de R.Balistreri (anterior director de la formación abulense)/ GLORIA PATRI de J.Domínguez / y como final un vibrante Himno del Barraco de Áureo Herrero.

Fuera de programa y en los aledaños de la preciosa Iglesia de la Asunción se interpretaron las solicitadas propinas por el público: Cantares de Serrat y Canto a Castilla.

DUO GUINJOAN

DUO GUINJOAN - XVI CICLO A.HERRERO
Formado por Zurine Pérez Aransaez (clarinete) y María Jesús Egido (piano) dan el nombre del dúo en honor al conocido compositor Joan Guinjoan que cuenta en su haber con multitud de premios nacionales e internacionales y con el que trabajaron su Fantasía para esta formación. El dúo se formó en el año 2008 después de haber participado ambas en otros grupos de cámara. Poseen un amplio repertorio de todas las épocas y estilos pero especialmente de compositores españoles contemporáneos.

En la primera parte interpretaron “Meditación” del compositor catalán Josep Mª Ruera.
La magnífica Sonata nº1 de Brahms en Fa menor dejó constancia de la solidez del dúo en su cuatro densos movimientos.
Con la Fantasia para clarinete y piano de Joan Guinjoan el dúo inició la segunda sección con un lenguaje musical actual y que culminó en las melancólicas “Five Bagatelles” de Gerald Finzi, compositor inglés conocido por su gran imaginario musical. (I.Prelude II.Romance III.Carol IV.Forlana V.Fughetta) Las cuatro primeras bagatelas desembocan en una virtuosística Fughetta, que da tanta importancia al piano como al clarinete, así como en el resto de la obra, interpretada con gran maestría por este magnífico dúo.


Las portentosas manos de Antonio Dominguez volvieron a recordarnos las maravillas del repertorio Segoviano y su sutil variedad tímbrica. Suite en la -in the style of Weiss- en sus cinco piezas de M.M.Ponce supuso el incio del concierto. El “Omaggio a Paganini” Capriccio Diabólico de M.C.Tedesco sacó a relucir su gran virtuosismo y maestría.

La segunda sección con las 5 piezas características de F.M.Torroba hicieron las delicias de los presentes, para finalizar con el Rondó brillante de Dionisio Aguado en la guitarra de este intérprete al que siempre es un auténtico placer escuchar.

CORAL de ALCOBENDAS/ Fernando Terán-dirección- XVI ciclo A.HERRERO

Coral de Alcobendas/ Director Fernando Terán/ El Barraco 2011
El experto director bonaerense Fernando Terán dejó una magnífica muestra de su saber hacer con este concierto en el que se interpretaron obras de Bruckner, Rachmaninoff, Cassals, T.L.de Victoria, Ingenieri, Alcaraz, Bardos, Moruja, Moolfino, Durublé, Wesly, Parry, Debsky, Nanfred -ampliación de datos en aureoherrero.org sección ciclo de conciertos-


Un impactante comienzo en las dos primeras obras interpretados con el despliege longitudinal de la coral en la Iglesia de Ntra. Sra. de la Asunción provocó preciosas sensaciones auditivas entre el público asistente, que no pudo dejar de corresponder al final del concierto, puesto en pie, con una cerrada ovación.

Otros conciertos e intérpretes consultar en aureoherrero.org sección Ciclo de Conciertos (XVI CICLO)

 

Critica personal CD guitar recital ANABEL MONTESINOS First Prize 2010 Michele Pittaluga Guitar Competition, Alessandria

,
&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
La acertada selección de obras hacen muy atractivo este cd por reunir diversos e importantes estilos de musica española a veces denostados por algunos intérpretes foráneos quizá ante su incapacidad de comprensión-de orígen humilde es enormemente impulsada por los compositores españoles hasta alcanzar reconocimiento mundial-. Este recital es recomendable a estudiantes de guitarra, profesionales ó público en general, aparte del valor intrínseco de la interpretación y bello sonido de la siempre en alza, Montesinos. La joven pero ya experimentada artísta ganadora de cantidad de concursos internacionales y gran concertísta ha paseado el nombre de España por Francia, Italia, Polonia, Austria, Suecia, Estados Unidos y ha sido acompañada por orquestas como las Filarmónicas de Moscú, Monterrey y Madrid e invitada a nivel mundial en homenajes y festivales, culminando su exitosa carrera el año pasado con su concierto en el Carnagie Hall donde recibió la ovación del publico puesto en pie.

La primera impresión que sorprende en la escucha del cd. en los primeros compases es la extrema habilidad técnica de la intérprete en el comienzo (vivace molto) sensación atenuada en los siguientes Valses poéticos de E.Granados en favor de la expresividad anotada por el compositor (nostalgia, elegancia, humor) hasta el regreso como final a la serena coda, aunque es una pena hallan quedado valses en el tintero de la transcripción de Montesinos.
En la Tonadilla de la Maja de Goya en la que alcanza una interpretación notable, Montesinos está inspirada y alcanza una gran cota de musicalidad y mesura en una igualmente feliz transcripción propia.

La preciosa Danza del Corregidor de M. de Falla es posiblemente la mejor versión que he escuchado hasta la fecha en el magnífico arreglo de S.Behrend, arriesgado compositor para su interpretación en guitarra. En cuanto a las Tres canciones catalanas podemos decir que Montesinos saca su “añoranza catalana” y notamos que verdaderamente las siente, expresa profundamente la música de M.Llobet.

En las siguientes Tres piezas españolas impecablemente facturadas, tras el bien ritmado Fandango, la intérprete sorprende en el Passacaglia nuevamente con unas rapidísimas y virtuosísticas escalas. El también acertado tempo del Zapateado nos permite deleitarnos en la musica de Rodrigo sin temor al sobresalto. Quizá se eche en falta en algún momento un sonido algo mas contundente para esta música bravía, si bien esto queda compensado por algún precioso y sorprendente matiz.

Si bien como todas las piezas de este cd están perfectamente pergeñadas, las coplas de M.L.Quiroga en los preciosos arreglos de C.Trepat quizá sean las menos logradas estilísticamente, no producen la debida sensación de arrebato, ímpetu, vehemencia, pasión, aunque en Ojos verdes, bellamente matizada en sotto vocce -efecto realmente difícil de conseguir en guitarra- ofrece una sugerente nueva visión.

Las Variaciones OP.9 de F.Sor ofrecen un nueva versión destacable dentro de la enorme articulación y cuidada pulcritud de Montesinos, tal vez sea cuestionable la elección de los tempi.
Y algo siempre digno de agradecer: que lo mejor esté al final de la grabación de este magnífico recital. Las Tres piezas españolas de Emilio Pujol son la gran joya de este CD- la inteligencia musical de Montesinos vuelve a conectar con lo mejor de el sentir de su origen, transmitiendo con auténtica maestría las enormemente gráciles piezas mencionadas de las que obtiene un partido magnífico.

Como conclusión y a modo de postdata, decir que ésta opinión intenta despertar el entusiamo en el público y encauzar al auténtico “escuchante” (en una sociedad de oyentes) hacia una búsqueda de objetividad, intentando colaborar con la artísta en la reflexion de su arte con el mayor respeto y desde mi experiencia como músico y melómano asistente a multitud de conciertos.
Carlokapuscinski 5/2/2012

FERNANDO SOR, su vida en orden cronológico (por Carlokapuscinski)

,
Todos los guitarrístas actuales estudian a Fernando Sor, pero pocos conocen con detalle su vida y época. Este artículo pretende ser un sentido homenaje al considerado hoy compositor principal de su tiempo para guitarra, con una visión auténticamente sinfónica del instrumento gracias a su condición de compositor de óperas y ballets, dentro una Europa convulsa. Al ser así mismo un consumado intérprete, (tal vez solo pudiendo ser comparado con los mayores virtuosos de su época) y por su exahustivo conocimiento del instrumento, supo trasladar magistralmente su música legándonos un maravilloso repertorio enmarcado en el período y estilo clásico que aún continúa escuchándose y admirándose en las salas de conciertos -fué apodado el Beethoven de la guitarra-.
Se relacionan también algunos hechos relevantes para establecer nexos de unión con las diversas épocas.

Fernando Sor nació el 13 de Febrero de 1778 en Barcelona y falleció en París el 10 de Julio de 1839. (Según la biografía de Domingo Prat está inscrito en los libros de registro bautismal de la catedral de dicha ciudad como José Fernando Macario Sors, pero el firmó durante toda su vida, pues así fué su voluntad, como Fernando Sor.)

Alrededor de 1790 ingresa en el Monasterio de Montserrat -tiene 12 años- donde inicia sus estudios de piano, violín y armonía, bajo la tutela de Anselmo Viola. Saldoni afirma ya en esa fecha: “Sor hace cosas tan prodigiosas con la guitarra que admiran a sus condiscípulos y cuantos le escuchan”
/Goethe escribe su Torcuato Tasso. Mozart estrena Cossi fan tutte en Viena -1790-/


1796- Fallece su padre -tiene 18 años- y tiene que abandonar los estudios por desear su madre que emprenda la carrera militar (si bien estudia la guitarra a nivel autodidácta, al ser considerada esta todavía un instrumento acompañante de canciones y danzas sin demasiado refinamiento) Posteriormente reconocerá la influencia de F.Moretti.
/España se alía con el Reino de Francia -con un joven general al mando llamado Napoleón Bonaparte- venciendo a Inglaterra en 1797 con la firma Tratado de Campo Formio./

1797- Estrena su ópera TELÉMACO EN LA ISLA DE CALIPSO en el Teatro Santa Cruz de Barcelona y es quince veces mas representada.

1799- En Madrid se pone al servicio de la Duquesa de Alba y posteriormente del Duque de Medinaceli como músico y administrador de bienes.
/Nacen H.de Balzac y A.Puskhin. Fallece G.Washington, primer presidente de Estados Unidos de América.
Napoleón proclama el Consulado./

1808-Las tropas francesas invaden la España de Carlos IV entrando por Cataluña. Sor compone música nacionalista para guitarra y escribe líricas patrióticas.Después de la batalla de Bailén Sor forma parte del regimiento como capitán de los voluntarios cordobéses pero estando toda España ocupada salvo Cádiz decide como muchos españoles aceptar la ocupación con la esperanza de ver una España reformada. Ya bajo la monarquía de Jose Bonaparte -llamado por el pueblo español Pepe Botella- acepta un puesto en el gobierno de ocupación.
/Napoleón declara la anexión de los estados romanos por el Imperio francés en Viena./

1810- Nace F.Chopin (1849)

1813- Tras la expulsión de los franceses tiene que abandonar España. Pone rumbo a París donde coincidirá y convivirá con otros músicos. Conoce a Dionisio Aguado en el Hotel Favart y compone la obra “Les deux amis” op. 41
/L.CHERUBINI triufa en París/
/José Bonaparte abandona definitivamente Madrid siendo obligado por su hermano Napoleón a abdicar de la Corona de España. Las tropas francesas capitulan en Pamplona.
Nacen R.Wagner y G.Verdi./


1815- Es reconocido con gran éxito en Inglaterra como compositor de óperas y ballets. Debuta como el primer guitarrísta invitado con la Sociedad Filarmónica de Londres.
/Batalla de Waterloo, Napoleón es recluido en la isla de Santa Helena por los británicos./

1817- Interpreta su propio concertante para guitarra y trío de cuerda (hasta hoy desaparecido)
/Nacen J.Zorrilla y R. de Campoamor-/

1821- Compone LA FERIA DE ESMIRNA -ballet-
/Perú, Panamá y Méjico se independizan de España, el territorio de Florida pasa de soberanía española a estadounidense.
Napoleón muere en su reclusión de Santa Helena.
Nacen C.Baudelaire, G.Flaubert y A.Dostoievski./

1822- Es nombrado Miembro honorario de la Royal Academy of music. Compone su ballet CENDRILLÓN -Cenicienta-
/Ecuador se independiza de España. Brasil igualmente de Portugal.

Debuta al piano en Viena Franz Listz./

1823-Paso por Berlín y Varsovia donde da un concierto acompañando a su hija Carolina fruto de su anterior matrimonio, camino de Rusia donde presenta su ballet HERCULES Y ONFALIA con motivo de la coronación del Zar NICOLAS I.
Compone las opus 16 al 29 y el “Souvenir de Rusie” op. 63 y EL AMANTE PINTOR -ballet-
/Los Cien mil hijos de San Luis (Francia) restauran el absolutismo en España en la figura de Fernando VII.
Nace el tenor J. Gayarre y L.V.Beethoven publica su 9ª sinfonía./

1825- Estancia en Rusia. Inagura el BOLSHOI con su ballet Cendrillón en el que su esposa francesa Felicité Hullin, primera coreógrafa mujer, baila el papel principal.
Aguado edita su ESCUELA DE LA GUITARRA.

/Se interpreta por vez primera la 9ª sinfonia de Beethoven en Frankfurt-ALEM. Nace Johann Strauss(hijo). Fallece A.Salieri.
Fallece el Zar de Rusia Alejandro I.
Bolivia declara su independencia de España./

1826- Compone la Marcha Fúnebre para piano a la muerte del Emperador Alejandro, también el ballet HERCULES Y ONFALIA. Retorna a París.
/Fallecen J.C.de Arriaga(n.1801) y C.M.Von Weber(n.1786)/

1827- Se retira definitivamente a París donde compone sus mejores obras y su Método para guitarra. Composición de EL SICILIANO -ballet-
/Se estrena en La Scala de Milán la ópera El pirata de V.Bellini. Muere L.V.Beethoven en Viena.
Simón Bolívar es depuesto como dictador en Perú./

1828- Primera edición de L´Encouragement y Fantasía a deux guitares en la Casa Pacini de París, además de el ballet HASSAN Y EL CALIFA.
/Nacen J.Verne, H.Ibsen y L.Tolstoi, mueren F.Goya (n.1746) y F.Schubert (n.1797)/

1829- Fallece el compositor y virtuóso Mauro Giuliani (conciertos op 30, op 36 y op 70 para guitarra y orquesta, Rossinianas y sonatas para violín y guitarra) en Nápoles (1781-1829)
/Se estrena Fausto de J.W.Goethe.F.Mendelsshon dirige la Pasión segun San Mateo de J.S.Bach por primera vez después de la muerte del compositor. Se estrena la ópera Guillermo Tell última ópera de G.Rossini en París(basada en la obra Whilelm de F.Schiller.)
Fernando VII se casa con María Cristina de Borbón-Dos Sicilias./

1830- Se publica y traduce a varios idiomas su Methode pour le guitare.
/Se estrena Hernani de V.Hugo en París. H.Berlioz estrena su Sinfonía Fantástica.
Francia invade Argelia. Fallece S.Bolívar militar y líder revolucionario.

1831- Dedica su op. 46 “Souvenir de amitié -Fantasia-” a Giulio Regondi -que sólo contaba con 9 años de edad-
Nace Mussorsky.
/Bellini estrena sus óperas La Sonámbula y Norma. Fallece R.Kreutzer (n.1766) violinísta y conpositor francés.

1832- Llega a Londres.
/Muere M.Clementi (n.1732) pianísta y compositor italiano./

1833- Muere Fernando VII y comienza la regencia de Maria Cristina -Iª guerra carlista-
/Nacen Brahms y Borodin./

1835- Compone la Mazurka para piano (the fortepiano works)
/Se estrenan Il Puritani en París y poco después V.Bellini(n.1801) fallece. Maria Stuarda de G.Donizzeti se estrena en Milán.
Primera guerra Carlista por la sucesión en España entre los partidarios de Carlos María de Borbón y los llamados isabelinos-partidarios de M.Cristina de Borbón-Dos Sicilias./

1836- /Se produce en España la desamortización de Mendizábal-Ministro de la regente M.Cristina (expropiación de los bienes de las órdenes religiosas.)/

1837- Fallece su hija Carolina gran arpista y pintora, fruto de su primer matrimonio. Compone una misa en su honor y su última obra para guitarra(Fantasía Elegíaca)
/La reina Victoria accede al trono de Inglaterra. C.Dickens escribe Oliver Twist.
Muere Paganini (1782)/

1839- Fallece mísero y deprimido por un cáncer de lengua y es enterrado en Montmatre.

Otros datos de interés:
Durante su vida Sor sólo tuvo tres editores:
Castro 1810-1813
Meissoner 1813-1828
Pacini 1828-1838

Otros músicos coetáneos:
Federico Moretti (1765-1838)
Vicente Martín y Soler (1754-1806)
Luigi Boquerini (1754-1806)

Visita al Monasterio de la Encarnación en la ciudad del silencio/ Sobre el silencio/ Organología musical del Convento/ Historia musical/ Santa Teresa (por Carlokapuscinski)

vista lateral del monasterio de la Encarnación

frontal monasterio de la Encarnación

Los músicos amamos el silencio como parte de la música que es, por eso para nosotros y para los amantes de la música, la visita al Monasterio de la Encarnación debería ser inexcusable. La tranquilidad y paz es reconfortante en ese lugar, por eso no nos debe resultar extraño que Teresa de Jesús mantuviera allí altas experiencias espirituales.
Etímologicamente hablando, Silere en latín significa estar callado, y es estando callado cuando solo es posible atender a lo que usualmente se nos “escapa” en este mundo de ruidos, si bien es cierto que el silencio absoluto no existe. Recordemos la experiencia del revoltoso compositor John Cage -urdidor de diabluras según Alex Ross- cuando se introdujo en la cámara anecóica (caja diseñada especialmente para absorver el sonido anulando los efectos de eco y reverberación del sonido) de la Universidad de Harvard. Al entrar escuchó dos sonidos, uno grave y otro agudo. Ya fuera, intrigado, preguntó al ingeniero responsable que qué eran siendo una cámara tan silenciosa, a lo que el ingeniero respondió: “el grave es la circulación de su sangre y el agudo su sistema nervioso”. Otro ejemplo de mas fácil comprobación es sencillamente taponarnos los oídos, si bebemos un vaso de agua oiremos el transcurrir de ésta hacia nuestro interior e incluso podemos escuchar el ritmo del latir de nuestro corazón ó nuestra respiración. El sonido siempre existe, el concepto de silencio podemos decir que es una sensación subjetiva.

detalle de un fresco sobre Sta. Teresa

El silencio en música es importantísimo; equivale a respirar sobre todo para separar frases musicales, ya sea una pausa cargada de intención para crear expectativas, interrumpir, una respiración para reclamar nuestra atención… a este recurso, junto a otros creadores de emociones en el período barroco, se les llamó teoría de los afectos -iniciados en la parte vocal, luego pasaron a la instrumental para dotar a la música de mayor expresividad- e incluso en la tradición musical francesa del S.XVIII el silencio fué llamado suspiro.

En las antípodas del silencio está el ruido, que como curiosidad y recordándo a Napoleón (discreto entusiasta de la música) dijo que esta “es el menos molesto de los ruidos”. También en el otro extremo, Shopenhauer por su parte afirmó: “la sensibilidad de una persona hacia la música varia de forma inversamente proporcional a la cantidad de ruido que puede soportar”. El cultivo de la recepción auditiva en ocasiones podría llegar a ser un problema. Los sonidos confusos, con interferencias, inarticulados,o producidos por los demás, son lo opuesto a calma, paz, sosiego y tranquilidad. Una ilustrativa anécdota musical relativa a Manuel de Falla y el ruido, es la de que trabajando D.Manuel en la idea de la Suite Homenajes (en la que aprovecharía la fanfarria en homenaje a Arbós, orquestaría los homenajes a Debussy-guitarra- y a Dukás-piano- y añadiría un movimiento totalmente nuevo en homenaje a su maestro a Felipe Pedrell) y habiéndose retirado a una finca cercana a Granada en la que el ambiente era aparentemente perfecto y los suyos le atendían con esmero… pero a pesar de todo el estado nervioso de D.Manuel crecía, las ranas lo martirizaban con su croar, y la charca, ¡tuvo que ser desecada! -reconozcamos que un ruido continuo no deseado puede llegar a ser realmente insoportable-.

Continuando nuestra visita, pasemos a examinar la interesante vitrina donde se encuentran instrumentos de la época de Sta. Teresa y alguno posterior que coinciden en el tiempo con el reinado de Felipe II en el llamado renacimiento musical.
Podemos ver un Salterio, una Guitarra de cinco órdenes dobles, un Bajón, dos Arpas dobles, un Pandero y una Vihuela de arco que a continuación pasaremos a describir. (Ampliar imágenes pulsando sobre las mismas)


El SALTERIO es un instrumento de cuerdas pulsadas, heredero de una cítara, que consistía en una caja de resonancia plana-con uno o varios oídos de roseta- sobre la que se extendían las cuerdas. La cítara, o santir o santur, es de origen caldeo de la civilización Persa. El músico lo toca apoyado contra el pecho, a la manera occidental, ya que por influencia árabe se tocaba ocasionalmente sobre las rodillas. En El Quijote, II, 19, Miguel de Cervantes(1547-1616) escribió: “Oyeron asimismo confusos y suaves sonidos de diversos instrumentos, como de flautas, tamborinos, salterios, albogues, panderos y sonajas”.

La GUITARRA de cinco órdenes dobles también llamada “española” compuesta nueve órdenes siendo la primera de una sola cuerda llamada prima y las demás dobles según el médico catalán Joan Carles Amat (1596) que continúa: “Hallánse no mas de cuatro trastes de necessidad, porque los puntos que se pueden hazer en los demas, tienen la mesma consonancia que tienen los puntos que se hazen con en el segundo, tercero y cuarto”. La obra de Amat trata sobre todo de la utilización como instrumento acompañante y la sencilla técnica fundamental: la música “golpeada” como era llamada por Fray Bermudo, hacer acordes con la mano izquierda y rasguearlos con la derecha en forma no muy distinta a la actual música popular.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
El BAJÓN -imagen de arriba- es un instrumento de viento-madera creado en el Renacimiento. Consiste en un largo tubo de madera y de sección cónica que en uno de sus extremos se inserta un tudel de cobre de forma curva en el que ha su vez se inserta una lengueta doble o una caña por la que se hace sonar el instrumento.
Posee agujeros y una par de llaves para facilitar la digitación. El modelo mas común reforzaba la línea del bajo (de ahí su nombre) en la texitura de la polifonía de las capillas renacentistas y acompañando a los salmistas en los oficios eclesiásticos, llegando a su apogeo sobre el año 1600. En el siglo XVII sus funciones fueron asumidas por el fagot aunque mantuvo una larga permanencia y convivió durante siglos con este.

El ARPA DOBLE -arpa doppia- es un instrumento que consta de dos hileras de cuerdas dispuestas paralelamente, de cuyo conocimiento tenemos noticia apartir del siglo XIV. Una de las hileras citadas es para las notas diatónicas y otras para las cromáticas aunque se le atribuyeron ciertos inconvenientes como menor manejabilidad con respecto al modelo de una sola hilera. Vicenzo Galilei (1520-1591) Claudio Monteverdi (1567-1643) la mencionaron e incluyeron en sus composiciones(Orfeo) e incluso es nombrada en un pasaje de La Dorotea de Lope de Vega (1562-1635). Este instrumento doble desaparecerá en favor del arpa de ganchos y el posterior modelo evolucionado de pedales.

TAMBOR
Es posiblemente el mas popular de los menbráfonos. Las formas antiguas castellanas son las de atambor y atamor cuya primera documentación se sitúa en el Poema de mio Cid (s.XII), el Libro de buen amor (1330) del Arcipreste de Hita, El Quijote de Miguel de Cervantes-alternando la voz tambor con la de atambor. En italiano “tamburo” surge a partir del s.XIII y en occitano medieval “tabor” en el XII.

Hecho de madera o metal, hueco, generalmente de forma cilíndrica y cubierto en sus extremos por dos membranas o parches, siendo mas delgada la de la parte inferior. Probablemente de todo el instrumentario musical sea el tambor uno de los elementos de mayor contenido místico-recordemos su protagonismo en las procesiones de Semana Santa-. En Roma fué utilizado en ceremonias civiles y paradas militares en las dos forma de tambor (symphonia el de mayor tamaño y el plano o tympanum). Ya en los albores medievales San Isidoro nos habla también de un tympanum y un pandero. El rey castellano Sancho IV llegó a contar con quince “atamboreros” y fueron pocas las cortes y casas señoriales que no tenían musicos de tambor. Obtuvo una acción preemimente en las acciones bélicas y a partir del siglo XV su presencia se incrementó en los desfiles de infantería para marcar el ritmo mientras que timbales y trompetas eran casi siempre patrimonio de la caballería.
VIHUELA DE ARCO

También llamada fídula desde el S.XVI, probablemente tenga sus orígenes en la viola de arco medieval, genuinamente española, es un instrumento anterior al Renacimiento. Instrumento cordófono provisto de mango y resonador tañido con arco o punteado. Denominado así -de arco- cuando fué adaptado para tocarse con un arquillo y que desde el S.XVI fué llamada viola da gamba. Aparece nombrada en textos de tema pastoril y ambientes distinguidos (Jorge Manrique 1440-1479). Sebastián de Covarrubias (1611) se lamentará de que se haya perdido su empleo en favor de la guitarra y señala que “son las que se tañen con arquillo y tiene trastes”.

AL LADO DE ESTA VITRINA HAY OTRA EN LA QUE TAMBIEN VEMOS DIVERSAS PARTITURAS Y MANUALES SEGÚN DETALLE:

Libro de los responsorios de tinieblas.
Oficio de la Asunción.
Oficio de la Ascensión.
Oficio de S.Juan Bautista.
Manual para las procesiones de difuntos y sepultura.

-UN POCO DE HISTORIA-

La música renacentista es la música culta europea escrita durante el período del Renacimiento entre los años 1400 al 1600 aproximadamente siendo sus características mas notables la textura polifónica que sigue las leyes del contrapunto y que está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Las forma musicales mas notorias son en el campo religioso el motete y la misa. En el género profano la chanson, el madrigal y villancico, destancando también el ricercare y la canzona en el capítulo instrumental. Algunos de los compositores mas importantes son Josquin Desprez, G. Piereluigi da Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.
La música litúrgica o sacra (en un contexto moderno pero con origen ancestral) para entender grosso modo su función, posee cuatro facetas principales que deben distinguirse porque cada una tiene su función propia. La primera es la asamblea -participación activa de los fieles-, la segunda los cantores o schola -y que forman parte de la asamblea-, la tercera los solístas y cuarta los instrumentos musicales -que facilitan y sostienen la interpretación del canto dando mayor unidad a la asamblea.
Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la música polifónica, estando perfectamente documentada la presencia de ministriles en las catedrales ibéricas del siglo XVI. Mucha música polifónica se ejecuta de forma únicamente instrumental ya fuera en conjuntos homogéneos-llamados consorts- o sobre instrumentos polifónicos como el órgano, laud, virginal, arpa, ó vihuela en España.
Libro de los responsorios de tinieblas -detalle-

El invento de la imprenta produjo una nueva y rápida difusión difusión de la música culta también por el ascenso de la burguesía como clase social, la música llegó a ocupar un lugar en el ocio en las clases medias que consumieron literatura musical profana para uso casero de aficionados, e incluso Maquiavelo en su obra El Príncipe aconseja tocar un instrumento musical así como lo hace Diego Pisador a Felipe II en su libro de música para tañer vihuela, en sus recomendaciones para descansar de sus trabajos de gobierno.



TERESA SANCHEZ DE CEPEDA DÁVILA Y AHUMADA(1515-1582)

Por último, hablar del Monasterio de la Encarnación y de Ávila es hablar de Santa Teresa. De la Teresa Sánchez de Cepeda lectora de novelas caballerescas y preocupada por la moda y las vanidades a la reformista de la orden del Carmelo hay todo un camino. Enviada por su preocupado padre por su comportamiento a las monjas agustinas tras una enfermedad se produjo la transformación, aunque debemos pensar que era una mujer de carácter pues tras sopesar los pros y contras de la vida monacal, decidió que esa era su vocación. No así lo estimó su padre que le puso como condición que esperase a su defunción. Teresa, a pesar de la amargura por contrariar la voluntad de su padre visitó a una amiga íntima, Juana Suárez religiosa en el convento de la Encarnación resuelta en quedarse si era admitida. Su padre ante semejante determinación no tuvo mas remedio que ceder.
Prudencia, amabilidad y encanto personal le hicieron ganarse la simpatía de cuantos la rodeaban, pero poco a poco se fué alejando de las entretenidas charlas del recibidor y dándose cuenta que aquello era improductivo. Es entonces cuando toma el camino de la oración y la espiritualidad.
Fué acusada de hipocresía y presunción por sus experiencias místicas, perseguida durante tres años.
El mejor comentario que podemos destacar como escritora espiritual es la paciencia como sobrellevó sus horribles padecimientos físicos, las persecuciones y desengaños en la consecución de su obra, su gran industriosidad, vigor y capacidad de recogimiento.
Sus obras mas importantes: Camino de perfección(para dirigir a sus religiosas) Fundaciones(como alentarlas y edificarlas) y Castillo interior ó Las Moradas(introducción a los cristianos a su vida espiritual)

Agradecimientos a:
FILOMUSICA /FALLA(J.L.GCIA DEL BUSTO)/ CORAZONES.ORG/ CARMEN PARDO SALGADO(LAS FORMAS DEL SILENCIO)/ DICCIONARIO DE INSTRUMENTOS MUSICALES(RAMON ANDRÉS)/ MUSICA LITÚRGICA.COM

LA MUSICA DE LAS ESTRELLAS (por Antonio Hdez.-Gil, Decano del Colegio de Abogados de Madrid)

noche-estrellada
El alma del universo está ensamblada con el número y la armonía, decía Platón en el Timeo. Durante la Edad Media el quadrivium se organizaba en cuatro disciplinas que giraban sobre la cantidad: la aritmética, que estudiaba la cantidad discreta en sí misma; la música, la cantidad comparada con otras, como proporción; la geometría, la cantidad continua fija; y la astronomía, la magnitud en movimiento. El papel nuclear de la música se reforzó en el Renacimiento con el neoplatonismo y la tradición hermética. La armonía no era solo el nombre de la consonancia, sino expresión del orden de los cuerpos celestes, las esferas, y por extensión, del universo. Todavía escribe Descartes en el siglo XVII un compendio de música, que, al poco de morir, se publicaría en un volumen junto a su Discurso del Método y los tratados sobre la Mecánica y la Dióptrica y los Meteoros. Para Descartes la teoría de la música no se agotaba en el estudio de las proporciones entre los sonidos y sus combinaciones, sino que debía considerar sus efectos sobre el oyente y la capacidad de suscitar compasión ó dolor. Un siglo después Rousseau compone algunas óperas y la mayor parte de los artículos sobre música de la Enciclopedia, que supervisa D´Alembert, matemático. No debe ser casual que provenga de un músico la idea del contrato social como convenio implícito para la convivencia, ¿Qué otra cosa son los conciertos, la música de los conjuntos?

rousseau geneve Si trazamos una flecha en una dirección arbitraria del tiempo y vemos que avanza a través de una serie de sucesos cada vez mas aleatorios, su dirección es la del futuro, enunciaba Eddington en The nature of physical world (1929). De donde se deduce que la información recibida de nuestro entorno es cada vez mayor y que la unidad del universo se desmiembra, se pierden de vista los horizontes y la estructura compleja que los une en nuestra mirada. Ya no quedan personajes del Renacimiento que puedan absorver la practica totalidad del saber, o música o ingeniería industrial, por ejemplo. Ni tendría público la teoría de los fundamentos de Armonía que en la Ilustración protagonizaron Rousseau, D`Alembert, Rameau y Tartini.
El conocimiento del lenguaje musical se ha convertido en algo marginal para especialistas formados en los guetos de los conservatorios. Sin embargo hay que conocer sus leyes para seguirlas, como hace la música popular, o para transformarlas, como no hace tanto hicieron en la Viena de Wittgenstein, conscientes del fin de una época, Schoenberg, padre de la música dodecafónica, y sus discípulos Webern y Berg. Ahi mas o menos seguimos, entre la música aleatoria y las recaídas en la tonalidad, con y sin leyes a la vez, eclécticos en época de incertidumbres, libres de ataduras. Antes que comprenderse, la música hoy se consume, igual que casi todo, y se consume en su formas mas digestivas, por no decir predigeridas, en cápsulas aparentemente inocuas que se venden por miles en los supermercados o se bajan de la red. A nadie parece ocurrírsele en estos años tan dados a vaivenes pedagógicos que la música sustituya a alguna hora de geografía local en la educación de nuestros jovenes. Ni siquiera hemos oído la propuesta de complementar la denostada educación para la ciudadanía cantándola a coro, con unas cuantas nociones de formación de acordes, al modo que alguna autonomía a intentado impartirla en inglés con la mediación de profesores intérpretes (¡buen destino la salmodia constitucional para músicos en paro!)

En este mundo orientado a la productividad, el aprendizaje y la práctica de la música no sólo aumentarían nuestra capacidad íntima de disfrute estético, por lo que valga, sino que tendrían gran utilidad, incluso ciudadana. Para empezar, el músico tiene que mirar hacia dentro de sí, ejercicio insólito en estos tiempos de contemplación nada mística de las pantallas que podría descoyuntar a más de uno, pero a cambio de una flexibilidad y una penetración útiles para menesteres menos líricos. Y buscar allí, despacio, el mapa cifrado de cada partitura donde las notas son sólo una pauta: la música surge de las más leves inflexiones de intensidad, timbre o pronunciación de frases, el anticipo o retardo de milésimas de segundo o de milímetro, el ritmo, los acentos, la dinámica de un pasaje o el equilibrio de un movimiento. Después, en la música de cámara, en la obras sinfónicas o corales, orientarse en los laberintos interiores de los demás, pactar un resultado que es mucho más que la agregación de cada voz, y que, de algún modo, hay que anticipar, traerlo a la memoria del futuro desde ese “topos uranios” de las ideas donde tal vez preexisten la Pasión según San Mateo de Bach o los últimos cuartetos de Beethoven. Un ejercicio de buceo en las profundidades del alma y en esa suerte de espacio comprimido de solidaridad que son el concieierto o un rato de práctica alrededor de la mesa familiar, la Tafelmusik de Telemann que todavía tenía sentido a mediados del siglo XVIII, antes de que el romanticismo sacralizara la reproducción de la música, divinizara a los grandes intérpretes y esclerosara sus performances, sacándolas del ámbito de lo cotidiano para elevarlas a un Olimpo del que aún no han bajado y donde probablemente se pudran de soledad, repetición y aburrimiento.

duotafurdiaz
Pocas veces he disfrutado más de la compañía y de mí mismo que en las horas de ensayo, las mañanas de vuelta de la Universidad, cuando el sol entraba a rayas por el desorden de la cocina, calentando el mejor lugar para esparcir sin prisas las partituras y dos amigos (compañera del alma, Rocío) jugabamos a compartir un mismo pulso y casi las mismas ideas, con el pretexto de las fantasías para dos guitarras compuestas por un catalán de principios del XIX, afrancesado, español y universal que también cultivó la seguidilla, fusión de músicas y crítica: “no tocarán campanas cuando yo muera, que la muerte de un triste muy poco suena”. Otro siglo; otra sensibilidad. Fernando Sor, de lo mejor que los guitarrístas podemos llevarnos a los dedos. Música doméstica.

Hoy que tanto se habla de competencias, destrezas y habilidades como objetivos de la formación según Bolonia, hay pocas actividades tan cargadas de virtudes propedéuticas para otros ámbitos de la vida, tan ilustrativas de lo que hay de relacional en el mundo que nos rodea, de control microscópico sobre nuestra experiencia personal y colectiva, del músculo de la laringe al eco de los aplausos; con la potencia de explicar la sintonía, base de la convivencia, y la proporción base de la justicia. Y un lenguaje universal capaz de proyectarnos hacia una globalidad sin fronteras. Para que esa olvidada función formativa se cumpla será preciso conocer la música de un modo más riguroso y metódico que por la indiscriminada percepción de millones de señales acústicas apenas moduladas que nos agreden cada día y su atolondrada imitación. Habría que enseñarla como Dios (probablemente) manda. A comienzo del siglo VI Boecio (De institutione musicae) proclamaba que la música está asociada al hombre de forma tan natural que no podríamos prescindir de ella aunque quisiéramos y que la fuerza de la mente debe ser dirigida de modo que lo innato por naturaleza pueda también ser dominado por el conocimiento. Quince siglos de distancia sin auriculares no separan, ¿Qué son esos años en la historia de nuestra evolución como bípedos implumes o primates músicos, que viene a ser lo mismo y casa mejor con la idea ancestral de la armonía de las esferas? El argumento es sencillo. Prepararse para volver a lo esencial: el consuelo de la filosofía, los clásicos, la música entendida, la noche estrellada. Lentamente.

Carta a un guitarrísta joven (por Carlos Díaz)

Si buscas respuestas para plantearte una carrera musical seria y ver reconocido tu trabajo, o simplemente sientes ésa llamada vocacional, permíteme ayudarte a resolver tus inquietudes desde mi privilegiada percepción como diletante, a aclarar ideas, a ampliar tu campo de miras. Debes tener en cuenta la gran dificultad del instrumento, dominar este instrumento polifónico no es tarea baladí, de alguna manera te conviertes en director de una pequeña orquesta. Si estás dispuesto a dar el paso ¡adelante! tienes que poner todo tu empeño en ello pues aunque no te dés cuenta el tiempo vuela. Ser guitarrísta profesional es una carrera de fondo tal vez no aconsejable para todos, pero conviene saber y tener como aliciente también que un buen intérprete puede ser un buen pedagogo que enseñe a sus alumnos a comprender la música, disfrutarla, transmitir su visión del arte y pasión por la guitarra (recuerda la máxima “quién enseña aprende dos veces”). Existen alternativas asequibles al complicado camino solístico.

En absoluto puede existir la premura; trabajo, tenacidad, empeño e ilusión, tienes que ser paciente, no hay misterios… aceradas horas de trabajo y grandes dosis de espiritu perfeccionista, sin que esto te asegure nada. Pero no desesperes y confía en esa fuerza interior que te hace perseverar en tu esfuerzo: es eso llamado talento.

Tan necesaria como la práctica y disciplina también, es que “bebas de la fuente de la vida”, que conozcas los gozos y sufrimientos, las marcas que esta va dejando, saber de las pasiones humanas. A cambio de todo ello adquirirás recompensas muy valiosas en otras aptitudes anexas a las musicales, como capacidad de estudio y generosidad, consecución de objetivos a largo plazo, desarrollo de la inteligencia, memoria y sensibilidad artística, capacidad de análisis e imaginación (Antonio Hernández-Gil las denomina cualidades propedéuticas -ver el artículo La música de las estrellas-)

Tu mayor reto será encontrar un buen maestro, un capítulo esencial. Es una relación importante que posiblemente pueda durar muchos años. Tienes que seguir sus indicaciones rigurosamente y confiar en él absolutamente, el buen maestro será siempre exigente; pero si no te convence, si no te transmite entusiasmo, mejor continúa rebuscando.

Es necesario que te fijes en un gran intérprete para seguirlo, que sea un modelo, un ideal, profundizar en su musicalidad y técnica (sin menoscabo de otros) hasta que vayas adquiriendo tu propia personalidad. Por otro lado, no dejes de asistir a recitales de otros guitarrístas para aprender(apropiarte) de lo bueno y deshechar lo negativo, no solo musicalmente sino también sobre su actitud sobre el escenario y comportamiento fuera de el.

Piensa mas en la música que en la guitarra, sintiéndo siempre el máximo respeto por la música que vayas a interpretar y pregúntate que te dice esa música y que le puede decir a los demás. Deberías llegar a lograr disfrutar en el escenario -un gran concertísta dijo que tocaba para ganar corazones- a convertir tu actuación en un momento realmente especial. Aprende a vivir con la música y no de la música, a disfrutar sin la presión de ser profesional.

Recuerda que la formación artística, cómo otras actividades, no termina nunca y debemos irnos actualizando (cursos de verano, master class, perfeccionamiento…) Siempre reconoce que puedes mejorar como profesional sin que te tengas que sentir mal por ello. Escucha a los demás para observar posibles defectos, dentro de opiniones acreditadas.

También sería enriquecedor crear o formar parte de una agrupación musical, para intercambiar experiencias, para liberarte deL aislamiento de la práctica diaria.
Celebra siempre tus éxitos y logros, restando importancia a los resultados menores. Pero ¡tampoco te sobreestimes! deberás aprender a ser tu crítico mas profundo. Aprende igualmente a afrontar las opiniones y juicios, a agradecer de corazón los cumplidos.

Y como complemento “déjate deslumbrar por el sol de la cultura” y asiste también al mayor número de conciertos sinfónicos y de cámara para familiarizarte con el estilo de los compositores y épocas, pero también a exposiciones de pintura y escultura para adquirir apreciación del valor artístico y de la disciplina. Recuerda que la interpretación es una síntesis y luego se traslucirá en tus interpretaciones.

Evita siempre ser cándido, fanfarrón o necio e incluso mas, si cabe, conforme vayas consiguiendo mayor altura musical. Tampoco seas indeciso e influenciable, ten personalidad. Intenta ser persuasivo en vez de impulsivo, sé reflexivo sin llevarlo al extremo.

Recuerda el carácter genuinamente español de la guitarra y ahonda en la música española para luego extenderlo a otras sensibilidades.

Conoce e investiga los orígenes de la guitarra en la vihuela -instrumento de la corte española- y la guitarra barroca -más popular- que gracias a su tamaño fué llevada a través de los confines del imperio español acompañando a los mandatarios para “desocupar de los travajos de gobernación” -según escribió Diego Pisador en la dedicatoria de su libro de vihuela a Felipe II-. También fué exportada a América Latina en las posesiones del Imperio. Otra vertiente de la guitarra es el flamenco que procede del s. XIX, de raíces griegas, bizantinas e incluso moriscas con influencias gitanas mas recientes.

No dejes de estudiar el repertorio básico de guitarra: los vihuelistas -Fuenllana, Valderrábano, Mylán, Mudarra- nuestros grandes Aguado y Sor, y por supuesto, (nunca lo desdeñes) el padre de la guitarra moderna: Francisco Tárrega. La música española suena maravillosamente en el instrumento mas español por antonomasia, así Álbeniz, Granados y Falla gozan de magníficas transcripciones de la mano de Tárrega y de la escuela catalana (Pujol, LLobet). A Andrés Segovia debemos grandísimo reconocimiento por su labor de llamamiento a grandísimos compositores: Moreno Torroba, Turina, Villalobos, Mompou, Ponce, Tansman entre decenas de ellos y también a sus numerosas transcripciones basadas en su profundo conocimiento del instrumento de compositores como Mendelssohn, Haydn, Albéniz, Granados, Purcell, Schubert, Frank, Brahms, de Viseé, Weiss, Bach y otros.

De los contemporáneos son destacables quizá por obras que sobresalen en cada caso y para las que hay que llegar a ser un auténtico especialista para su ejecución: Ginastera (Sonata), Berio (Sequencia XI), Britten (Nocturnal), Maderna(Y después) y por supuesto todas las de Joaquín Rodrígo. Probablemente la obra guitarrística contemporánea mas coherente y como escuela de aprendizaje sea la del cubano Leo Brouwer, sin olvidar al gran Castelnuovo Tedesco y Abel Carlevaro. Son renombrables también Stephen Doghson y Reginald Smith Brindle.

30/01/2012

LA INTEGRACION SONORA DE GIACINTO SCELSI-capítulo-resumen del libro La Imaginación Sonora de Eugenio Trías

Giacinto Scelsi propone pensar en forma musical de manera integradora y sintética. Componer no signiifica poner esto junto con lo otro dejando abismos de nada y de vacío en el intervalo. Se trata, por el contrario, de proponer un sonido uno y único, un tonus, sobre el cimiento o substratum (p.e. substrato lingüístico se refiere a las influencias fonéticas, léxicas y gramaticales que ejercen los pueblos conquistadores sobre los conquistados) que constituye el continuo sonoro. Ese organismo viviente, ésa celula viva, ése es el tono que se elige.
Para decirlo en un expresivo modo que resalta Scelsi: se trata de extraer del continuo ontológico (conocimiento del ente) y sintético de la durée bergsoniana (tiempo psicológico en el que el sujeto se ha quedado “prendado” en los sonidos escuchados) un fragmento que se proyecta sobre el medio sonoro: eso es hacer música, música como arte de la organización del sonido. Del mismo modo que la proyección plástica o de imagen promueve arte escultórico, arquitectónico o pictórico.
Para que la artisticidad musical se cumpla propone Scelsi esta dialéctica fundante del Klang y del Ton (timbre y tono), de manera que todas las dimensiones del sonido se refuercen. Debiera corregirse una distinción de Pierre Boulez, y afirmarse que todas las dimensiones son coordinadoras e integradoras.
Timbre y tono llevan el mando, pero éste se realza mediante la intensidad, y se expande a través de la dinámica. El tono lo domina todo. Pero no en el sentido de un imperativo categórico musical que exija y obligue a repetir, una y otra vez, el gran experimentum crucis(experimento necesario para demostrar una hipótesis o teoría) de esta música, las célebres Cuatro piezas (sobre una sola nota).
Scelsi probó que eso podía hacerse. Pero en ningún momento prescribió que eso debía hacerse siempre. No repetirá la hazaña, y eso prueba la extraordinaria comprensión de lo que había realizado: un cambio de paradigma en el pensamiento musical.

Esta propuesta es tan decisiva y determinante como la celebrada pieza didáctica de John Cage 4¨33¨¨. ésta evidenciaba un límite negativo que servía para promover de forma pedagógica la disolución de la barrera entre el sonido y el ruido (y entre el sonido-ruido y el silencio). Pero Giacinto Scelsi persigue algo afirmativo: pensar el tono, en su unidad y unicidad, de manera que encuentre, en interacción con el substratum material, también su forma y su dinámica.
La materia apetece la forma: su forma. Pero ésta, no se olvide, es dinámica. Es, más que forma, fuerza: fuerza configuradora (que eso significa Einbildungskraft, -imaginación- en alemán).

No es forma en el sentido aristotélico de la morphé (forma en griego, esencia de las cosas), de carácter escultórico. Ni es idea en el sentido platónico, donde prevalece la percepción visual. Es importante cuestionar el primado griego de lo escópico (mirar con profundidad buscando percibir al máximo detalle).

En es punto la aventura musical de Scelsi fecundará, de indirecto modo, la gran ópera-oratorio del Luigi Nono tardío, su Prometeo, que Massimo Cacciari bautizó como Tragedia dell´ascolto. Un Prometeo paradójico y extraño. Un Prometeo que, a diferencia del de Aleksandr Skriabin, no parece tener nada que ver con el fuego. Frente al intento del compositor de unir luminosidad y sonido mediante piezas que permitían establecer correspondencias entre lo visual y lo auditivo, el Prometeo de Luigi Nono está en la oscuridad. O quizás en el desierto. En realidad lo que le importa a Nono es redefinir el espacio sonoro, concebirlo como principio fundamental del ámbito de expansión del sonido, y sobre todo cuestionar el anclaje teatral en una única percepción visual -como en la caverna platónica, o en los teatros de ópera de la modernidad- que dificulta la verdadera escucha. Se trata en ambos casos, de cuestionar el primado visual que afecta e infecta la imaginación sonora, y en especial al concepto mismo de imaginación.

El arte musical se produce si el artista logra adentrarse en ese centro de la esfera del sonido, ya que el sonido es esférico. Nos aparece bidimensional, como si se tratara de las dos coordenadas cartesianas, que corresponderían a las alturas y a las duraciones. Pero con ello se olvida la tercera dimensión, la profundidad. En las profundidades del sonido se producen los grandes eventos integradores. Entre la altura y la duración se incorporan procedimientos que son intrínsecos a la materia sonora, y que no constituyen simples condimentos expresivos. Se trata de verdaderos focos de sustentación del tono uno y único, asumido de forma programática o como referencia polar de la composición. Me refiero a tercios, cuartos y hasta octavos de tono, a vibratos, a glissandi ascendentes o decrecientes.

Como en la música de los raga hindús, según los describe Ananda Comarraswany, pero en una tecla sonora que sólo puede ser occidental, y que corresponde de forma histórica y epocal al tiempo propio de la gran crisis que sucede tras la modernidad postserial, todos estos elementos son a la vez integradores y coordinadores: son los que posibilitan esta profundidad de campo sonoro que descubrimos en la música de Giacinto Scelsi.

(mi comentario)

El enigmático rostro de Giacinto Scelsi esconde a uno de los autores mas interesantes de la “nueva música” del S.XX, de hecho no permtió la difusión de su imagen hasta su desaparición para que no se le relacionase con su música. Se consideraba un mero “intermediario”, un mensajero, de manera que rechazaba los conceptos de autor y composición alabando la improvisación, acercándo la creación artística al oyente para ponerlo en contacto con una realidad superior de índole trascendente. Su música esta basada en la prolongación del sonido -tono- y la variación del timbre, la altura y la duración. Viajó varias veces a Oriente y su música buscar acercarse a ésa espiritualidad característica pero con el sello Occidental, su propia firma denota esa influencia oriental (un círculo subrayado)

La vivaz interpretación de Arturo Tallini de la obra original para guitarra KO-THA tres danzas de Shiva me parece magistral y en la que la guitarra es tratada como un instrumento de percusión -probablemente la forma mas antigua de instrumento musical-  consigue una variedad  tímbrica  peculiar con la guitarra que utiliza (bautizada por el propio intérprete como Scelsiguitar) y nos transporta a un mundo virtual de Oriente. Después he colocado la fascinante versión de la soprano Sabina Meyer como muestra del Scelsi mas sencillo en la que podemos apreciar sus recursos de altura, dinámica, vibrato y duración como elementos integradores.

OTRA MUESTRA DE LA MAESTRÍA DE ARTURO TALLINI: -también ver fotos XV CICLO AUREO HERRERO en este mismo blog-
http://www.youtube.com/watch?v=ruGSIrXi6yo

In Memoriam 2011 HOMENAJE

Es justo tener un momento de reflexión para los que nos han dejado en el año 2011 y que les rindámos debido homenaje por la grandísima calidad de su trabajo y su gran humanidad.

Montserrat Figueras (n.1942) soprano barcelonesa que marcó un hito con su Canto de la Sybila, El misterio de Elche ó El llibre vermell de Montserrat, y colaborar en la banda sonora de la película Todas las mañanas del mundo, entre otros muchos logros y cónyuge de nuestro gran Jordi Savall.

Gentil Montaña (n.1942) guitarrísta y compositor colombiano de obras para guitarra y diversas formaciones camerísticas. Ha impartido Master Class en el Conservatorio Superior de Música de París y en la Universidad Charles Darwin de Australia. Ha dado recitales tanto como solísta como acompañado con orquesta en Alemania, Francia, Suiza, Grecia, Italia, Estados Unidos, Inglaterra y toda Sudamérica. Sus composiciones han sido interpretadas por importantes ejecutantes de todo el mundo.

Pablo Contreras (n.1957) (conocido comercialmente como Manuel Contreras II) deja huérfana a nuestra querida luthería de guitarra madrileña este excepcional maestro que ha recibido multitud de premios, pero el mayor de ellos es la multitud de profesionales que cada día hacen sonar sus instrumentos.

Antonio Iglesias, orensano (n.1918) gran pianísta, musicólogo, amigo de Andrés Segovia y fundador de la Semana Musical de Cuenca y de los cursos de Santiago de Compostela y Granada, además de estudioso, conocedor y gran defensor de la música y compositores españoles que sobre los que cuenta con una amplia bibliografía.

Jose Luis García Asensio, madrileño (n.1944) Tras estudiar con su padre el violín gana el premio Sarasate a los 16 años. Viaja a Londres donde dado su virtuosísmo se convierte en el profesor mas joven del famoso Royal college of music. Concertino-Director de The English Chamber Orchestra con la que ha grabado cientos de discos. Muy influído por el gran director S.Celibidache con el que participó como solísta en varias ocasiones, recorrió escenarios de todo el mundo. También ha actuado con D.Baremboin, C.Davis, S. Rattle ó su hermano Enrique García Asensio. Desde 1992 formó la Cátedra de la Escuela Superior Reina Sofía como profesor así como fué Director titular de la Orquesta de cámara.

Os vamos a echar mucho de menos!! Descansad en paz.

A los que, desde el día a la noche,
buscando fugitivos rincones camináis
sin desalentaros en la baldía búsqueda…
Aunque larga la ruta y duros sean
el sol y la lluvia, el rocío y el polvo;
aunque en la desesperación y el ansia del camino
enterrados queden los mayores y se extravíen los hijos,
al final, amigos, estad seguros
de que, suceda lo que suceda, allá en el horizonte,
en el confín de los confines,
veréis aparecer la ciudad dorada.

Manuel Maria Ponce: Intermezzo por el dúo CANTICUM.

Esta romántica pieza de la suite mejicana del compositor también mejicano Manuel María Ponce me parece que en esta versión está magnificamente interpretada, y aunque no lo parezca, lo más difícil en la guitarra es tocar despacio y con musicalidad: ¡que lo disfrúten!

Si tienen curiosidad, aquí dejo como suena la pieza compuesta originalmente en el piano, instrumento del que el Maestro Ponce era un gran virtuoso, en esta versión que también suena maravillosamente bien.

“La virtuosidad en un intérprete para los que entienden de música, consiste en la interpretación de un adagio, porque en ella se unen todo lo que una técnica perfecta puede ofrecer: sonido, intención musical, seguridad y espíritu” (EMILIO PUJOL)

EL PINTOR AMABLE (por Carlokapuscinski)

Un importante pintor actual afirma que ser pintor en sus comienzos fué “diabólico” por sentirse vocacionalmente obligado a estar ocho horas inspirado, comprobar que solo lo estaba una o ninguna y resultándole esto insufrible, ponerse “al borde del suicidio”. Otro pintor coetáneo, igualmente, dice que pintar para él es angustioso: empezar un cuadro es como disputar una batalla que tiene la sensación de perder casi siempre.

(paisaje en verano)

El pintor Luis Sobrino Pérez, persona de espíritu sereno y perspicaz muy estimada en la zona de El Burguillo, no conoce de estos “tormentos”. En su pintura de colores poco saturados, casi puros, encontramos sencillez,coherencia, equilibrio y tranquilidad, demostrando así una vez más que el arte siempre es posible dentro de la tradición. Su estilo se puede definir como genuinamente realista español, como hombre que ama las cosas en su pureza natural que gusta percibir las cosas tal y como son (como la generalidad de los españoles, que poseemos esa peculiaridad artística). Podemos decir que es un sentimiento cósmico-psíquico, el goce estético con lo natural. La captación del instante, de la imagen, en la pintura de Luis Sobrino, produce en nuestra percepción una reacción subjetiva, íntima, el cuadro no termina en el lienzo.

Marina

 


De los 14 a los 18 años estudia litografía y grabado en la Escuela de Artes Gráficas de Madrid y dibujo lineal en la Escuela de Artes y Oficios de la capital igualmente,  compaginándolo con otras actividades.

EN LA DEHESA

Luis Sobrino ha asistido al Círculo de Bellas Artes de Madrid realizando apuntes del natural sobre modelos y afirma disfrutar realizando la figura humana.
Nunca ha abandonado su auténtica vocación, de hecho no cree en las vocaciones tardías, pero su actividad laboral ha sido muy distinta.


ERMITA
Entrada del pueblo
Rincón de la calle Las Matas

Su formación como pintor en las distintas técnicas (tinta, pastel, acrílicos, óleos, mixtos) se la debe a la excelente pintora y amiga Arancha Levenfeld, junto con la que ha participado en cursos monográficos al aire libre en parques y jardines de Madrid, además de otras temáticas.

(paisaje en primavera)

También ha realizado multitud de exposiciones individuales y colectivas con gran éxito de crítica y público que le proporcionan energías renovadas para la consecución de nuevas obras.


Luis Sobrino asegura encontrarse en un momento ideal de su vida entregado a su vocación, que complementa con la audición de buena música y la observación de la naturaleza.

Podemos decir con certeza que su pintura está cargada de humanidad fuera de todo patetismo y en la que no existe ningún tipo de agresividad, sordidez ó dureza, en definitiva: El arte de Luis Sobrino es un arte formal y reflexivamente amable!

Cerro Castrejón
Román
(contacto a través de la sección about carlokapuscinski ó aureo herrero.org)

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

EL VUELO DE ROBERTO LEJOS DE ESPAÑA por Angelo Gilardino (publicado en 2011 sei corde)

Hablemos de Roberto Morón Pérez, que en vez de iniciar su carrera con el repertorio de su tierra natal, ha elegido Londres y la música de Stephen Dodgson. Un intérprete joven de mente lúcida y mano firme, capaz de conferir a cada sonido el peso exacto que requiere cada partitura y con la aprobación del compositor.


¡¡Algo más que guitarra española!! Español es el joven guitarrísta a la vez de brillante, severo y reflexivo pero en su CD no sopla ni tan siquiera una pizca de las brisas iberícas. La guitarra se sumerge a veces en las blanquecinas nieblas y parece que resonara desde cualquier lugar, por ejemplo, desde el jardín de Bloomsbury Square en un solitario atardecer de noviembre. Si vuestra imaginación es viva, y si sois unos lectores sensibles, quizá veréis pasar a vuestro lado el fantasma de Virginia Wolf, esto sucederá al escuchar el disco ODE TO THE GUITAR, music by Stephen Dodgson, publicado recientemente por CADENZA MUSIC (CADC 0211) en el que el guitarrísta Roberto Morón Pérez ha alcanzado la primera meta de su todavía joven pero significativa carrera.

El madrileño de aspecto andaluz -se diría un señorito cordobés- tras finalizar los estudios en España (guitarra en el Conservatorio y musicología en la Universidad con numerosos diplomas) en lugar de seguir los pasos de Segovia, Yepes, Estarellas etc en la estela del repertorio nacional, se ha catapultado a Londres, donde ha aumentado su curriculum con un par de años de formación en la Royal Academy. Y allí se ha impregnado de la música de Stephen Dodgson compositor londinense que ha dado lo mejor de sí en sus trabajos para guitarra a pesar de no ser él mismo guitarrísta.

Dodgson es conocido -pero no muy amado- por los guitarrístas. Su música no busca el aplauso fácil del público, y por mucho que el intérprete lo intente, sus composiciones están muy alejadas de la retórica efectista en la que se cree que la guitarra tiene que redimir su mala reputación: se desarrolla en segmentos trazados con mano segura y con un rigor que no admite florituras. Es una música siempre activa, febril, que, ya sea cuando se mueve con ritmos compactos, o cuando estos se alarga en aparentes estancamientos, siempre muestra una especie de alarma, de emoción, pero nunca sonríe. No sorprende el hecho de que el compositor, hoy amable anciano, sepa exactamente como deben ser tocadas todas y cada una de las notas de sus composiciones, y no concede nada a la fantasía de los intérpretes. Roberto Morón ha aprendido directamente de la fuente. En el folleto del CD, una fotografía lo retrata junto al autor que, imagino, habrá justo terminado de explicarle como un determinado paso debe de ser tocado: así y punto. Tenemos por tanto una interpretación que proviene de lo más profundo del pensamiento musical del autor (Moisés) y de la fiel palabra de su guitarrísta (Aarón).

Entre la antología de sus obras se encuentran dos trabajos que, a pesar de la impopularidad del compositor, deben considerarse de la misma manera que los clásicos de la segunda mitad del siglo XX: PARTITA nº 1 y la FANTASY DIVISIONS. Esto es “el mejor” Dodgson, el más compacto y el de más fértil invención musical. En los movimientos esbeltos de la Partita y en los más movidos de la Divisions, Roberto Morón parece estancarse en los tiempo muertos, pero enseguida nos damos cuenta del hecho de que son los tiempos justos -aquellos que permiten a cada detalle rítmico y tímbrico alinearse con una nítida precisión, y que favorecen la creación de esa atmósfera de sonido que tiempos más rápidos arruinarían. En torno a estos dos ejes, giran otras composiciones igualmente rematadas en las formas y en los detalles pero a mi entender menos ricas en imaginación.

El programa comienza con una articulada ODE TO THE GUITAR, que da el título a todo el CD; una sucesión de diez piezas breves escritas con el propósito de no sobrepasar el límite de una dificultad media. Son composiciones con carácter, a veces un poco tranquilas y otras sin embargo más móvidas, como las dos últimas: HORNEST´S NEST y VILLANELLE, magníficamente compuestas incluso desde el punto de vista idiomático. Un habitante de la zona mediterránea puede tener dificultades para comprender como la idea del Arco Iris se puede representar en una composición como es la tercera de la suite RAIMBOW, que a Rodrigo le habría inspirado el título de Murciélagos, no obstante la pieza en sí es muy interesante.

Más difícil de digerir es el pesado trabajo titulado THE MIDST OF LIFE (TOMBEAU FOR TIM STEVENSON), que verdaderamente no hará que aumente el grupo de admiradores de la música de Dodgson, mientras que por otra parte se escuchan sin resistencia y a veces con gran expectación, otras dos composiciones de duración media como el variado STEMMA y el onírico MERLÍN.

El valiente compositor inglés -revelado a guitarrístas del registro de John Williams- ha encontrado también entre los guitarrístas más jóvenes un heraldo de carácter de acero, de mente clara y mano firme, capaz de conferir a cada sonido el peso y la impronta requerida para su música y este es Roberto Morón, que ha levantado un alto vuelo que comienza fuera de los límites de la tradición nacional: Es seguro que llegará lejos.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
I.Luaces y M.Jalón (traducción)
Foto R.Morón C.Díaz

http://robertomoronnperez.com/

ROBERTO MORONN PEREZ en RECITAL desde la ESCUELA SUPERIOR DE CANTO de MADRID (4 Marzo 2011) por Carlokapuscinski





En colaboración con la Escuela Superior de Canto, la S.E.G (Sdad.Española de la Guit.) organizó el magnífico concierto del joven y brillantísimo guitarrísta Roberto Morón el pasado 4 de Marzo en la propia Sede de la mencionada Escuela en Madrid, precioso y antiguo Palacio de Bauer, diversas veces restaurado por la Comunidad de Madrid desde el año 2003 y que muestra el arte y los gustos del S.XIX.



En la primera planta se encuentra una interesante colección de fotografías de momentos memorables en lahistoria de la Escuela Superior de Canto.

                                                 

Sustituida por el salón de actos, lugar donde se celebró el concierto, la gran sala de bailes fué reformada por el Estado en 1940 tras su adquisición a la familia Bauer.

detalle lateral salon actos


El concierto suscitó gran expectación, prueba de ello fué la asistencia de un público que colmó el magnífico salón de actos.


Con los preludios nº 1, 3 y 4 de Villalobos comenzó su recital, con la concentración y claridad que nos tiene acostumbrados, con el indiscutible sello Breamniano.

.               ………………………………………..

Llegado el momento de la interpretación de las obras de Stephen Dodgson, explicó brevemente su reciente y ardua colaboración con el compositor asi cómo la interesante y profunda poética que le sugiere su música.

Tocó las piezas breves de Ode to the guitar (num.1) y que da nombre a la serie, Ragged Robin n.2) Hornets Nets n.9) y Villanelle n. 10) diez miniaturas que son la última colaboración del compositor con el pedagogo Hector Quine, para pasar a la mas extensa Merlín, obra en un movimiento en homenaje al poeta escocés Edwin Muir, de marcado carácter nostálgico, como su poema del mismo nombre y que Dodgson describe como forma de “doble rondó” y en la que dos temas contrastantes aparecen variados en la reexposición.

Terminó la primera parte del recital con el Tango María de Tárrega, muy celebrado por el público.

——– II Parte ——–
Roberto Morón inició la segunda sección del recital con el Fandango variado op 16 de Dionisio Aguado volviéndo a demostrar la gran categoría del compositor madrileño gracias a su acrisolada versión.
La versión que ha llevado a replantearse nuevamente la obra al mísmisimo John Williams, una increíblemente sutil Asturias y los Rumores de la Caleta de Albéniz fueron las siguientes obras, dando muestras una vez mas de la perfecta conjunción del pensamiento musical del compositor catalán y la guitarra.

Continuaron las bonitas y animadas obras de Quintín Esquembre, Vals brillante y Zapateado en las que agradeció a un amigo el habérselas dado a conocer y con las que terminó de “caldear” el ambiente.

Los estudios nums. 11 y 12 de Villalobos, que le acreditaron como ganador del premio Juliam Bream en su día, fueron las dos últimas obras interpretadas.

Dos preciosas propinas, Alborada de Tárrega y María Luisa de Sagreras redondearon el estupendo recital que sin duda, tras su impecable trayectoria ascendente, pone a Roberto Morón a la cabeza de los guitarrístas de su generación.

…………………………………………………………………………………………………………

http://robertomoronnperez.com/

Nos interesa tu opinión! (Deja un comentario… y no dejes de leer los demás!)

AUREO HERRERO 2010 xv ciclo -del 15 agosto a 5 sept. –

 

                     

         El 15 de agosto, día de la apertura del XV Ciclo de conciertos Aureo Herrero, con la honorable e  inestimable presencia de D. Antonio Hernández-Gil que  expuso los motivos por los que retoma su actividad concertística en este concierto y resumió la larga y cercana  relación con su maestro  Áureo Herrero alrededor de unos 25 años, hecho excepcional en la actualidad.

Interpretó en la primera parte las Variaciones op.16 de  sobre un tema de Paisiello y otras obras de F. Sor en el más puro “sonido Áureo”.

En la segunda parte del concierto expuso también  el ideario sonoro de D. Aureo sobre la Suite en La menor de J.S. Bach, en la que su guitarra llegó a  la perfección lírica.

Al término del concierto D. Antonio Hernández-Gil fué nombrado Socio de Honor de la Asociac. Cultural A. Herrero por la Concejal de Cultura de El Barraco.

                                                                                                                                                                                 

 

&&&&&&&                                                                     

El 16 de Agosto actúo Arturo Tallini venido directamente desde el mismo  “corazón” de Roma, academia Santa Cecilia exactamente, que nos ofreció su sorprendente interpretación de la obra escrita para él mismo, Chahack de M. Pisati, improvisación acompañada sobre cinta magnética grabada previamente por el compositor -en la que intercaló fragmentos de la Chacona de Bach- y que fué muy aplaudida por el público por su complejidad interpretativa (se puede ver en You tube canal  de ministriles)

 

Otro momento de Chahack de M. Pisati.

Tres preludios de H. Villalobos y el Tema variado y final de M.M. Ponce completaron la primera parte del programa.

La segunda parte comenzó con una formidable Ciaccona de J.S. Bach que justificó dentro de un programa de tendencia vanguardista, como obra adelantada a su tiempo. Después, la Serenata per un satellite de B. Maderna con una representación casi teatral -ver you tube canal  de ministriles- cautivó la atención del público.

Con unas explicaciones concisas durante todo el concierto  que finalizó con la Sonata de A. Ginastera, quizá la mas “sinfónica” escuchada en este Auditorio Aureo Herrero, consiguió arrancar múltiples ¡bravos! del entusiasmado  publico.

Los bises de Tango en skai de R.Dyens y la interesante pieza Clapping de Steve  Reich finalizaron  el magnífico concierto de Arturo Tallini.

&&&&&&&&&&&&&&&


El maestro Piero Bonaguri nos ofreció su concierto intitulado “Música italiana para guitarra” el día 17 de Agosto en el que interpretó por primera vez en España obras de compositores italianos actuales.

Se proyectaron diapositivas de pintores expresionistas y del pop-art como ésta de Jasper Jhons ó David Hockney.

Las obras de P. Ugoletti, A. Guarnieri, R.Tagliamacco, G.Capelli y P. Molino escritas

para P. Bonaguri,  fueron interpretadas por vez primera en España.

El Maestro Bonaguri introdujo brevemente la intención musical de cada pieza, lo que sumado a las proyecciones de las pinturas,  recreó muy diversos e interesantes climas.

En la segunda sección del concierto hubo obras de Giuliani, Ghedini y las increíblemente virtuosísticas Sonatas de Paganini, que fueron muy alabados e impresionaron al público  asistente.

 Para terminar la enérgica jornada,  un   contundente  Capriccio Diabolico -Omaggio a Paganini- del gran Castelnuovo-Tedesco.

Una pieza más:  Estudio nº7 de Villalobos!!

&&&&&&&&&&&
&&&&&&&&&&

  
CONFERENCIA SOBRE HEITOR VILLALOBOS -día 18 de agosto 10 h.- por PIERO BONAGURI
El Maestro Bonaguri introdujo la nueva edíción de H. Villalobos de Frederick Zigante.

 En la  nueva edición de F. Zigante hay notas de diferentes tamaños según su importancia, conforme a indicaciones del compositor brasileño,  según investigaciones sobre las cinco ediciones conocidas.

Piero Bonaguri hace una desmostración con un ejemplo en una pieza de H. Villalobos

El Maestro Bonaguri respondió al final de la conferencia a todas las  preguntas planteadas

por la audiencia.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El día 18 de agosto Javier Maíz participó en la primera parte  con piezas de F. Molino, M. Giuliani y M. Carcassi

Autores españoles: F.Sor, F. Tárrega, D. Fortea y “El noi de la mare” versión Llobet/Maíz.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
Carlos Manuel Díaz abrió la segunda parte con cinco piezas de Tárrega.

Oración de la mañana y Canción rusa ambas de Tchaikovsky,  la popular y  sentida  Ojos negros junto a  la característica  Dorogoi Dlinnoyu de B. Fomin (4 canciones rusas) fueron las siguientes obras interpretadas.

La música de Manuel López-Quiroga, siempre bien recibida por el público, sonó en los difíciles arreglos de Carles Trepat en 5 coplas: Bulerías de Antonio Torres, Solo, A la lima y al limón,  Romance de la otra y Tatuaje.

Siguientes obras:  4 Choros de Levanta Poeira,  en los  bellos  arreglos  de Marcus Llerena.

Un bis dedicado por el intérprete al Maestro Bonaguri y a su magnífica  conferencia: Choro nº1 de H. Villalobos.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Día 19 de Agosto. Tuvimos la suerte de escuchar al DÚO HESPÉRIDES -Ana María Pérez (flauta) y Adrián Calvo (guitarra)- con un magnífico repertorio culto de raíces populares.

Obras de J. Trulár (Sonatina), de E. Cordero (Fantasía Mulata) y M.D. Pujol (Suite B. Aires) en la primera parte.

                                                                                                                              En la parte segunda tres Danzas de E. Granados, el estreno absoluto de la obra LOCANGO, dedicada al dúo por su compositor Benoit Ducéne, y las siempre animadas Danzas Rumanas de B.Bartók.

Su brillante actuación terminó con una propina deliciosa,  una curiosa pieza de D. Milhaud como muestra de politonalidad: Corcovado.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El dia 24 de agosto conmemoramos el bicentenario del nacimiento de F. Chopin con el concierto del grandísimo pianísta  Adalberto María Riva, bien conocido por las soberbias  actuaciones a las que nos lleva acostumbrando desde  hace varios años, recién llegado de la ciudad de Milán. Fué introducido por María Elisa Martín con  un breve pero sagaz relato de su vida, con datos interesantísimos que desvelaron una vez mas su genio musical, que eligió el camino compositivo pudiendo haber tenido una vida cómoda como concertísta.

Improvviso op 29, el colosal  Scherzo op 31, las graciosas Due Mazurke op 30 y Fantasia op 49 en una reflexiva primera sección.

Su eminente interpretación Chopiniana continuó con Berceuse op 57, Barcarola op 60, Valzer op 42 y la bravísima y conocida  Polonesa op 53

La elegancia y economía en el gesto contrasta con su  embriagador resultado sonoro.

Ante el gran éxito  obtenido el público le  reclamó hasta 4 bises!

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Día 25 de Agosto.  Antonio Bernaldo de Quirós Yazama -piano-

El abulense nacido en octubre de 1997 alumno de Leonel Morales y ganador de su primer concurso con 6 años, cuenta en su haber  igualmente   muy diversos concursos nacionales e internacionales.  En la parte primera interpretó una Sonata de Beethoven  y los Juegos de agua y la Alborada del gracioso de M. Ravel.

                                                                                                                            Microprimaveras 3, 4, y 5 de Antón García-Abril y el Andante Spianato y la Gran Polonesa op 22 de F. Chopin conformaron la segunda parte.

 Con una de las Microprimaveras de García Abril y el estudio Revolucionario de Chopin se despidió  agradeciendo al público su calidez.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Beatriz Fernández Campomanes -soprano- y Jose Ramón Echezarreta -piano-      Día 26 de Agosto

  Intérpretes asiduos a éste Festival,  hicieron las delicias del respetable con la genuina y espontánea voz de Beatriz en las Romanzas de La Rosa del azafrán(J.Guerrero), La del manojo de rosas y La Tabernera del puerto (P. Sorazábal) y con el vigoroso y experimentado piano de Echezarreta  con  el  intermedio de La Revoltosa,  entre otras, en una lírica primera sección.

                                                                                                                            Adiós a la bohemia(Sorózabal), El rey que rabió(Chapí), Preludio de La torre del oro(Giménez)

La chula de Pontevedra(Luna), La chulapona(Torroba), Preludio de La del manojo de rosas(Sorazabal) y  la Romanza

 de La Calesera(Alonso) de la segunda parte.

                                                                                                                                El escenificado y saleroso chotis de la Gran Vía de Chueca fué muy celebrado con aplausos por todos los asistentes.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Día 27 de agosto.

Una intensiva y fructífera jornada de estrenos absolutos. La inaguró  Karim Samah -guitarra- con la obra del compositor Suizo Raymond Vauterin, Trois sequences pour guitare seule.

A continuación el mismo K. Samah junto al violinista Evgeny Syrkin hicieron lo propio con una bonita obra: Comnivences para violín y guitarra de R. Vauterin dividida en: 1) Entrée 2) interlude 3) Final

                                                                                     

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::Trois 3 danses de nulle part pour 2 guitares  del mismo Vauterin presente en el estreno,  fueron interpretadas igualmente que el resto de obras por primera vez en la  ya con mucha solera  sala Aureo  Herrero por el prestigioso dúo Kettarah. ::::::::::::::::

En la segunda sección del concierto se estrenó el Quinteto op. 6 de Antonio Domínguez Buitrago, compositor y solísta,  junto al cuarteto Isadora formado por Evgeny Syrkin y Celia Sanabria (violines),Artaches Kazarian(viola) y Mikhail Milman(Chelo), una interesante obra dividida en tres partes que describen  diferentes etapas de la vida: 1) Moderato rítmico,  en la que las cuerdas al aire recrean la época de la infancia en un clima de inocencia y espontaneidad. 2) Adagio obstinato -juventud- describe un mundo de inseguridad y obsesión por sí mismo, en un clima lírico con los instrumentos en total independencia, creando una tensión romántica. 3) Allegro -madurez- un motivo en imitación crea una atmósfera de angustia y opresión. Acaba repentinamente en un precipitado diminuendo creando un vacío sin respuesta. (canal de ministriles –  you tube)

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::La siguiente obra interpretada fué el monumental Quinteto op 143 de M.C.Tedesco en sus cuatro movimientos: 1)Allegro 2)Andante Mesto 3)Scherzo y IV) Finale, poniendo el broche de oro a la brillante sesión.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

29 de Agosto//

La grata formación del ARUNTRÍO -Clarinete Miguel Expósito -Oboe Pablo Iglesias Jez.  y -Fagot Alejandro Climent ofreció un delicioso concierto con una polirrítmica Sonatina de Sandor Veress profesor de la escuela húngara Franz Listz en Budapest y maestro de G.Ligety y G. Kúrtag,  en tres movimientos, y el divertimento nº2 de Mozart en cinco movimientos en la sección inicial.

Segunda parte: conformada por dos obras de compositores franceses, el Divertissement, bonita obra de Jean Francaix que recrea un ambiente cirquense en cuatro movimientos y las estupendas cinco piezas en trío de Jacques Ibert, compositor de ingeniosa y colorida música. conocido por sus óperas y bandas sonoras de películas.

Dos regalos más como despedida: las variaciones sobre un tema francés Ah! Vous dirae-je maman de Mozart y la Obertura de La Gran vía de Chueca,  en un precioso arreglo para esta formación.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

30 de Agosto//

El Grupo Ávila Pulso y Púa ofreció un cuidado concierto conformado  en su mayoría con obras clásicas conocidas como el Aria de de la Suite 3 de J.S.Bach ó la hermosísima Suite nº2 en si menor (Rondó-Polonesa-Minuetto-Badinerie) ó el Adagio de Albinoni.

Momento musical de Schubert, Pequeña serenata nocturna y Minuetto de Boccherini sonaron con nitidez en la espléndida Iglesia de Nuestra Señora de la Asunción.

La directora Elena Berrón con la colaboración del público siguiendo sus indicaciones, interpretaron ya en un marco quasi pedagógico, la Primavera de Las cuatro estaciones de Vivaldi.

Con una magnífica versión de la música de la película La vida es bella de N. Piovani y el simpático Reloj Sincopado de L.Anderson el Grupo Ávila Pulso y Púa puso fin a este variado concierto del que el público disfruto enormemente.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

3 de Septiembre.

La  Coral AMICUS MEUS bajo la dirección de Gustavo Sánchez, faceta que compagina con la de investigador musical y profesor asociado en el departamento de la Universidad Autónoma de Madrid, dió un concierto principalmente de música religiosa con obras de Palestrina, T.L. de Victoria, Beethoven, Bruckner, Kódaly, Cherubini y Mozart.

 

Te Deun guaraní de E. Morricone y Go, so loved the World, de J. Stainer

Dos interpretaciones mas, fuera de programa: Caminante de J.M. Serrat y la popular Canto a Castilla.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

4 de Septiembre de 2010.

Como colofón guitarrístico del XV Ciclo de conciertos,  la sala Áureo Herrero recibió la prestigiosa guitarra del Catedrático, en el R.C.S.M de Madrid y en los Cursos Internacionales Andrés Segovia de Santiago de Compostela, Jose Luis Rodrigo.

En la primera parte, Sonata op 22 de F. Sor y Sonatina de F.M.Torroba dando una lección de pundonor y coherencia interpretativa.

Abrió  la segunda sección del concierto con  las preciosas piezas de V. Asencio, Collectici Intim, que dieron paso a las muy interesantes  Cuatro Piezas Breves de Miguel del Barco (*) en su estreno absoluto (Andante-Allegro-Moderato-Allegreto) muy celebradas por público y bajo la atenta mirada del compositor, allí  presente.Cuatro piezas breves de M.del Barco -estreno absoluto-

Las Cuatro piezas breves de Miguel del Barco están dedicadas a Jose Luis Rodrigo por un vínculo de entrañable amistad que les une a través de su trabajo de docencia en el R.C.S.M. de Madrid. En general, carecen de una estructura formal definida y una tonalidad determinada. La necesaria unidad se consigue a través de pequeñas células rítmicas facilmente identificables en un orden cambiante. (Palabras del propio compositor Miguel del Barco, a su vez también Organista, Catedrático y Director del R.C.S.M de Madrid durante tres décadas)

Cuatro piezas breves para guitarra dedicadas a Jose Luis Rodrigo

 

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

Una esmerada Invocación y Danza de Joaquín Rodrigo y un último Capricho a modo de despedida (el Árabe)

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

Jose Luis Rodrigo es nombrado SOCIO DE HONOR de la Asociación Cultural Áureo Herrero al final de su magnífico concierto, entregándole el diploma el también homenajeado profesor del Conservatorio de Ávila, Salvador Gómez Tejeda.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Se pueden seguir el resto de actuaciones a través del canal de ministriles (you tube) ó bien en la dirección www.aureoherrero.org

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

  Atencióm al sorprendente minuto 5:55 !!

DESPUÉS DE SEGOVIA (por Piero Bonaguri) Puede todavía la guitarra interesar a todos? -discurso en la Convención de Pontedera, Italia

Segovia solía decir: “El artista es un hombre como los demás y no debería nunca enamorarse de sí mismo, perdería irremediablemente algo… como los demás pero con un maravilloso don extra: y por ese don debe estar siempre cercano a cada hombre”.

Es innegable que la carrera de Segovia ha tenido ese efecto sobre los demás: no solo se aseguró de que el mundo de la música se percatase de la guitarra, sino que también atrajo a muchas personas hacia la música clásica. Para resumirlo en la afortunada expresión de Oscar Giglia,  “la guitarra se ha convertido en un embajador de la música culta”.

Pero creo que la clave de este acontecimiento universal debe ser visto como lo que nos puede parecer una paradoja: Segovia conmovió a todos porque mantuvo altísimos sus objetivos y nivel de estudio. De hecho, buscó la esencia del valor artístico que puede ser entendida por el hombre.

El artísta es un hombre como los demás y por eso debería estar cercano a todos de acuerdo con la definición de genio que leí: “El genio es el que expresa lo que otros no serían capaces de decir, pero que al oírlo  reconocen como propio”.

La profunda conferencia de Carlos Andrés Segovia publicada por la Fundación Segovia en Linares sugiere  para entender la obra de Segovia  un itinerario de círculos crecientes  -como un zoom, del pequeño al mayor-  de la música a la belleza,  a la metafísica, al hombre.

Recordemos algunas de las frases del Maestro: “La música es un océano, los instrumentos son sólo islas”, además también dijo: “los guitarrístas deben ser iluminados por el sol de la cultura”. En una de las últimas entrevistas a Segovia en Milán en 1985, estando yo presente, fué preguntado: ¿que queda al final?  respondió:  “Al final queda la bondad”.

Recientemente Filippo Michelangeli (*) dijo que los guitarrístas son gente buena. Pienso que puede ser debido a la persistencia de su personalidad que directa ó indirectamente nos ha atraído  a todos a la guitarra.

(*) Filippo Michelangeli es guitarrísta, compositor, editor y ganador de numerosos premios nacionales e internacionales, miembro de jurados de concursos internacionales y que en el año 2003 recibió el Premio de las Artes y Cultura (Palacio del Senado de Milán)

El éxito universal de Segovia también favoreció, como sabemos, el comienzo de un mercado de la guitarra, fué creada una demanda que justificó la oferta y por lo tanto la categoría profesional del guitarrísta. Así, en la onda de esta popularidad, la guitarra en el período de posguerra  entró en los conservatorios y aparecieron un enorme número de guitarrístas profesionales repartidos por todo el mundo.

Pero al mismo tiempo en el mundo de la música, contemporáneamente,  parece haberse caído más y más en ese “enamorarse de sí mismo” que tanto repelía a Segovia: lo veo en tanto tecnicísmo como fin mismo, un cierto enfásis analítico y filológico como fin mismo, en el intelectualismo estéril de tanta música de vanguardia hecha para si misma.

En este período digamos a partir de los años sesenta-setenta, los guitarrístas, bienvenidos a las programaciones oficiales musicales gracias al trabajo de Segovia, cometieron un error decisivo en mi opinión: cortaron con la tradición de la que venían y dejaron de referirse a ese “hacer musical” en sentido elevado y por consiguiente a ese público universal mencionado antes, pero a cambio intentaron mas bien adaptarse al estilo prevaleciente de moda, eligiendo caminos que en teoría los habrían equiparado a los otros instrumentistas y podrían ser aceptados como iguales,  pero que en la práctica han hecho perder audiencia minando su inserción en el mercado.

Por ejemplo, los guitarristas pensaron que era necesario  emanciparse del repertorio que ellos mismos sentían insuficiente comparado al  que interpretaban los otros instrumentistas. Recuerdo la controversia sobre las transcripciones: pareció obligado a toda costa  tocar el repertorio original y todas las piezas en su versión integral sin ser capaces ni querer  en términos absolutos, dar valor o probar música intelectual de algunos compositores contemporáneos que estaban de moda. Pero era como decía, el aire que soplaba en ese momento; recuerdo la caústica observación del gran compositor Niccoló Castiglioni: ” La moda de las ediciones integrales es síntoma de la incapacidad de elegir lo que realmente tiene valor”.

La tendencia a superar la “anomalía” de nuestro repertorio se reconoce incluso en la presentación de los programas de estudio de guitarra en los conservatorios italianos. En mi opinión, sigue siendo un buen programa, pero denota que hay un deseo de ser, como se dice ahora, políticamente correcto, por ejemplo en la eliminación de todas las transcripciones salvo cuando procedan de laúd, vihuela o guitarra antigua, aunque muchos colegas ni siquiera admitirían éstas.

También  estas elecciones (que corren paralelas comprensiblemente a un cierto pero homologado  abatimiento interpretativo) son verificables de otra manera:   un famoso concurso de piano o violín creo,  recientemente ha cerrado diciendo haber perdido su función desde que un ganador ha llegado ha ser indistinguible de otro.  El guitarrísta comenzó a perder su audiencia, esa audiencia añadida que Segovia había ganado con la guitarra.

Entonces,  en la temporada de conciertos que antes se invitaba a guitarrístas porque  “llenaban la sala”, se ha caído en que la cambiante situación de su presencia en la vida musical tradicional se ha convertido en mucho mas rara (en este sentido estoy de acuerdo con el análisis realizado por Filippo Michelangeli en un editorial de “Seiscorde” hace algunos años).

   Mientras tanto, los guitarristas fueron creciendo y multiplicándose, se convirtieron en una zona de gran atracción para  aquellos que sobresalían en la enseñanza y la edición. Así que, yo diría desde los años ochenta, el segundo error de nuestra “gran escena” fué el de creer que para poder sustituir la apertura universal de la que había caracterizado el auge de la guitarra (apertura, recuerdo, efectuada de dos maneras: la apertura de la guitarra a la cultura, a un mundo del alza en los valores, y, al mismo tiempo, la apertura a todo el mundo trayendo la belleza de la música clásica a todo el mundo) con un cierre de la guitarra sobre sí misma y con un mercado interior, compuesto por aficionados a la guitarra, un poco como en la época anterior a Segovia aunque con muchos mas recursos técnicos de todo tipo (desde el nivel de técnica de la guitarra, no obstante  aumentado enormemente gracias a la facilidad de publicación de grabaciones y partituras, a la facilidad de las comunicaciones y de organización de eventos…)  nos resignamos a ser un pequeño nicho en el interior de otro nicho un poco mas grande de los amantes de la música clásica:  – “la guitarra ni siquiera interesa a otros músicos, imagínate si puede interesar a los demás”- dijo alguién recientemente, sin embargo muy activo en la organización de eventos de guitarra.

Con la llegada del final del siglo veinte, una vez que el intelectualismo reinante ha pagado el precio (y la guitarra una vez mas, ha seguido la tendencia) hoy vemos en oposición a un mundo musical enrocado en una defensa excesiva de la torre de marfil de una “academia”,  a una emergente burbuja instictiva y de pensamiento débil. Este contraste también se observa entre los guitarrístas; basta pensar en el fenómeno de algunos compositores de guitarra con su música entre la de transición  y vanguardia; tangos de todos los rincones y  por todo el mundo  -he actuado en cincuenta países y la estandarización que he visto es impresionante-

Hoy en día el mundo de la guitarra es esencialmente un mundo con demasiada frecuencia auto-referencial, dónde el guitarrísta no tiene ya como interlocutor al público, (“cercano a todos” como dijo Segovia) pero si a los otros guitarrístas y a lo que dicen las revistas y foros especializados; y si se abre al mundo, lo hace en términos de populismo musical y de compromiso con la música de consumo. Esto entonces tiende a perpetuarse, porque, ¿que hace un joven guitarrísta que quiere estar al tanto de lo que está pasando? Probablemente se suscriba a una revista de guitarra, la mas conocida y a los mas famosos festivales y concursos: ¿y qué encuentra? un mundo de celebración encerrado en sí mismo, una parcela con sus héroes y sus modas (la presencia de la guitarra en importantes contextos musicales, cuando ocurre, no es probable que no encuentre eco en estos ambientes, por ejemplo, el intérprete o el compositor en cuestión -tal vez objetivamente importantes- no están entre los nombres que “circulan” en la escena.

Par mí  que suelo actuar casi siempre para una audiencia de no-guitarrístas  la diferencia es impresionante; por ejemplo, hace poco toqué en un festival de guitarra en Ciudad de Mexico y luego  justo después,  interpreté el mismo programa en San Francisco para un público “normal”:  parecían dos universos paralelos que no podían comunicarse entre ellos.

Aunque en la actualidad  parece animado, vital y lleno de iniciativas, es como si el mundo de la guitarra  a causa de esta ruptura con su tradición hubiera socavado su base  y que fuera por este motivo un “gigante con pies de barro”.

Existe una mordaz observación respecto a esto que he leído hace poco en el método de F.Sor y que bien  podría ser aplicada a día de hoy:  “Lo que se consideraba dominio del instrumento fué precisamente lo que impidió su logro”  (Sor, Método)

 Es una frase difícil, pero voy a aclararlo un poco con otro ejemplo: Hace poco uno de mis alumnos y yo fuímos a escuchar un concierto en un un festival de guitarra. El público se había vuelto  loco, pero mi alumno  comenta  a una persona entusiasmada que aplaudía  a su lado:        ” pues a mí no he ha dicho nada”  y la persona le contesta:  “en efecto, pues es verdad”.  La misma razón que le había hecho aplaudir le había impedido darse cuenta de que faltaba algo.

Para mí el encuentro con Segovia ha sido una revelación que ha puesto en marcha un proceso de pensamiento en continua evolución;  estoy seguro de que la guitarra  “sigue adelante” como el mismo Segovia me dijo la última vez que lo encontré en Madrid, que esperaba que ocurriera éso  después de él,  que siguiera avanzando.

El problema hoy, por referirme a la algunas veces reaflorante tormenta  no es si existe o no el nuevo Segovia;  si seguimos avanzando, cada uno puede en ese camino de apertura cultural y por lo tanto abierto a sus experiencias, romper o no con la tradición.

En cuanto a mí mismo, tengo la intención de que toda mi actividad profesional sea un intento de retomar esta tradición de la que he hablado.         Esto implica hacer algunas cosas que hoy se ven poco, en primer lugar -sin dar nada por sentado-  preguntárse uno mismo: “¿qué me dice esto a mí?  y a continuación:  ¿qué puede decir por tanto a todo el mundo?.   Recuerdo una frase del sociólogo checo Belohradsky que decía que la tradición europea significa no ser capaz de vivir  mas allá de la conciencia reduciéndola a un aparato anónimo… ;  una investigación absolutamente personal, una comparación atenta y personal con la gran tradición de composición y el rendimiento del pasado hasta nuestros días,  la conciencia crítica del valor de nuestro repertorio que es extremadamente variado en relación a nuestras necesidades.

Una de las cosas que estoy haciendo en el sentido del que hablo es la propuesta de un programa, vamos a decir de tipo popular, que relacione la historia del arte con la música. Es un programa que ha sido muy solicitado: lo he hecho unas cien veces en los dos últimos años yendo casi a cualquier sitio, desde escuelas a universidades, centros culturales, en el intento de contribuir a tomar de nuevo la música para todos, y los resultados son muy alentadores.

Como complemento he elegido tres ejemplos, cada uno significativo a su modo: una transcripción segoviana de Mendelsshon, una pieza escrita para mí por Gilberto Capelli, gran compositor que ganó el premio Abbiati y que escribe piezas breves para que incluso puedan ser escuchadas por un estudiante, y una de mis transcripciones de la obra de John Cage titulada  “A room”.

Después espero sus comentarios para  un diálogo que continuaremos mas tarde.

Gracias a todos.

Williams-Bream en dúo!!

Me encanta la música de J.Rodrigo porque posee un carácter entusiasta y jovial del que carecen muchos grandes compositores del s.XX, tal vez comprensible por la terrible vivencia de las grandes guerras mundiales. A su vez, sitúa a la música española del XX a una gran altura -con sus disonancias Stravinskyanas pero en su distintivo estilo-


La mirada de J.Williams muestra la gran admiración que siente por J. Bream, es estupendo ver ¡cómo se lo pasan! realmente espectacular y magnífico sonora y visualmente.