CONMEMORACION DEL VIGÉSIMO ANIVERSARIO DE LA ASOCIACION CULTURAL ÁUREO HERRERO (A.C.A.H.)

Cena después de un concierto A.C.A.H. (2007)

Cena después de un concierto A.C.A.H. (2007)

La Asociación Cultural Áureo Herrero celebra en este año 2015 sus 20 años de existencia y por eso afirmamos que para nosotros”veinte años si son mucho”; que han sido laboriosos y arduos pero también fascinantes y asombrosos.

Hemos actuado en este ya mítico escenario en el recuerdo un extenso plantel de músicos, conmemorando ciclo a ciclo la figura de ése gran Maestro que desveló con su infinita paciencia los secretos de la guitarra y de la música a los que tuvimos la enorme fortuna, legión por otra parte, de recibir sus intensísimas, hondas clases, y que nos hizo en definitiva fieles confidentes, sus mensajeros a través del tiempo.

Cuartetos de cuerda, tríos de viento, quintetos, rondallas, corales, bandas, piano, violín, chelo, sopranos y tenores e incluso órgano, grandes intérpretes (¡hasta un integrante de la Filarmónica de Berlín!) y noveles -pues también se brinda oportunidad a intérpretes  menos consagrados- todo ello girando en torno a la guitarra pero siguiendo la máxima de priorizar la música sobre el instrumento:

“La música es el mar, los instrumentos son sus islas”  (Andrés Segovia)

No sólo se ha atendido a la quizás erróneamente llamada música culta, sino también han tenido cabida gran diversidad de estilos musicales como el jazz, zarzuela, flamenco, copla,  canción de autor y de Sudamérica.  Áureo nunca distinguió estilos musicales sino que observó su mejor o peor calidad.

En cuanto al Curso Internacional de guitarra ha contado con eminentes profesores y sembrado fructiferas semillas entre sus participantes como es el caso del gran Roberto Morón y Sara Guerrero, entre los guitarrístas y entre los pianístas abulenses, Antonio Bernaldo de Quirós y Pablo Sáez Somoza.

A la vez se han efectuado exposiciones plásticas, conferencias, sesiones poéticas y de folclore con la participación de reputadas personalidades abulenses en estos ámbitos.

Por otra parte, es de justicia agradecer el fantástico  mecenazgo del Excmo. Ayuntamiento de El Barraco en las personas de su Alcalde José Manso, su Concejal de Cultura Carmen Lanchas, grandes melómanos y conocedores del enorme beneficio aportado a la localidad tanto en términos culturales como de muy diversa índole y, al inductor de la idea primigenia y alma mater del Festival, Joaquín Tafur, persona inasequible al desaliento, foco de atracción cultural y eterno seductor de músicos y artistas a través de sus siempre inagotables proyectos. Áureo siempre amó su pueblo y de hecho después de su increíble trayectoria musical tuvo todavía fuerzas para componer la letra y la música del bello himno oficial de El Barraco.

Haciendo balance, evocando el camino recorrido y buscando una conclusión sin dejar por ello de afrontar el futuro, pues estamos ya pronto entrando en este especial  vigésimo ciclo, podemos afirmar sin temor a equivocarnos que Áureo estaría muy orgulloso de nuestro trabajo y ésa es nuestra mayor recompensa: los que asisten a nuestros conciertos quedan ya integrados en esta gran y hermosa familia, en ése lugar de unión y encuentro en el que sentimos su auténtica alma castellana, austera, humilde,  pero de una maravillosa riqueza interior.

 

Carlos Manuel Díaz García-Muñoz

Socio Fundador y Guitarrísta

ANDRÉS SEGOVIA “A guisa de dedicatoria” por SALVADOR DE MADARIAGA

              Nace el hombre libre y apenas madura, viene a arrodillarse y ofrecerle su libertad virgen a la Divinidad. Y ora: ¡Oh, Señor, hállame un buen amo para vivir de mi esclavitud!  Los hay a quien Dios escucha con creces, y de ellos, uno de los más favorecidos fue Andrés Segovia, a quien eligió para esclavo de la guitarra. Desde aquel día, Dios y él saben cuando, se iluminó su alma, y Segovia ha sido un hombre libremente esclavo de la guitarra. La halló saladísima y traviesa en las ágiles manos del barbero de Sevilla, y en una vida modelo de fidelidad, la elevó hasta convertirla en la voz más auténtica de Juan Sebastián Bach que jamás oímos los hombres.

 Esta voz es tan auténtica de Bach que, por serlo de él, es la voz de Europa: que Europa es la síntesis más perfecta de serenidad de pensamiento y de pasión del ser que el mundo de los hombres ha conocido desde aquellas inolvidables esculturas del gran Egipto clásico; y esta doble vibración del alma humana, la serenidad del pensar y la pasión del sentir se encarnan en los tres europeos más grandes que jamás ha habido, que son Leonardo, Shakespeare y Bach. A esta trinidad, el esclavo libre de la guitarra por la gracia de Dios contribuyó descubriendo en un humilde instrumento de música popular la voz auténtica de Juan Sebastián Bach.

     Esto lo percibió pronto la juventud del mundo entero. El descubrimiento de Segovia llegó a florecer en la historia cuando todos los jóvenes del mundo arden de entusiasmo por la guitarra; y a ella entregaban su libertad en imitación, cada uno la suya, lograda o no, aceptada o no, por el Señor; por, cualquiera que fuese la intuición, el gusto, la devoción del alma, los jóvenes todos supieron de instinto que en cuando salía a escena aquel hombre sencillo, fuerte, roble humano de abundante flor, era imperioso callar todos y escuchar con toda el alma esperanzada aquella voz divina. Lo exigía en silencia el ser escogido por la Providencia para hacer sonar la pura voz del gran poeta de la música europea.

      Revolución universal, arrolladora, inaudita: todos los espacios abiertos a las audiciones de la guitarra de Segovia, abarrotados de gente: todos aquellos, jóvenes y viejos, vibrantes de la emoción más pura que darse puede, ávidos de pasar por aquella vivencia única: el goce de una imaginación espiritual sin reproche. Y aquella asombrosa sensación de libertad que los millones y millones exultaban de gozar, sentían surgir en su ánimo aquella libertad de vivir alto y puro que aquel robre español derrochaba en las almas de los cinco continentes, ¿qué era si no el fruto y la flor de toda una vida de esclavitud a su arte, el sacrificio de todos los goces menos el único y supremo goce de oír perfecto lo que en el fondo de su corazón creador habría oído Juan Sebastián Bach? ¿Quién en Nueva York o en Tokio, en Berlín o en Córdoba, vibraba de emoción inefable, se sentía por unos instantes vivir en la cúspide de su ser, pensaba en las horas de humilde trabajo del esclavo libre de aquella guitarra que día tras día y noche tras noche consumía el aceite vital de su voluntad en asegurar la perfección de la voz divina de Bach para que la oyeran las multitudes?

Segovia-Andres-23[1]

  Este es, sin embargo, el fondo de la gran revolución lanzada al mundo entero por Andrés Segovia. De la labor tenaz de aquel esclavo de la guitarra prolongada año tras año, mes, día hora, durante toda una vida nutrida de su libertad, han brotado para la humanidad enteros siglo de la más resplandeciente y pura libertad espiritual.

                                ¿Libertad?, pregunta algún dubitativo. Pues sí. Libertad es poder de selección, capacidad de escoger esto o lo otro, lo cual supone que aumenta con el área del mundo que conocemos. El mayor libertador es aquel que abre al espíritu humano continentes nuevos, el Colón del espíritu que descubre a todo hombre nuevos Perúes y Méjicos donde acampar. Esto es lo que ha sido toda su vida nuestro gran compatriota. Andrés Segovia: es descubridor para miles y millones de hombres de nuevos continentes del espíritu donde ejercer su libertad. Y lo punzante y hondo de su obra está precisamente en que por la magia de su arte, la libertad que ha regalado a las multitudes está amasada de su propia esclavitud. Que ser esclavo no es incompatible con ser libre; antes bien, no es fácil que un hombre sea del todo libre si Dios no le ha concedido un amo grande de veras a quien sacrificar su libertad.

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(Andrés Segovia, el liberal cosmopolita por Carlos Andrés Segovia) (Enlace)

http://guitarra.artepulsado.com/guitarra/reflexiones_segovia.htm

AUREO HERRERO 2012 ¡Apoteósica XVIIª edición del ciclo de conciertos homenaje! (resumen final)

Tras  sus  cinco  actuaciones  anuales  consecutivas,  el  eminente  concertista  Piero  Bonaguri,  amigo  ya  de  este  Festival-Ciclo  de  Conciertos  Homenaje   a  Áureo Herrero,    ofreció  un  recital  de   amplio   recorrido    por       diversas   épocas   y  estilos  musicales,  demostrando   una   vez   mas   que    no   todo   debe   ser  efímero, ocurrente, y  divertido como  en  el  reino  de  los frikis (inevitable  neologismo) actual,  sino  que  existen  unos  valores  universales  que  son  reconocibles  y  alcanzables.

Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: "Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento."
Piero Bonaguri en el XVII Ciclo Áureo Herrero: “Homenaje a Andrés Segovia en el 25 aniversario de su fallecimiento.”

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Abordó primeramente (con una preciosa timbrica producida en su magnífica guitarra Julián Gómez Ramírez) el período  renacentista  español  con la  Canción  del  Emperador  y  las famosas  Diferencias  sobre  Guárdame  las Vacas de  Luys de Narváez,  compositor que se dedicó sobre todo a la polifonia vocal y  a la  música de vihuela  por la que es mas recordado en la actualidad,  en  la corte  de  Carlos I  y  posteriormente de su hijo  Felipe II.

A  continuación   cinco  maravillosas  transcripciones   de   Andrés  Segovia  efectuadas sobre  la obra de  J.S.Bach:  Prelude,  Courante,  Fugue,  Siciliana  y  Gavotte.

Siguiendo   con   música    de   auténtica   altura,   de   nuestro   gran  Fernando  Sor interpretó  las Variaciones  Op. 9  sobre un tema de la  Flauta Mágica de Mozart,  obra de primer orden  guitarristico.

P.Bonaguri XVII CICLO A.HERRERO

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Del Turolense y ganador del premio, entre otros innumerables,  Iberoamericano Tomás Luis de Victoria,  Antón   García   Abril,   el   Planto   (en el día de la muerte de Andrés Segovia)  dió paso a la serie de piezas inspiradas  y escritas en  homenaje  a  A.  Segovia por compositores  actuales italianos . 

Interpretó,  como estreno en España, la obra   “Homenaje  a Segovia” del  genovés  Roberto  Tagliamacco . Igualmente,  hizo lo propio con   Fughetta sulle corde vuote  de   Marco Reghezza  (San Remo)   –como estreno  en  España-    obra  en  la  que  las  entradas  de  cada  voz  son realizadas sobre cuerdas al aire.   Del milanés  David Anzzaghi   (otra obra  de estreno en España)   su preciosa  Segoviana,  dividida en dos partes,  mostrando en la 1ª  al Segovia de fuerte personalidad  para en la 2ª recrear  al Segovia mas sensible. (visualizar en el enlace siguiente el estreno absoluto de la obra en Milán.)

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=m_sVi8jNHOc

Para  terminar la primera sección,  el estreno mundial de Pippo Molino (Milán), su Frammento  F (da Peguy)  nel  25simo  della  morte  di  A. Segovia,  pieza que evoca con acierto   la  música  compuesta  por  los vihuelistas españoles.

                                                                                .Piero Bonaguri/XVII ciclo A.HERRERO 2012

Los   Mayos,    Albada   y   Fandanguillo  de   Moreno   Torroba  de   tan  grato  recuerdo,  y  del  gran Castelnuovo-Tedesco  (que  cobra  doble  valor  al  ser  uno  de  los  mejores  intérpretes de este compositor) su Tonadilla sobre el nombre de Andrés Segovia y su briosa  Tarantella,  en  una   ya  mas  concisa  segunda   parte,   fueron  interpretadas por Piero Bonaguri.

Para finalizar este admirable recital,   una no menos espléndida versión de la Sevilla de Albéniz.

Recital P.BONAGURI - XVII CICLO ÁUREO HERRERO

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Conferencia por PIERO BONAGURI: “25 años del fallecimiento de ANDRÉS SEGOVIA”

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25 años del fallecimiento de Andrés Segovia

En  el  encantador   Museo  de  la  Naturaleza  Valle  del  Alberche  se  celebró  esta   conferencia   el   día   17   de agosto   de   2012   con  esta  reflexión  introductoria de Oscar Ghiglia sobre Segovia:   

                                                              ” Su  visión  estética   y profunda  poética  de   la  música   siempre   tiene   que   ser   nuevamente   descubierta,   especialmente   en    un  mundo  de  degradación  artística  como  es  el  actual”

Una  lectura  atenta  de  su  biografía   puede  ayudarnos   a   fijar  los  aspectos  fundamentales  y  siempre actuales de sus  concepciones artísticas  y  humanas. La crítica mundial ha considerado a Andrés Segovia como un músico de auténtico talento, pero si examinamos su figura en profundidad,  debemos darnos cuenta de que su  mérito  va  mucho  mas  allá…   originario  de  un  sencillo   pueblo (Linares,  año  1893)  un   muchacho  que  llega  a  alcanzar   la   cima   musical  interpretativa  solamente  con  su voluntad  e  intuición;  consigue superar todos los obstáculos musicales,  culturales  y  sociales   con  su  atrayente  personalidad,  ingenio  y  perseverancia  -teniendo en cuenta además que  no pertenecía a una  familia hacendada-   para  situarse  a  la  cabeza  de  los solistas   internacionales    mas renombrados.

Andrés  Segovia  cuando  era   niño  fue  abandonado  en  la  casa  de  sus tíos  por  lo  que  lloraba desconsoladamente y  su  tío para distraerlo, recitó  un  poema  en  el  que  imita  con  la  boca  el  sonido  de  una guitarra,  hecho  que capta enormemente su atención.

A  los  10  años  lee  el  libro   Granada  de  Angel  Ganivet,   algo  poco habitual en un niño y que demuestra su precoz inquietud cultural.

Una vez  escuchó  a  un  profesor  de  flamenco  y quedó  deslumbrado  por  el  sonido  de  la  guitarra.   Mas  tarde escuchó  un  preludio  de  Tárrega   -aunque  no  excesivamente  bien  interpretado-  y  fue entonces  cuando decidió  dedicar  sus  energías  a  aprender  a  tocar  el  instrumento

Descubre el  libro de armonía de  Hilarión Eslava,  que  estudia con fruición.  Simultáneamente  estudia  guitarra   con enorme  coraje,  convirtiéndose,  según sus palabras,  en “su propio maestro”.

Debuta  en  Granada  a  los  16 años  con  éxito  de  la  crítica.

Para él es fácil hacer amigos,  conoce  y admira a  Miguel Llobet,  y también a Gaspar Cassadó, que le presentará a varios empresarios.

Lección magistral antes de la conferencia/ P.Bonaguri

Sus  amigos  le ayudan muchísimo y  le  hacen  ver  la  posibilidad de  ganarse la vida como concertista.

Se da cuenta de la necesidad de ampliar el  repertorio guitarristico al tomar  consciencia  del  maravilloso y extenso repertorio  pianístico,  y  posteriormente  instará  a   reconocidos   compositores  (Moreno-Torroba, Ponce, Villalobos,  etc.)  a  componer  para  guitarra.

 

Cartas de Andrés Segovia a Salvador de Madariaga

Piero  Bonaguri  lanzó  un  reto,  desde  su  extrañeza,   hacia  los musicólogos  presentes  en la sala  sobre  porqué  todavía  no  se  habían realizado  investigaciones de las interesantes cartas de Andrés Segovia al escritor y diplomático Salvador de Madariaga.

  Dos frases de  Andrés Segovia, para  concluir,  citadas por  Piero Bonaguri  durante  la conferencia:

“La música es un mensajero veloz de pensamientos hondos”

“Me hubiera gustado vivir hasta el fin de siglo para conocer la nueva música para guitarra”

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Carlos Díaz   “dejó a la música para guitarra, por su dedicación y buen hacer,  a  gran altura”  según  palabras de la escritora,  poeta,  filósofa,  dibujante  y  pintora  Alicia López Vega, dejando constancia de quien fue su gran maestro nacido en esta bella localidad de El Barraco  que  tanto amó.

XVI CICLO 2011 BARRACO GERSHWIN 247

 

Con la Iª Pavana de Luis de Mylán comenzó el recital, pieza original para  vihuela  incluida  por  el compositor   valenciano en su libro El Maestro de un total de seis y dedicada a Juan III de Portugal -es una danza lenta de origen italiano.  Las Diferencias sobre Guárdame las Vacas de Luys de Narváez, creador de las primeras variaciones de  la historia  de  la  música,   fue  la   siguiente   pieza   del   renacimiento  español, muestra  que a continuación  concluyó  con  la  Fantasía  X  de   Alonso   de  Mudarra   “que   contrahaze  el  arpa  a  la  manera  de Ludovico”  en  la  elaborada  versión  de  Áureo  Herrero, es  la  pieza   mas   famosa   de   este  autor  e   imita  polifónicamente   en   el  efecto   de  variolaje con   espectaculares  disonancias  el  sonido  del citado instrumento  tras   una  preciosa  introducción.

XVII CICLO 2012 A.H. CARLOS DIAZ

 

Del  período  barroco interpretó Preludio y Bourre  de la  suite  nº1   para  laúd  de  J. S. Bach,  y de Francois Couperin,  ecuánime músico de la corte de Luis XIV apodado  “el grande”  para distinguirlo de  otros miembros,  músicos  también,  de  su familia  y  que  mantuvo correspondencia con  el mismo  J. S. Bach,  la elegante danza cortesana -estilo galante- originaria del mismo sitio que su nombre,  Les  Canaries.    

               Le  Cou-Cou, memorable pieza  de Claude Daquin, fue el último ejemplo del barroco galante  -en la que se imita  el esperado canto de  un ave  que  anuncia  la  primavera:  el cuco-   siempre  en  las  magníficas transcripciones  de  Áureo Herrero.

Las Variaciones  “sobre un tema de la Flauta Mágica de  Mozart  Op.9”, probablemente las mas perfectamente rematadas y famosas de sus variaciones sobre  temas  de  otros compositores, conformaron la última obra de la primera parte.

  Entreacto, Canción y Seguidilla de la Fantasía de Carmen de G.Bizet fueron las piezas con las que Carlos Díaz abrió la segunda parte de su recital y  que combinan belleza y virtuosísmo, en la transcripción de Wolfgang Lendle.

 Del compositor de origen belga  César Frank  las primorosas  4 Piezas breves   -prácticamente coetáneo del  malogrado   Bizet  –   fueron interpretadas según  pautas “segovianas” en una mas de las siempre acertadas transcripciones de Andrés Segovia.

Andrés Segovia con Joaquín Rodrigo

 Prosiguió  Carlos Díaz  con  la realización de  El álbum de Cecilia,  de Joaquín  Rodrigo,  probablemente el compositor mas importante en España del siglo XX ,  que  agradó mucho  a los presentes.  Transcrita   para   guitarra  – en   una   aparente   pero   engañosa   sencillez  por  su  cercano  colaborador   Pepe  Romero-   es compuesta   originalmente   por   el  maestro  en el piano  para su hija y que ésta interpretó a los 11 años en el Círculo Cultural Medina en 1952, incluye polifonía a dos voces y ritmos muy vivos de gran exigencia técnica.   Se divide en  las siguientes piezas:   -María de los Reyes (sevillana) recreación de la danza flamenca sobre las primeras notas de la escala de Do mayor contrapuestas a una delicada melodía secuencial.  -A la jota (jota de las palomas) otra forma de danza que se caracteriza por un animado ritmo antes de una sentida copla.   -Canción  del  hada  rubia   y -Canción  del  hada  morena, que son dos números contrastantes con una atmósfera lírica lenta la primera para seguir con una pieza de ritmo vigoroso y melodías en staccato y punteadas.  -El negrito Pepo que hace referencia a un animal doméstico de la familia, ofrece un bajo rítmico y una intrincada melodía con una sección central de agitados ritmos, y -Borriquillos  a  Belén (finale) presenta diseños de filigrana y punzantes armonías frente a una imprevisible y caprichosa melodía.

Carlos Díaz interpreta a Joaquín Rodrigo

El animado Fandango titulado graciosamente  ¡Qué buen caminíto!  que   J. Rodrigo   dedicó  a  la  gran  profesora  e   intérprete  América   Martínez   y   que  combina  la técnica  del rasgueado  con efectos de rápidas escalas y series de stravinskianos acordes,  dio  fin  al  recital.

Ofreció de propina la renombrada canción de cuna “Summertime” de G.Gerswhin como agradecimiento al público.    

Carlos Díaz/XVII Festival Áureo Herrero      

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El  magnífico   Spiral  Trío,  debe  su  formación  al  encuentro  de  sus  jóvenes  componentes  en  Basilea  por  la    coincidencia  en  realizar  sus estudios de Master en sus respectivas especialidades y Música de Cámara.  Antón Kernjak,  su primer  profesor   de música de cámara,  les anima  a proseguir con esta formación  poco habitual consejo que han seguido con éxito hasta el día de hoy.

Spiral Trío en el XVII CICLO AUREO HERRERO 2012
Spiral Trío en el XVII CICLO AUREO HERRERO 2012

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El  Spiral  Trío   está  formado  por   Federico  Bosco   -piano-   Beatriz  Blanco   -cello-  y   Pablo  Barragán   -clarinete-  (sus  impresionantes  curriculums  pueden  ser  visitados  en  aureoherrero.org)  e intenta  buscar  una atmósfera especial basándose  en  la mezcla de colores y  texturas  con la combinación  de  sus instrumentos  que   poseen  un cálido  y  expresivo timbre. 

El concierto  comenzó con  la seductora obra para  clarinete solo de B.Kovacs titulada “Homenaje a Falla”   en la gran versión  de Pablo Barragán.  Federico  Bosco  tocó  una  de  las   obras  pianísticas  emblemáticas  del  repertorio pianístico español continuación, la Fantasía Bética de M. de Falla. También dió cuenta de   su   portentoso   sonido  Beatriz   Blanco   – con  un  violoncello de Lorenzo Storioni (Cremona  1790)-  en Requiebros, de G.Cassadó,   con un  sobresaliente acompañamiento  pianístico,  de  forma homóloga  que  la  siguiente  obra ejecutada por   Federico Bosco  junto  al vivaz clarinete de  Pablo Barragán:  Vals venezolano para clarinete y piano de P. De Rivera. Otro  fantástico  dúo  con  la  obra   para chelo y piano   (B.Blanco y F.Bosco)  “En  el  estilo  de  Albéniz”  del gran compositor  moscovita  Rodión  Schédrin,   muestra  la  fascinación  que ejerce  la  música  española  sobre  el pueblo ruso,   concluyendo así  la primera sección. (Es posible escuchar la ultima obra mencionada en el enlace de abajo.)

https://soundcloud.com/beablanco/r-shchedrin-imitating-alb-niz?utm_source=soundcloud&utm_campaign=share&utm_medium=twitter&utm_content=https://soundcloud.com/beablanco/r-shchedrin-imitating-alb-niz

XVII CICLO 2012 A.HERRERO/ Spiral Trío

El  gran  Trío   para   clarinete, chelo  y  piano  en  la menor  op. 114  de Johannes Brahms (compuesto gracias al encuentro entre éste y otro músico excepcional, el clarinetista  Richard Mühfeld e interpretado  por el propio compositor  en Meiningen  por vez primera)   denota  un  notable  trabajo  de  elaboración   y  cuidado equilibrio  sonoro entre instrumentos siendo muy dispares el chelo y clarinete por sus timbres hetereogéneos y por la forma de producción del sonido pero quedando de enlace complementario el piano, todo ello evidentemente siempre, bajo el magistral prisma brahmsiano.

Spiral Trío dejó la impronta de la música del período romántico en este magnífico y variado concierto, donde sus componentes hicieron gala de su polivalencia y gran interés musical.

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XVII CICLO AUREO HERRERO/Jose María Bailo

El estupendo recital de Jose María Bailo incluyó una densa primera parte  compuesta  en el  inicio  con  la interpretación  de  la  siempre melancólica  Fantasía  num. 6 en  Mi menor  Op. 21  <los adioses> de  Fernando Sor. 

La  segunda  obra,  la   monumental  Chaconne  BWV  1004   de  J.S.Bach   ofrecida  en  una  muy  ortodoxa  versión  por  el concertista  concurrió   en  la  Rossiniana  nº 3   de  Mauro  Giuliani,  una virtuosistica y chispeante  pieza  que evocó  los  grandes  éxitos  del  compositor  italiano  en  los  salones   y   jardines  de  la  corte de María Teresa de Habsburgo en Viena.

La Fantasía sobre un tema escocés  Op.40  de  F.Sor abrió la segunda sección, el bello  tema  fue desarrollado a la manera  “sorsiana”, con  el   eficaz   resultado   acostumbrado.   Sueño   (Mazurka),   Lágrima,  Marieta,  Vals  en  Re  Mayor  de   F.  Tárrega,  seguidamente,  dieron  muestra de la dimensión artística del concertista,  pero quizá fué en los  cuatro  preludios  de  M. D. Pujol  (Preludio tristón,  Tristango en vos,  Curda tangueada, Candombe en Mi) donde   Jose María Bailo se encontró  mas  a  gusto. Con la graciosa  obra  Aires de la Mancha  de  F.M.Torroba  (Jeringonza,  Ya llega el invierno,  Coplilla,  La pastora,  La seguidilla)  dió por concluido este consistente recital.

Como regalo final: tema de Lara de la película  Dr. Zhivago (Maurice Jarre)

J.M.Bailo/Festival Áureo Herrero 2012

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Charla-Conferencia “La técnica de la Guitarra”

por JOSE MARIA BAILO

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Jose María Bailo  comenzó su disertación resaltando  la necesidad de evitar los vicios técnicos en el estudio e interpretación de la guitarra pues  su corrección entraña gran dificultad.

Recomendó el famoso libro de  Abel Carlevaro “Escuela de guitarra”  y mencionó, entre otros, el  de la Técnica de David Rusell en 165 consejos. Tambien aconsejó huir de las verdades absolutas. Otro gran libro para Bailo de reciente publicación es Pumping Nylon de Scott Tenannt.

 Realizar  ejercicios  prácticos  y específicos  de  ambas  manos  por separado y en conjunto, ejercicios de velocidad, escalas y acordes, a modo  de calentamiento.  Encontrar  el  equilibrio  de  los  hombros  con  la  espalda, realizar  ejercicios  de  manos  de  tensión-relajación  y,  en  general,  huir  de  todo  tipo  de  tensiones,  posturales  sobre   todo.  Al  finalizar la sesión,  también  es aconsejable  realizar  ejercicios  de  estiramientos.   Como   actividad  complementaria  sugirió  la  natación.

Jose María Bailo, por último,  afirmó que después de la práctica  la comprensión de un ejercicio pasa por poderlo realizar lentamente.

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La gran concentración y elegante estilo de Adalberto María Riva.
La gran concentración y elegante estilo de Adalberto María Riva.

El maravilloso pianista Adalberto María Riva brindó a  la rebosante audiencia de  la sala Áureo Herrero una de esas inolvidables veladas que nos lleva acostumbrando ya desde hace cinco temporadas consecutivas,  cuando tuvimos  el  honor  de  conocerlo.   Comenzó  con  la  Villanella -di anonimo- y Gagliarda -di Vicenzo Galilei-  Da “Antiche danze e arie per liuto” de Ottorino Respighi.

Isoldes Liebes-Tod -Wagner-Liszt

El  Preludio  y  fuga  in si menore (Bach-Liszt)  fué  una nueva muestra del recogimiento gestual pero a la vez refinado estilo de Adalberto María Riva calificado por la crítica especializada de “aristocrático”. En el sin duda culminante momento del romanticismo, la pieza Isoldes Liebestod (muerte de amor de Isolda) se pudo apreciar la gran inspiración de la obra de Wagner tamizada a través del piano de F.Listz, en una de sus transcripciones mas musicales . La animada Marcia militar no. 3 de F.Schubert (Tausig) estimuló a la audiencia de ese momento de ensoñación, para concluir con las grandiosas Variazioni su di un tema de Haendel OP 35 de J.Brahms -24 variaciones y fuga-

  Momento   de  bises  tras   la   gran  ovación recibida:  Ave María  de Schubert.   Nueva   ovación   y   nueva  respuesta  del  intérprete:   Estudio   La Campanella  de Liszt. El público  continúa aplaudiendo   con energía y Adalberto María Riva corresponde  a su petición,   ya como punto final,  con el  sublime aria de Bach,“Jesu maine fraude” (“Jesús, la alegría de los hombres”.)  
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Pedro Martín en el XVII Ciclo Áureo Herrero
Pedro Martín en el XVII Ciclo Áureo Herrero
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El concertista de amplia trayectoria Pedro Martín, destacado alumno de  Áureo Herrero,  que  compagina  a  su vez esta  actividad  con  la  plaza  de  profesor  en  el  Conservatorio  Profesional  de  Ciudad  Real  y  que  impartió  el Curso  Internacional  de  Guitarra 2007  dentro  de  este mismo Ciclo  A.Herrero, ofreció  su  recital basado,  según  explicó,  en diversas  vivencias  de  ese  pasado  curso  internacional  dentro  de  este Ciclo  de  conciertos.

En  recuerdo  de  una  joven  alumna  que  practicaba  estas  obras   y  que por motivos profesionales  tuvo que abandonar el estudio de la guitarra,  ofreció  en  primer  lugar  Serenata,   Elogio de las lágrimas  y  La  Pescadora (3  Lieder  de  Franz   Schubert)   y   las  Variaciones  “sur l´air Malbroug” op.28  de Fernando Sor.

Completó  la  primera  sección  con  el  Fandango  variado  op. 16  de  Dionisio Aguado,  una  de  las  composiciones mas  reconocidas  del  compositor  Fuenlabreño  e  inventor  del tripedisono, una vez mas,  en  una  impecable  versión.

PEDRO MARTIN XVII CICLO A.H. 2012
Tres piezas de los viajes de Marco Polo(A.FDEZ.) por PEDRO MARTIN
XVII CICLO A.HERRERO 2012

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La interesante segunda parte  ofreció  en primer lugar las efectistas  tres  piezas  de  Los  Viajes de Marco Polo   del compositor sevillano Antonio Fernández:  1)Cuando las dos esencias de la naturaleza son claras y brillantes 2) En un claustro taoísta 3) Habiendo subido a un pabellón de varios pisos.

Después la obra Fasic del compositor castellano-manchego Miguel Herreros creó un  clima de misterio, aderezado con fraseos arabescos cercanos al estilo flamenco.

Pedro Martín terminó oficialmente su notabilísimo programa con tres piezas de Astor Piazzola con su característica pulcritud y control de sonido. 1) Verano Porteño -tango- 2)Milonga del Angel -milonga-  3) Primavera Porteña -tango-

Una deliciosa propina para coronar el recital:  Alfonsina y el mar.

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Charla-Conferencia por PEDRO MARTIN:

<<La técnica de la Guitarra del siglo XXI>>(Museo de la Naturaleza-salón de actos-)

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PEDRO MARTIN-La técnica de la guitara del siglo XXI
Conferencia “La técnica de la guitarra del siglo XXI” por PEDRO MARTIN
XVII CICLO ÁUREO HERRERO

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Pedro Martín  comenzó su exposición  comentando el  rechazo que produce el “montaje” de una pieza de música contemporánea al ser inicialmente   duro  y  mencionó  en  una   comparativa de  épocas la similitud entre el Preludio  de J.S.Bach -de la serie  preludio fuga y allegro- y el estudio nº 1 de Brouwer (enunció la frase de Mozart de que la música está entre las notas)

La repetición va haciendo que la música, si tiene calidad,  nos vaya resultado mas admisible hasta poder llegar a cautivarnos.

El amplísimo abanico de posibilidades tímbricas hace de la guitarra uno  de  los  instrumentos  mas  atractivos para  los  compositores  actuales, que incluso en las manos de diferentes intérpretes cambia su timbre.

Tecnica de la guitarra en el S.XXI por PEDRO MARTIN

Pizzicato,   armónicos  naturales  y  artificiales,   golpes  en  la tapa  y aros,  pizzicato bártok,  vibratos,  rasgueos,  cambios de afinación  de  cuerdas, etc,  son  técnicas  ineludibles  para  la  interpretación  de  la música contemporánea  que se deben conocer.  Puso  como ejemplo  Paisaje Cubano  con Rumba  de Brouwer en  donde se introduce  una cerilla  entre las cuerdas  o  tiras de papel  para simular  el sonido  del  chequeré  o  las  maracas, instrumentos  de  percusión de  origen afrocubano (guitarra  preparada).

Hasta  el  año  1920   no  existían   compositores  no  guitarristas  que   hubieran escrito para guitarra,  la  obra Homenaje  a  Debussy  de  M. de Falla  fue  el primer embrión  -compuesta a petición de Andrés Segovia-  de  la  composición de compositores no guitarristas para guitarra  de nuestros días.

Debemos tener en cuenta que interpretan música contemporánea, e  influyen  decisivamente   en   su  difusión  y  evolución,  todos  los  grandes  guitarrístas.

Pedro  Martín   aconsejó  tocar  música  contemporánea  para  guitarra  aunque  solo  sea  por divertimento.

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El Trío Paderewski formado por  Catherina Lemoni -piano- Francesco Bartoletti -violoncello- y David O´Doherty -violín-  ofreció un espléndido concierto en el   Salón Áureo Herrero que inició con el precioso Trío Círculo  (Amanecer-Mediodía-Crepúsculo) de Joaquín Turina, compositor que posee mas y mejor música de cámara de su generación y que contribuyó enormemente al despegue de la música española a nivel internacional.

El Trío Paderewski en el XVII ciclo Áureo Herrero
El Trío Paderewski en el XVII ciclo Áureo Herrero

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Del compositor checo Leos Janacek, Catherina Lemoni acompañó a Francesco Bartoletti en  Pohadka, una obra  a caballo entre la tradición clásico-romántica y la vanguardia musical de la época.

Francesco Bartoletti en Prohadka
Francesco Bartoletti en Pohadka

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Caterina Lemoni,  premiadísima solista internacional,  interpretó después una pieza de las posiblemente mas difíciles e importantes escritas para piano en el siglo XX:  Triana de Isaac Albéniz.

XVII CICLO 2012 A.H./ Catherina Lemoni

El  fabuloso violinísta  David  O´Doherty  también ofreció otra gran obra virtuosística española y  no escuchada antes en este auditorio: Aires Gitanos de Pablo Sarasate, con la que arrancó a su finalización una gran ovación de los asistentes.

David O´Doherty interpreta Aires Gitanos de P.Sarasate
David O´Doherty interpreta Aires Gitanos de P.Sarasate

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En la  segunda  parte  del  programa el  Trío  Paderewski  tocó el Trío en Re menor con piano de Félix  Mendelssohn calificado   por   Robert  Schumann   como   “el  trío  magistral  de  nuestra  época”.  Es una obra  alegre,  exhuberante y exquisita en la que predomina la parte del piano, pero siempre manteniendo el equilibrio instrumental. (Ante el gran reconocimiento del público el Trío Paderewski interpretó nuevamente a modo de cierre el Scherzo.) Se divide en los siguientes movimientos: l) Molto Allegro e agitato. II) Andante con moto tranquilo. III) Scherzo.Leggiero e vivace. IV) Finale. Allegro assai appasionato.

Trío en Re menor-Mendelssohn por el Trío Paderewski
Trío en Re menor-Mendelssohn por el Trío Paderewski

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En   otra   memorable   jornada   el   gran   guitarrísta   internacional  Antonio  Domínguez Buitrago  interpretó junto al Trío Paderewski obras de su autoría y de otros compositores. La primera obra, el Terzetto en cuatro movimientos   de  N. Paganini  (guitarra-violín-chelo)   fué   muy  aplaudido por el auditorio.  Luego,  los   mismos  intérpretes ejecutaron la  Fantasía  Op. 7  de  Domínguez,   obra  en  un  lenguaje  moderno  que  juega hipnóticamente con nuestro estado de ánimo llevándolo a través de un imaginario de  “nubes y claros.” (Recientemente en su faceta de compositor, Domínguez ha estrenado su concierto para flauta de pan y orquesta en la localidad de San Petesburgo con la State Orchestra St Petesburg  Hermitage  Kamerata con Michel Tirabosco como solísta.

A.Dguez,D.o´Doherty y F.Bartoletti tocan Fantasia Op 7 de A.Domínguez
A.Dguez,D.O´Doherty y F.Bartoletti tocan Fantasia Op 7 de A.Domínguez

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http://www.youtube.com/watch?v=bhC0w5Qrw6s   (pinchar enlace para visionar la obra)

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Interpretó Antonio Domínguez seguidamente una soberbia versión del  Capricho  Diabólico  “homenaje  a Paganini”   del  gran   Mario Castelnuovo-Tedesco,  a modo de interludio.

XVII CICLO 2012 A.H./ANTONIO DOMINGUEZ

David O´Doherty  demostró  nuevamente  sus dotes virtuosísticas  e  interpretativas con el  Rondó de N.Paganini  (La Campanella)  del concierto  num. 2  OP 7   acompañado  por Antonio Domínguez y miembros del Trío Paderewski.

XVII CICLO 2012 A.H./ David O´Doherty

Asimismo, Catherina Lemoni interpretó una efectista obra compuesta por su profesor el reconocido pianísta y pedagogo Christian Favre, de difícil memorización al pertenecer a un lenguaje  atonal al estilo  Schoenbergiano.

XVII CICLO 2012 A.H./Catherina Lemoni

La preciosa obra de Raymond Vauterin en estreno mundial,  el Trío  pour guitare,  violon  et violoncello,  dividida en sus tres secciones  (Resoulement  /Sereinement  /Farandole)  cerró esta apasionante jornada.

XVII CICLO 2012 A.H./Trío pour guitare-viiolon-chello de Raymond Vauterin por A.Dguez-D.O´Doherty-F.Bartoletti

Raymond Vauterin felicita a Antonio Dominguez y David O´Doherty en el estreno de su Trío pour guitare,violon et violonchelo.
El compositor Raymond Vauterin felicita a Antonio Dominguez y David O´Doherty en el estreno de su Trío pour guitare,violon et violonchelo.
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Vista longitudinal de la nave central
Vista longitudinal de la nave central

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Por segundo año consecutivo  nos desplazamos a la  arcana localidad de Fontiveros, cuna del poeta místico  S. Juan de la Cruz. La Parroquia  de San Cipriano considerada la mayor iglesia de estilo mudéjar de la zona y monumento declarado bien cultural del patrimonio español,  donde se encuentra el maravilloso órgano castellano del S.XVIII, construido por Pedro Llañeza en 1779 y restaurado por Joaquín Lois en 1991. Tiene una preciosa caja con cinco calles escalonadas para los tubos con motivos rococós dorados y tiene un único teclado de 45 notas con octava corta y un pedal de 8 pistas, con 10 registros en la mano izquierda y 13 en la derecha.

Detalle de la bóveda en crucería.
Detalle de la bóveda en crucería.

  El fagot, instrumento interviniente también de este concierto, es un tubo ligeramente cónico, con una longitud total de 2,60 metros que en la práctica se reduzca a un instrumento de 1,40 metros al utilizar dos tubos. Consta de cinco elementos construidos cuatro de ellos en madera y uno en metal: -cuerpo pequeño(tudelero) -cuerpo grande(tubo bajo) -culata(pieza que une ambos tubos) -pabellón o campana -tudel de cobre con la doble lengüeta.  En ambos cuerpos están los orificios, llaves y anillas. 

La  fagotista  Cristina  García  Casado  junto  al  organista  David  López  Peláez (ver sus curriculums en aureoherrero.org), ofrecieron un precioso concierto barroco acorde con las características de este tipo de órgano de afinación mesotónica (de tonos medios) y con obras transcritas por los propios intérpretes.

Vista oblícua con artesonado y órgano.
Vista oblícua con artesonado y órgano.

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La luminosa música del veneciano Antonio Vivaldi fue la obra preliminar con la Sonata para violoncello y continuo en Si bemol mayor clasificada por expertos de obra maestra.

Cristina García Casado y David López Peláez/XVII C.AUREO HERRERO interpretan A.Vivaldi y B.Marcello
Cristina García Casado y David López Peláez/XVII C.AUREO HERRERO interpretan A.Vivaldi y B.Marcello

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De otro veneciano, Benedeto Marcello, ofrecieron su sonata para cello y continuo en Fa mayor  -siempre en transcripción-.  Su música  se caracteriza por la gran imaginación, contrapunto y elementos galantes, además de para resaltar el volumen sonoro de la fagotista.

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David López Peláez/XVII C.AUREO HERREROComo entreacto David López interpretó dos piezas de Tomás Luis de Victoria.

David López y Cristina García/XVII C.AUREO HERRERO

Con la transcripción de la Sonata para cello y continuo en Sol menor de Benedetto Marcello que cautivó a los asistencias por su dulce sensibilidad y ternura, Cristina García Casado y David López Peláez terminaron este magnífico concierto barroco que el público agradeció con unos largos aplausos. 

Concierto órgano y fagot/XVII C.AUREO HERRERO

                                    Para consultar otras actuaciones e intérpretes visitar aureoherrero.org  sección Ciclo de Conciertos XVII Edición.

 

 

 

DESPUÉS DE SEGOVIA (por Piero Bonaguri) Puede todavía la guitarra interesar a todos? -discurso en la Convención de Pontedera, Italia

Segovia solía decir: “El artista es un hombre como los demás y no debería nunca enamorarse de sí mismo, perdería irremediablemente algo… como los demás pero con un maravilloso don extra: y por ese don debe estar siempre cercano a cada hombre”.

Es innegable que la carrera de Segovia ha tenido ese efecto sobre los demás: no solo se aseguró de que el mundo de la música se percatase de la guitarra, sino que también atrajo a muchas personas hacia la música clásica. Para resumirlo en la afortunada expresión de Oscar Giglia,  “la guitarra se ha convertido en un embajador de la música culta”.

Pero creo que la clave de este acontecimiento universal debe ser visto como lo que nos puede parecer una paradoja: Segovia conmovió a todos porque mantuvo altísimos sus objetivos y nivel de estudio. De hecho, buscó la esencia del valor artístico que puede ser entendida por el hombre.

El artísta es un hombre como los demás y por eso debería estar cercano a todos de acuerdo con la definición de genio que leí: “El genio es el que expresa lo que otros no serían capaces de decir, pero que al oírlo  reconocen como propio”.

La profunda conferencia de Carlos Andrés Segovia publicada por la Fundación Segovia en Linares sugiere  para entender la obra de Segovia  un itinerario de círculos crecientes  -como un zoom, del pequeño al mayor-  de la música a la belleza,  a la metafísica, al hombre.

Recordemos algunas de las frases del Maestro: “La música es un océano, los instrumentos son sólo islas”, además también dijo: “los guitarrístas deben ser iluminados por el sol de la cultura”. En una de las últimas entrevistas a Segovia en Milán en 1985, estando yo presente, fué preguntado: ¿que queda al final?  respondió:  “Al final queda la bondad”.

Recientemente Filippo Michelangeli (*) dijo que los guitarrístas son gente buena. Pienso que puede ser debido a la persistencia de su personalidad que directa ó indirectamente nos ha atraído  a todos a la guitarra.

(*) Filippo Michelangeli es guitarrísta, compositor, editor y ganador de numerosos premios nacionales e internacionales, miembro de jurados de concursos internacionales y que en el año 2003 recibió el Premio de las Artes y Cultura (Palacio del Senado de Milán)

El éxito universal de Segovia también favoreció, como sabemos, el comienzo de un mercado de la guitarra, fué creada una demanda que justificó la oferta y por lo tanto la categoría profesional del guitarrísta. Así, en la onda de esta popularidad, la guitarra en el período de posguerra  entró en los conservatorios y aparecieron un enorme número de guitarrístas profesionales repartidos por todo el mundo.

Pero al mismo tiempo en el mundo de la música, contemporáneamente,  parece haberse caído más y más en ese “enamorarse de sí mismo” que tanto repelía a Segovia: lo veo en tanto tecnicísmo como fin mismo, un cierto enfásis analítico y filológico como fin mismo, en el intelectualismo estéril de tanta música de vanguardia hecha para si misma.

En este período digamos a partir de los años sesenta-setenta, los guitarrístas, bienvenidos a las programaciones oficiales musicales gracias al trabajo de Segovia, cometieron un error decisivo en mi opinión: cortaron con la tradición de la que venían y dejaron de referirse a ese “hacer musical” en sentido elevado y por consiguiente a ese público universal mencionado antes, pero a cambio intentaron mas bien adaptarse al estilo prevaleciente de moda, eligiendo caminos que en teoría los habrían equiparado a los otros instrumentistas y podrían ser aceptados como iguales,  pero que en la práctica han hecho perder audiencia minando su inserción en el mercado.

Por ejemplo, los guitarristas pensaron que era necesario  emanciparse del repertorio que ellos mismos sentían insuficiente comparado al  que interpretaban los otros instrumentistas. Recuerdo la controversia sobre las transcripciones: pareció obligado a toda costa  tocar el repertorio original y todas las piezas en su versión integral sin ser capaces ni querer  en términos absolutos, dar valor o probar música intelectual de algunos compositores contemporáneos que estaban de moda. Pero era como decía, el aire que soplaba en ese momento; recuerdo la caústica observación del gran compositor Niccoló Castiglioni: ” La moda de las ediciones integrales es síntoma de la incapacidad de elegir lo que realmente tiene valor”.

La tendencia a superar la “anomalía” de nuestro repertorio se reconoce incluso en la presentación de los programas de estudio de guitarra en los conservatorios italianos. En mi opinión, sigue siendo un buen programa, pero denota que hay un deseo de ser, como se dice ahora, políticamente correcto, por ejemplo en la eliminación de todas las transcripciones salvo cuando procedan de laúd, vihuela o guitarra antigua, aunque muchos colegas ni siquiera admitirían éstas.

También  estas elecciones (que corren paralelas comprensiblemente a un cierto pero homologado  abatimiento interpretativo) son verificables de otra manera:   un famoso concurso de piano o violín creo,  recientemente ha cerrado diciendo haber perdido su función desde que un ganador ha llegado ha ser indistinguible de otro.  El guitarrísta comenzó a perder su audiencia, esa audiencia añadida que Segovia había ganado con la guitarra.

Entonces,  en la temporada de conciertos que antes se invitaba a guitarrístas porque  “llenaban la sala”, se ha caído en que la cambiante situación de su presencia en la vida musical tradicional se ha convertido en mucho mas rara (en este sentido estoy de acuerdo con el análisis realizado por Filippo Michelangeli en un editorial de “Seiscorde” hace algunos años).

   Mientras tanto, los guitarristas fueron creciendo y multiplicándose, se convirtieron en una zona de gran atracción para  aquellos que sobresalían en la enseñanza y la edición. Así que, yo diría desde los años ochenta, el segundo error de nuestra “gran escena” fué el de creer que para poder sustituir la apertura universal de la que había caracterizado el auge de la guitarra (apertura, recuerdo, efectuada de dos maneras: la apertura de la guitarra a la cultura, a un mundo del alza en los valores, y, al mismo tiempo, la apertura a todo el mundo trayendo la belleza de la música clásica a todo el mundo) con un cierre de la guitarra sobre sí misma y con un mercado interior, compuesto por aficionados a la guitarra, un poco como en la época anterior a Segovia aunque con muchos mas recursos técnicos de todo tipo (desde el nivel de técnica de la guitarra, no obstante  aumentado enormemente gracias a la facilidad de publicación de grabaciones y partituras, a la facilidad de las comunicaciones y de organización de eventos…)  nos resignamos a ser un pequeño nicho en el interior de otro nicho un poco mas grande de los amantes de la música clásica:  – “la guitarra ni siquiera interesa a otros músicos, imagínate si puede interesar a los demás”- dijo alguién recientemente, sin embargo muy activo en la organización de eventos de guitarra.

Con la llegada del final del siglo veinte, una vez que el intelectualismo reinante ha pagado el precio (y la guitarra una vez mas, ha seguido la tendencia) hoy vemos en oposición a un mundo musical enrocado en una defensa excesiva de la torre de marfil de una “academia”,  a una emergente burbuja instictiva y de pensamiento débil. Este contraste también se observa entre los guitarrístas; basta pensar en el fenómeno de algunos compositores de guitarra con su música entre la de transición  y vanguardia; tangos de todos los rincones y  por todo el mundo  -he actuado en cincuenta países y la estandarización que he visto es impresionante-

Hoy en día el mundo de la guitarra es esencialmente un mundo con demasiada frecuencia auto-referencial, dónde el guitarrísta no tiene ya como interlocutor al público, (“cercano a todos” como dijo Segovia) pero si a los otros guitarrístas y a lo que dicen las revistas y foros especializados; y si se abre al mundo, lo hace en términos de populismo musical y de compromiso con la música de consumo. Esto entonces tiende a perpetuarse, porque, ¿que hace un joven guitarrísta que quiere estar al tanto de lo que está pasando? Probablemente se suscriba a una revista de guitarra, la mas conocida y a los mas famosos festivales y concursos: ¿y qué encuentra? un mundo de celebración encerrado en sí mismo, una parcela con sus héroes y sus modas (la presencia de la guitarra en importantes contextos musicales, cuando ocurre, no es probable que no encuentre eco en estos ambientes, por ejemplo, el intérprete o el compositor en cuestión -tal vez objetivamente importantes- no están entre los nombres que “circulan” en la escena.

Par mí  que suelo actuar casi siempre para una audiencia de no-guitarrístas  la diferencia es impresionante; por ejemplo, hace poco toqué en un festival de guitarra en Ciudad de Mexico y luego  justo después,  interpreté el mismo programa en San Francisco para un público “normal”:  parecían dos universos paralelos que no podían comunicarse entre ellos.

Aunque en la actualidad  parece animado, vital y lleno de iniciativas, es como si el mundo de la guitarra  a causa de esta ruptura con su tradición hubiera socavado su base  y que fuera por este motivo un “gigante con pies de barro”.

Existe una mordaz observación respecto a esto que he leído hace poco en el método de F.Sor y que bien  podría ser aplicada a día de hoy:  “Lo que se consideraba dominio del instrumento fué precisamente lo que impidió su logro”  (Sor, Método)

 Es una frase difícil, pero voy a aclararlo un poco con otro ejemplo: Hace poco uno de mis alumnos y yo fuímos a escuchar un concierto en un un festival de guitarra. El público se había vuelto  loco, pero mi alumno  comenta  a una persona entusiasmada que aplaudía  a su lado:        ” pues a mí no he ha dicho nada”  y la persona le contesta:  “en efecto, pues es verdad”.  La misma razón que le había hecho aplaudir le había impedido darse cuenta de que faltaba algo.

Para mí el encuentro con Segovia ha sido una revelación que ha puesto en marcha un proceso de pensamiento en continua evolución;  estoy seguro de que la guitarra  “sigue adelante” como el mismo Segovia me dijo la última vez que lo encontré en Madrid, que esperaba que ocurriera éso  después de él,  que siguiera avanzando.

El problema hoy, por referirme a la algunas veces reaflorante tormenta  no es si existe o no el nuevo Segovia;  si seguimos avanzando, cada uno puede en ese camino de apertura cultural y por lo tanto abierto a sus experiencias, romper o no con la tradición.

En cuanto a mí mismo, tengo la intención de que toda mi actividad profesional sea un intento de retomar esta tradición de la que he hablado.         Esto implica hacer algunas cosas que hoy se ven poco, en primer lugar -sin dar nada por sentado-  preguntárse uno mismo: “¿qué me dice esto a mí?  y a continuación:  ¿qué puede decir por tanto a todo el mundo?.   Recuerdo una frase del sociólogo checo Belohradsky que decía que la tradición europea significa no ser capaz de vivir  mas allá de la conciencia reduciéndola a un aparato anónimo… ;  una investigación absolutamente personal, una comparación atenta y personal con la gran tradición de composición y el rendimiento del pasado hasta nuestros días,  la conciencia crítica del valor de nuestro repertorio que es extremadamente variado en relación a nuestras necesidades.

Una de las cosas que estoy haciendo en el sentido del que hablo es la propuesta de un programa, vamos a decir de tipo popular, que relacione la historia del arte con la música. Es un programa que ha sido muy solicitado: lo he hecho unas cien veces en los dos últimos años yendo casi a cualquier sitio, desde escuelas a universidades, centros culturales, en el intento de contribuir a tomar de nuevo la música para todos, y los resultados son muy alentadores.

Como complemento he elegido tres ejemplos, cada uno significativo a su modo: una transcripción segoviana de Mendelsshon, una pieza escrita para mí por Gilberto Capelli, gran compositor que ganó el premio Abbiati y que escribe piezas breves para que incluso puedan ser escuchadas por un estudiante, y una de mis transcripciones de la obra de John Cage titulada  “A room”.

Después espero sus comentarios para  un diálogo que continuaremos mas tarde.

Gracias a todos.